Salvator Mundi του Leonardo Da Vinci, Interchange του Willem de Kooning, The Cardplayers του Paul Cezanne, Nafea Faa Ipoipo του Paul Gauguin, Number 17A του Jackson Pollock, Water Serpents II του Klimt, No. 6 (Violet, Green and Red) του Mark Rothko.

Salvator Mundi του Leonardo Da Vinci

Πωλήθηκε : $450.03 εκ.

Ημερομηνία πώλησης : 15 Νοεμβρίου 2017

Οίκος δημοπρασιών : Christie`s στη Νέα Υόρκη

Aγοραστής : Badr bin Abdullah Al Saud

Ο Leonardo Da Vinci παρέμεινε σε μεγάλο βαθμό διάσημος από τον θάνατό του πριν από 500 χρόνια. Δυστυχώς, τα αρχεία που αφορούν στην πώληση και το εμπόριο των έργων του δεν είναι πάντα σαφή ή ακριβή λόγω του χρόνου. Μέχρι στιγμής, έχουν πουληθεί μόνο δύο γνωστοί πίνακές του τον περασμένο αιώνα.

Ο πίνακας Leonardo da Vinci που απεικονίζει τον Σωτήρα του Κόσμου κρύβει μια μελοδραματική ιστορία καθώς αμφισβητήθηκε ότι είναι δικό του έργο, ωστόσο πολλά στοιχεία επιβεβαιώνουν ότι ανήκει τελικά στον κορυφαίο καλλιτέχνη.

Στη ζωγραφική του, ο καλλιτέχνης παρουσιάζει τον Χριστό όπως χαρακτηρίζεται στο Ευαγγέλιο του Ιωάννη 4:14: “Και είδαμε και μαρτυρούμε ότι ο Πατέρας έστειλε τον Υιό του ως Σωτήρα του Κόσμου”. Ο Χριστός κοιτάζει σταθερά τον θεατή, με λίγα γένια και καστανόξανθα δαχτυλίδια στα μαλλιά.

Με το δεξί του χέρι υψωμένο για να ευλογίσει και το αριστερό του χέρι να κρατά μια σφαίρα (που συχνά θεωρείται σταυρός) γνωστή ως  globus cruciger- που πιστεύεται ότι αντιπροσωπεύει τους ουρανούς. Η σφαίρα εξετάστηκε από κάποιους που δήλωσαν ότι η ημιδιαφανής κρυστάλλινη σφαίρα θα αλλοίωνε τα ρούχα του Χριστού.  Μέχρι εκείνη τη στιγμή το πρόσωπο και τα μαλλιά του Χριστού ήταν ζωγραφισμένα με έντονα χρώματα. Η μορφή του Σωτήρα του Κόσμου, κοιτάζει μπροστά και είναι ντυμένος με ρόμπα της Αναγέννησης.

Λέγεται ότι ο Leonardo da Vinci ζωγράφισε τον εν λόγω πίνακα για τον βασιλιά Λουδοβίκο XII της Γαλλίας και τη σύζυγό του, Anne της Μεγάλης Βρετανίας. Το πιθανότερο είναι να του ανατέθηκε μετά τις κατακτήσεις του Μιλάνου και της Γένοβας.

Το έργο θεωρήθηκε ταυτόχρονα ότι καταστράφηκε. Ο πίνακας εξαφανίστηκε από το 1763 έως το 1900, όταν αγοράστηκε από τον Sir Charles Robinson ως έργο του Bernardino Luini, μαθητή του Leonardo. Στη συνέχεια εμφανίστηκε στον οίκο δημοπρασιών Sotheby`s στην Αγγλία το 1958 όπου πωλήθηκε για 45 £ – περίπου 125 δολάρια εκείνη την εποχή. Στη συνέχεια εξαφανίστηκε ξανά μέχρι να αγοραστεί σε έναν μικρό αμερικανικό οίκο δημοπρασιών το 2005.

Όπως πολλά από τα σωζόμενα έργα του Leonardo , έτσι και ο πίνακας δεν ήταν σε άριστη κατάσταση όταν επανεμφανίστηκε στις αρχές της δεκαετίας του 2000. Απαιτούσε εκτεταμένη αποκατάσταση. Παρόλο που υπάρχουν σεβαστοί ειδικοί στην τέχνη της Αναγέννησης που αμφισβητούν την απόδοση του πίνακα στον συγκεκριμένο καλλιτέχνη , πωλήθηκε σε δημοπρασία στο Christie`s στη Νέα Υόρκη τον Νοέμβριο του 2017 για 450.312.500 δολάρια, μια νέα τιμή ρεκόρ για ένα έργο τέχνης.

Ιδιοκτήτης του πίνακα λέγεται ότι είναι ο διάδοχος της Σαουδικής Αραβίας, Mohammed bin Salman (MBS). Το έργο πωλήθηκε ως αυθεντικός Leonardo da Vinci και είχε ονομαστεί «η αρσενική Mona Lisa».

Λίγο καιρό αργότερα, το περίφημο Λούβρο του Abu Dhabi ανακοίνωσε την έκθεση του πίνακα. Κάτι τέτοιο θα μπορούσε να προσελκύσει χιλιάδες επισκέπτες στη Σαουδική Αραβία αλλά και στο μουσείο της χώρας. Ωστόσο, όλα έδειξαν ότι δεν ήταν κατάλληλη η  εποχή να συμβεί αυτό, αφού συνέπεσε με τον διεθνή σάλο εξαιτίας της δολοφονίας του Jamal Ahmad Khashoggi μέσα στο προξενείο της Σαουδικής Αραβίας στην Κωνσταντινούπολη, από ομάδα Σαουδαράβων πρακτόρων, στις 2 Οκτωβρίου 2018. Όσο για τις αποκαλύψεις γύρω από το έγκλημα, αμαύρωσαν και την εικόνα του διαδόχου του θρόνου, πρίγκιπα Mohammed bin Salman.

Εύλογο ήταν το Υπουργείο Πολιτισμού και Τουρισμού της χώρας να αναβάλει την πολυαναμενόμενη έκθεση-παρουσίαση του έργου. Η ανακοίνωση στα σόσιαλ μίντια ανέφερε πως “διευκρινίσεις θα δοθούν σύντομα”, χωρίς να δωθούν ποτέ περαιτέρω εξηγήσεις.

Καθώς ο πίνακας του Da Vinci θεωρείται το ακριβότερο έργο στον κόσμο, το μουσείο του Λούβρου το ζήτησε για μια μεγάλη έκθεση με αφορμή τα 500 χρόνια από το θάνατο του  κορυφαίου ζωγράφου.

Η απάντηση των ιδιοκτητών είναι τελικά αρνητική. Κι αυτό το γεγονός όπως και οι διάφορες θεωρίες συνωμοσίας για το αν τελικά ο πίνακας είναι έργο του Da Vinci, κάνει την ιστορία του πίνακα να μοιάζει με αστυνομικό μυθιστόρημα.

Οι ειδικοί εξακολουθούν να διίστανται ως προς την απόδοσή του. Υπάρχουν αρκετά αντίγραφα του πίνακα, ζωγραφισμένα από μαθητές και οπαδούς του Leonardo, αλλά εξακολουθεί να υπάρχει αμφιβολία για το αν αυτό το συγκεκριμένο κομμάτι είναι το πρωτότυπο ή πόσο από αυτό ήταν πραγματικά δουλεμένο από τον ίδιο τον καλλιτέχνη.

Interchange του Willem de Kooning –

Πωλήθηκε : $ 300 εκ.

Ημερομηνία πώλησης : Σεπτέμβριος 2015

Ιδιωτική πώληση

Aγοραστής : Kenneth C. Griffin

Interchange

Το Interchange είναι ένας πίνακας με λάδι σε καμβά που αναπαριστά τα έργα ζωής του αφηρημένου εξπρεσιονιστή ζωγράφου Willem De Kooning. Ο καλλιτέχνης ολοκλήρωσε αυτό το άψογο έργο τέχνης το 1955 και έχει διαστάσεις 200,7 επί 175,3 εκατοστά.

Ο ίδιος ο ζωγράφος σημείωσε σημαντικές αλλαγές στο δικό του στυλ όταν έκανε το Interchange και αυτή δεν ήταν η πρώτη φορά. Την αλλαγή την βίωσε αρκετές φορές στην καλλιτεχνική του ζωή. Ο πιο αγαπημένος καλλιτέχνης του  De Kooning, Franz Kline, είχε σημαντική επιρροή στο Interchange. Ο εν λόγω πίνακας ήταν πολύ σημαντικός για την καριέρα του καλλιτέχνη επειδή ήταν η πρώτη του επιτυχημένη εξπρεσιονιστική τέχνη. Πριν από το 1955, οι πίνακές του βασίζονταν σε ανθρώπινες φιγούρες και το «Interchange» είναι η πλήρης αλλαγή στο στυλ του. Η στροφή από τις παραδοσιακές ιδέες ζωγραφικής στην εξπρεσιονιστική τέχνη ήταν ένα μεγάλο άλμα για τον ζωγράφο.

Ακριβώς πριν από την επιτυχία του Interchange, ο Kooning δημιούργησε το Woman, Woman I και Woman III ως μέρος της εξπρεσιονιστικής του σειράς τέχνης. Με την αφηρημένη οπτικοποίηση, ο De Kooning ήρθε στο προσκήνιο στις γύρω κοινότητες στην Κεντρική Νέα Υόρκη. Το “Police Gazette”, το “Composition”, το “Gotham News”, το “In the Night of Saturday” και το “Easter Monday”  ήταν μερικά από τα έργα του που παρουσιάστηκαν.

Ωστόσο, το 1956, το Interchange άναψε τη φωτιά στον κόσμο της τέχνης. Μαζί με τον Interchange, συζητήθηκαν και άλλοι εξπρεσιονιστικοί και αφηρημένοι πίνακες εκείνη την περίοδο. Ιδιαίτερα το Interchange τράβηξε την προσοχή των κριτικών και των μέσων ενημέρωσης που έδωσαν στον De Kooning μεγάλη καλλιτεχνική αναγνώριση.

Η κεντρική Νέα Υόρκη είναι το σκηνικό του Interchange και ακόμη και το όνομα αντικατοπτρίζει επίσης το σκηνικό. Είναι μια μεταπολεμική τέχνη που παρουσιάζει τον Kooning ως εξπρεσιονιστή. Αν και ποτέ δεν διακήρυξε τον εαυτό του ως εξπρεσιονιστή, οι κριτικοί τον αναγνώρισαν ευρέως ως εξπρεσιονιστή ζωγράφο. Πριν από το Interchange, εξέθεσε επίσης μερικά από τα διάσημα εξπρεσιονιστικά, αφηρημένα έργα του, αλλά το Interchange τον έκανε διάσημο.

Ο δεύτερος ακριβότερος πίνακας στον κόσμο, είναι η συνέχεια της δουλειάς του της σειράς “Women” που εκτέθηκε στην ατομική του έκθεση το 1953. Το ίδιο το Interchange έχει τεράστια επιρροή από τη σειρά Women που μπέρδεψε και ταλαιπώρησε τις κριτικές και συνεχίζει να το κάνει ακόμα και σήμερα.  Υπάρχει ένα ευρύ φάσμα σύγχυσης σχετικά με το μοτίβο αυτού του πίνακα. Ωστόσο, η σειρά “Women” και το Interchange συνδέονται και τα δύο. Εξάλλου, η αφηρημένη παραστατικότητα και ο κυβισμός αντιπροσωπεύουν επίσης τη διαστρεβλωμένη ανθρώπινη κατάσταση που καταστράφηκε από τον χρόνο.

Όταν επέλεγε να ονομάσει τους πίνακές του, προτιμούσε πάντα έναν σύνδεσμο με την περιοχή όπου ζούσε. Το Interchange πήρε το όνομα από τη γύρω, κεντρική Νέα Υόρκη, το μέρος που έζησε εκείνη την εποχή.

Σε αντίθεση με τους συναδέλφους του, οι πίνακες του Kooning χρησιμοποιούσαν διάφορες μορφές, όπως ο κυβισμός, ο σουρεαλισμός και ο εξπρεσιονισμός. Στην πραγματικότητα, οι μεταπολεμικές μορφές τέχνης του νεο-ντανταϊσμού τον προσέλκυσαν και τον συνέδεσαν με την pop art. Έλαβε υπόψη του όλες αυτές τις καλλιτεχνικές κινήσεις και δημιούργησε μια συγχώνευση εικονοποίησης, αφαίρεσης και εξωραϊσμού.

Ο De Kooning ήταν ένας από τους πρώτους ζωγράφους που υιοθέτησε μια αφηρημένη εξπρεσιονιστική μορφή για πίνακες. Ο Jackson Pollock  ήταν ένας από τους εξέχοντες ζωγράφους που ανήκαν σε αυτή την κατηγορία.

Η πινελιά είναι απλώς μια γρήγορη κίνηση σε αυτό το έργο. Ο Franz Kline μπορεί να επηρέασε την απαλή χειρονομία του για το Interchange. Για να ζωγραφίσει αυτό το εκπληκτικό έργο τέχνης δεν υιοθέτησε τη βίαιη πινελιά όπως οι άλλοι σύγχρονοι συνάδελφοί του.

The Cardplayers  (Oι χαρτοπαίκτες) του Paul Cezanne

Πωλήθηκε : $ 250 εκ.

Ημερομηνία πώλησης : Απρίλιος 2011

Ιδιωτική πώληση

Aγοραστής : State of Qatar

“Οι χαρτοπαίκτες” είναι ένας από τους διασημότερους πίνακες του Γάλλου Μεταϊμπρεσιονιστή καλλιτέχνη τον οποίο ζωγράφισε κατά την τελευταία του περίοδο, στις αρχές της δεκαετίας του 1890. Ο Cezanne δημιούργησε μια ποικιλία μεγεθών και εκδόσεων του πίνακα, όπως παρουσιάζεται στον αριθμό των παικτών που υπάρχουν στο έργο τέχνης. Επιπλέον, ολοκλήρωσε αρκετά σκίτσα ενώ ετοιμαζόταν για τη σειρά των χαρτοπαικτών η οποία αποτελείται από πέντε πίνακες. Μια από τις εκδόσεις του είχε τιμή περίπου 250 εκατομμύρια έως 300 εκατομμύρια δολάρια και πουλήθηκε το 2011. Ως εκ τούτου, θεωρήθηκε ως το πιο ακριβό έργο τέχνης που πουλήθηκε ποτέ.

Η σειρά αυτού του εντυπωσιακού έργου τέχνης λέγεται ότι ήταν η καλύτερη μεταξύ των έργων του Cezanne κατά τη δεκαετία του 1890 και χρησίμευσε επίσης ως το επίκεντρο στα τελευταία χρόνια του καλλιτέχνη. Κάθε πίνακάς του απεικονίζει τυπικούς Προβηγκιανούς αγρότες που βυθίζονταν στις καθημερινές τους δραστηριότητες καθώς κάπνιζαν τις πίπες τους και έπαιζαν χαρτιά.

Τα θέματα του πίνακα είναι όλα με άνδρες που φαίνονται να είναι επικεντρωμένοι στο παιχνίδι τους.

Ο καλλιτέχνης διασκεύασε ένα θέμα από τα είδη ολλανδικής και γαλλικής ζωγραφικής του 17ου αιώνα, το οποίο παρουσίαζε παιχνίδια με χαρτιά που έπαιζαν μεθυσμένοι και ασταθείς παίκτες σε ταβέρνες. Ωστόσο, ο Cezanne αντικατέστησε αυτές τις φιγούρες με σοβαρούς εμπόρους σε ένα μάλλον απλοποιημένο περιβάλλον. Ενώ οι περισσότεροι πίνακες εκείνης της εποχής ήταν αρκετά συναισθηματικοί, τα έργα τέχνης του Cezanne ήταν γνωστά για την έλλειψη συναισθημάτων, τον συμβατικό χαρακτηρισμό και την αφήγηση. Επιπλέον, δεν υπάρχουν σημάδια δράματος ή συναισθημάτων, που ήταν εξέχουσες εικόνες ζωγραφικής του 17ου αιώνα.

Τα περισσότερα μοντέλα για τους πίνακες του Cezanne ήταν αγρότες και αρκετοί από αυτούς δούλευαν στην οικογενειακή περιουσία του καλλιτέχνη. Κάθε μια από τις σκηνές στους πίνακές του παρουσιάζεται ως ήσυχη και “Οι χαρτοπαίκτες” φαίνονται να είναι συγκεντρωμένοι στο παιχνίδι τους. Αυτή η εικόνα φάνηκε να παρουσιάζει πώς οι κάρτες χρησιμεύουν ως το μοναδικό μέσο επικοινωνίας των ανδρών μετά τη δουλειά τους. Στην πραγματικότητα, οι περισσότεροι κριτικοί περιγράφουν τις σκηνές ως την αναπαράσταση της ανθρώπινης νεκρής φύσης, ενώ άλλοι πιστεύουν ότι η εστίαση των ανδρών στο παιχνίδι απεικονίζει την απορρόφηση του καλλιτέχνη στα έργα του.

Ο Cezanne δημιούργησε αρκετά σκίτσα και μελέτες καθώς προετοιμαζόταν για αυτή σειρά. Έκανε πάνω από δώδεκα προπαρασκευαστικά σχέδια και ζωγράφισε αρκετούς τοπικούς αγρότες προκειμένου να ανακαλύψει την καλύτερη εικόνα που θα άρμοζε στους τελευταίους πίνακές του.

“Οι χαρτοπαίκτες’ του Cezanne δεν ήταν απλώς ένα πορτρέτο δύο ανδρών που εστίαζαν στο παιχνίδι τους. Στην πραγματικότητα, αυτό το υπέροχο έργο τέχνης ήταν περισσότερο μια εξερεύνηση και ανακάλυψη της πιθανής απόχρωσης του χρώματος και του όγκου. Το αστραφτερό λευκό highlight στον πίνακα φαίνεται να χωρίζει τη σύνθεση σε δύο τμήματα, και αυτό εφιστά την προσοχή στις σκοτεινές και φωτεινές τονικότητες των ανδρικών φορεμάτων. Με αυτές τις εντυπωσιακές λεπτομέρειες και χαρακτηριστικά, “Οι χαρτοπαίκτες” ήταν γνωστό ως ένα από τα πιο λαμπρά έργα τέχνης όλων των εποχών.

Nafea Faa Ipoipo (When Will You Marry?) του Paul Gaugin-

Πωλήθηκε : $210εκ.

Ημερομηνία πώλησης : Σεπτέμβριος 2014

Ιδιωτική πώληση

Aγοραστής : State of Qatar

Ο Gaugin ημιουργεί τότε ένα μεταιμπρεσσιονιστικό έργο που απεικονίζει δύο γυναίκες της Ταϊτής. H  μία με παραδοσιακό και η άλλη με φόρεμα ευρωπαϊκού στιλ. Το πρώτο δε,  αποκρύπτει εν μέρει το δεύτερο. Οι επίπεδες φιγούρες και τα φωτεινά, εκφραστικά χρώματα είναι χαρακτηριστικά στοιχεία του διάσημου ζωγράφου.

Στο έργο βλέπουμε  μια νεότερη γυναίκα με παραδοσιακό φόρεμα να είναι ξαπλωμένη στο έδαφος. Κοιτάζει προς τα πίσω και εν μέρει αποκρύπτει μια την άλλη φιγούρα με φόρεμα δυτικού στιλ που σηκώνει το χέρι της κάνοντας μια σημαντική χειρονομία.

Το λουλούδι πίσω από το αυτί του κοριτσιού είναι ένα παραδοσιακό σύμβολο της Ταϊτής με το οποίο οι γυναίκες σηματοδοτούν τη διαθεσιμότητα για γάμο. Στους πρόποδες της εικόνας υπάρχει μια επιγραφή στα Ταϊτινικά: “NAFEA Faa ipoipo”, που μεταφράζεται ως: “Πότε θα παντρευτείς;”

Πολλοί από τους πίνακες του Gaugin από εκείνη την εποχή έφεραν επιγραφές.

Ο ηδονικός αισθησιασμός της γυναίκας διακρίνεται και μεταδίδεται εύστοχα από τα φωτεινά επίπεδα χρώματα που χρησιμοποιούσε ο κορυφαίος ζωγράφος σε αυτήν την περίοδο.

Το στυλ είναι κάπως αφελές, με απλοποιημένα περιγράμματα που χρησιμοποίησε για να μεταφέρει το ιδανικό του για την πρωτόγονη τέχνη.

Οι γυναίκες φαίνεται να αναμειγνύονται με το τοπίο, λες και μεγαλώνουν όπως τα λουλούδια από το πράσινο και το κίτρινο γρασίδι.

Υπάρχει, ωστόσο, μια αίσθηση του τρόμου στην κλεφτή ματιά της νεαρής γυναίκας.

Ίσως μέσα από αυτό ο Gauguin προσπαθούσε να αντικατοπτρίσει έναν πρωτόγονο χαρακτήρα στην καλλιτεχνική έκφραση.  Μια καθαρή μορφή έκφρασης που επιθυμούσαν οι σύγχρονοι του αλλά που ένιωθε ότι δεν μπορούσε να εκφραστεί αληθινά μέσα στα δέσμια της συμβατικής κοινωνίας και της σκέψης.

Η Ταϊτή που βρήκε δεν μπορούσε να ανταποκριθεί στις προσδοκίες του. Το νησί είχε αποικιστεί από τους Γάλλους από τον 18ο αιώνα και μεγάλο μέρος του πολιτισμού των ιθαγενών είχε χρησιμοποιηθεί υπό την επίδραση της αποικιοκρατίας.

Ωστόσο, ο Gauguin βρήκε έμπνευση και αυτή η εικόνα, ζωγραφισμένη στην πρώτη του επίσκεψη στο νησί, δείχνει μεγάλο μέρος της ελευθερίας της φαντασίας και της έκφρασης που βρήκε εκεί.

Ο Rudolf Staechelin ήταν ο ιδιοκτήτης του πίνακα Nafea Faa Ipoipo από τον Paul Gauguin .

Ο Staechelin επιβεβαίωσε στους New York Times  ότι η ελαιογραφία του 1892 δύο Ταϊχιτών γυναικών είχε πωληθεί, αλλά δεν επιβεβαίωσε ούτε την ταυτότητα του αγοραστή, ούτε την τιμή. Πιστεύεται ότι αγοράστηκε από τον Sheikha Al-Mayassa bint Hamad bin Khalifa Al-Thani  του Κατάρ για 210 εκατομμύρια δολάρια- ο οποίος το 2011 πλήρωσε ένα ρεκόρ 259 εκατομμυρίων δολαρίων για τους “Χαρτοπαίκτες” του Paul Cezanne.

Αφού το Kunstmuseum στη Βασιλεία της Ελβετίας δανείστηκε τον πίνακα για σχεδόν 50 χρόνια, το Rudolf Staechelin Family Trust τον πούλησε το 2015 στον Εμίρη του Κατάρ για 210 εκατομμύρια δολάρια.

Number 17A του Jackson Pollock

Πωλήθηκε : $200 εκ.

Ημερομηνία πώλησης : Σεπτέμβριος 2015

Ιδιωτική πώληση

Aγοραστής : Kenneth C. Griffin

Ο Pollock σχεδίαζε ελεύθερα γραμμές και δεν χρησιμοποίησε κανένα είδος γεωμετρικών σχημάτων ή γραμμών. Το έργο φαίνεται σαν να είχε ζωγραφίσει τυχαία από την αρχή.

 Ο Pollock χρησιμοποιεί άμορφα σχήματα επειδή στη ζωγραφική τα σχήματα και οι γραμμές που χρησιμοποιούνται δεν έχουν σαφή ορισμό. Οι γραμμές δεν είναι οριζόντιες, κάθετες και διαγώνιες. Οι γραμμές είναι ως επί το πλείστον τυχαίες όπως σε μια αφηρημένη τέχνη. Είναι μια αφηρημένη τέχνη γιατί η τέχνη δεν μιμείται ούτε αναπαριστά ξεκάθαρα την ορατή πραγματικότητα. Είναι επίσης μη αντικειμενικό γιατί περιέχει ή δεν έχει καμία αναφορά στον πραγματικό κόσμο και τις συνθέσεις του πίνακα όπως γραμμή, σχήμα, το χρώμα και η υφή είναι χωρίς αναγνωρίσιμο θέμα. Αυτός ο πίνακας χρησιμοποιεί όλα τα είδη χρωμάτων όπως μπλε, κόκκινο, λευκό, μαύρο, κίτρινο, κ.λπ. Αυτός ο πίνακας χρησιμοποιεί τα περισσότερα από τα χρώματα από την απόχρωση. Αυτός ο πίνακας αποτελείται από ζεστά και κρύα χρώματα όπως το μπλε και το πορτοκαλί. Έχει επίσης και βασικά και δευτερεύοντα χρώματα. Έχει ανάλογα και συμπληρωματικά χρώματα γιατί χρησιμοποιεί χρώμα το ένα δίπλα στο άλλο και απέναντι στον χρωματικό τροχό δώδεκα σημείων.

Είναι εντυπωσιακό ότι το 2015, πουλήθηκε από το Ίδρυμα David Geffen στον Αμερικανό διαχειριστή hedge fund και δισεκατομμυριούχο Kenneth C. Griffin για 200 εκατομμύρια δολάρια. Αυτό κάνει τον εν λόγω πίνακα τον πέμπτο πιο ακριβό που πουλήθηκε ποτέ στην ιστορία.Πριν από την πώλησή του, ο πίνακας είχε εκτεθεί στο Ινστιτούτο Τέχνης του Σικάγο.Ο πίνακας πιθανότατα αυτή τη στιγμή εκτίθεται σε ένα από τα ιδιωτικά σπίτια του Griffin.

Water Serpents II – Klimt

Πωλήθηκε : $ 183,8 εκ.

Ημερομηνία πώλησης : 2013

Ιδιωτική πώληση

Aγοραστής : Dmitry Rybolovlev

Το έργο “Water serpents II” Δεν διαφέρει πολύ από τα προκαταρκτικά σχέδια που χρησιμοποίησε ο Κlimt για να τον δημιουργήσει, εκτός από την προσθήκη του χρυσού χρώματος και το πράσινο και χρυσόφυλλο νήμα μπλεγμένο γύρω από τα γυναικεία σώματα.

Η λεσβιακή αγκαλιά των μοντέλων του θα ήταν σαφώς μην αποδεκτή για την εποχή του, αν παρουσιαζόταν ως ένα ευθύ πορτρέτο. Ωστόσο, μετονομάζοντας το έργο, δίνοντάς του ένα αλληγορικό θέμα, προσθέτοντας το φίδι που μοιάζει με ψάρι πίσω από τα σώματα και στολίζοντας κάθε επιφάνεια με χρυσό και μοτίβο, ο Klimt μπόρεσε να παρουσιάσει τον πίνακα στη Βιέννη δίχως φόβο λογοκρισίας.

Τα βασικά είδη της τέχνης του Klimt παρέμειναν αμετάβλητα μέχρι τη στιγμή του θανάτου του : πορτρέτα, τοπία και αλληγορίες. Στην τελευταία του περίοδο, ωστόσο, αυτά τα γνωστά είδη αντιμετωπίστηκαν με μεγαλύτερη έκφραση συναισθημάτων και οι εικόνες έγιναν λιγότερο αφηρημένες. Οι ανθρώπινοι τύποι δεν μεταμφιέζονταν πλέον στο πλαίσιο του μύθου ή του παραμυθιού. Εμφανίστηκαν ενώπιον του θεατή σε μια ακάλυπτη πραγματικότητα. Σε έναν μεταγενέστερο πίνακα, « Women Friends», ο Klimt απεικόνισε τον λεσβιασμό πολύ πιο ανοιχτά. Εκεί, μια γυμνή νεαρή κοπέλα με σπασμένα χείλη ακουμπά το κεφάλι της στον εραστή της, ο οποίος κρατά ένα περιτύλιγμα, καλύπτοντας εν μέρει το γυμνό τους.

Το Water Serpents II ασχολείται με τον αισθησιασμό του γυναικείου σώματος και τις σχέσεις μεταξύ ατόμων του ίδιου φύλου.

H ιστορία του έργου

H ιστορία του πίνακα είναι ιδιαίτερη, όπως και άλλες ιστορίες έργων του Klimt. Συγκεκριμένα, κατά τη διάρκεια του Β` Παγκοσμίου Πολέμου, κλάπηκε από τους Ναζί, ενώ πιο πρόσφατα, ήταν το επίκεντρο μιας διαμάχης γύρω από το ρεκόρ πώλησής του το 2013. Από τον Δεκέμβριο του 2019, είναι ο 6ος ακριβότερος στον κόσμο καθώς και το πιο ακριβό έργο του Klimt σε πωλήσεις.

Η Εβραία ιδιοκτήτρια του πίνακα, Jenny Steiner, αναγκάστηκε να φύγει από τη Βιέννη στην Πορτογαλία το 1938 υπό την απειλή των Ναζί. Ο εν λόγω πίνακας, όπως και πολλοί άλλοι που ανήκαν σε Εβραίους, κατασχέθηκε από τους Ναζί. Αντίστοιχη μοίρα λοιπόν με άλλους είχε κι αυτός ο πίνακας καθώς δόθηκε σε ένα μέλος του ναζιστικού κόμματος. Ο νέος του ιδιοκτήτης ήταν ένας Ναζί σκηνοθέτης ονόματι  Gustav Ucicky. Το ειρωνικό της υπόθεσης είναι ότι ο Ucicky φημολογείται ότι είναι ένα από τα πολλά παράνομα παιδιά του Klimt.

Αφού τελείωσε πια ο πόλεμος,  ο Gustav Ucicky  συνέχισε να είναι ιδιοκτήτης του πίνακα, τον οποίο είχε κρεμασμένο σε έναν τοίχο στο διαμέρισμά του στη Βιέννη. Το 1961, ο Ucicky πέθανε και άφησε τον πίνακα στη σύζυγό του, Ursula. Όλη αυτήν την περίοδο, ο πίνακας θεωρήθηκε χαμένος.

Το 2012, η ​​Ursula Ucicky έβγαλε τον πίνακα προς πώληση με τον οίκο δημοπρασιών Sotheby`s να ενεργεί ως μεσίτης. Το έργο όμως εξακολουθούσε να θεωρείται κλεμμένο, οπότε, η Ursula έπρεπε να συμφωνήσει με τους κληρονόμους της Jenny Steiner, της νόμιμης ιδιοκτήτριας του πίνακα, προκειμένου να λάβει άδεια εξαγωγής.

Σύμφωνα με αυτό που όριζε η συμφωνία η οποία διαμεσολαβήθηκε από την Israelitische Kultusgemeinde Wien, ή την Εβραική Κοινότητα της Βιέννης,  τα έσοδα θα μοιράζονταν κατά 50/50 μεταξύ της Ursula και των κληρονόμων. Την ίδια χρονιά, ο πίνακας πουλήθηκε σε έναν μεσίτη τέχνης ονόματι Yves Bouvier για 112 εκατομμύρια δολάρια. Αυτό σήμαινε ότι κάθε μέρος έλαβε περίπου 56 εκατομμύρια δολάρια. Οι κληρονόμοι της Jenny Steiner χρησιμοποίησαν το μέρος των εσόδων τους για να ιδρύσουν το New Klimt Foundation.

Το 2013 ο Yves Bouvier  πούλησε τον έργο του Klimt σε έναν από τους μεγαλύτερους ιδιωτικούς συλλέκτες έργων τέχνης στον κόσμο. Τον Ρώσο δισεκατομμυριούχο Dmitry Rybolovlev.

Εκείνος όμως, έκανε ακριβώς όπως και με άλλους πλούσιους συλλέκτες και τον ξεγέλασε. Ο Bouvier δεν είπε στον Rybolovliev ότι ήταν στην πραγματικότητα ο ιδιοκτήτης του πίνακα και ότι είχε πληρώσει 112 εκατομμύρια δολάρια για αυτόν. Αντιθέτως, έκανε να φαίνεται ότι ο πίνακας ανήκε ακόμα σε τρίτο μέρος, πείθοντας τον Rybolovlev ότι η αξία του πίνακα ήταν πολύ υψηλότερη από 112 εκατομμύρια δολάρια. Ποιο ήταν το αποτέλεσμα; O Rybolovliev πλήρωσε 183,3 εκατομμύρια δολάρια για τον πίνακα, συν ένα επιπλέον διοικητικό τέλος 3,7 εκατομμυρίων δολαρίων. Αυτό σημαίνει ότι ο Bouvier έκανε κέρδος 75 εκατομμυρίων δολαρίων ξεγελώντας τον πάμπλουτο συλλέκτη. Τίποτα όμως δεν μένει κρυφό και όλα αποκαλύπτονται στο τέλος. Το ίδιο συνέβη και με το δόλο του Bouvier.  O Rybolovlierv, μαζί με πολλά άλλα θύματα του Bouvier, έχει ασκήσει κατηγορίες και μηνύσεις εναντίον του Μπουβιέ και από το 2019, η δίκη ήταν ακόμη σε εξέλιξη.

Το 2015, ο πίνακας πουλήθηκε και πάλι από τον Rybolovliev. Αυτή τη φορά, πουλήθηκε για 170 εκατομμύρια δολάρια σε έναν άγνωστο αγοραστή. Ο πίνακας φημολογείται ότι βρίσκεται στην ιδιωτική συλλογή μιας ανώνυμης πριγκίπισσας του Κατάρ και δεν είναι διαθέσιμος για προβολή στο κοινό.

Νο. 6 (Βιολετί, Πράσινο και Κόκκινο)- Mark Rothko

Πωλήθηκε : $ 186 εκ.

Ημερομηνία πώλησης : Aύγουστος 2014

Ιδιωτική πώληση

Aγοραστής : Rijksmuseum και Louvre 

Αυτός ο πίνακας του Λετονοαμερικανού αφηρημένου εξπρεσιονιστή καλλιτέχνη Mark Rothko είναι ένας από τους πιο ακριβούς πίνακες στον κόσμο παρά την απλή του εμφάνιση.

Το Νο. 6 (Βιολετί, Πράσινο και Κόκκινο) πουλήθηκε αρχικά για 186 εκατομμύρια δολάρια αλλά τώρα αποτιμάται στα 213 εκατομμύρια δολάρια. Το έργο είναι διάσημο ως ένα από τα έργα στην υπόθεση Bouvier. Αγοράστηκε ιδιωτικά από τον Rybolovlev το 2014 για 140 εκατομμύρια ευρώ.

Ζωγραφίστηκε το 1951. Όπως και τα άλλα έργα του Rothko αυτής της περιόδου, το Νο. 6 αποτελείται από μεγάλες χρωματικές εκτάσεις που οριοθετούνται από ανομοιόμορφες, μουντές αποχρώσεις. Το 2014 έγινε ένας από τους πιο ακριβούς πίνακες που πωλήθηκαν σε δημοπρασία.

Είναι ένα από τα έργα που εμπλέκονται στην περίφημη υπόθεση Bouvier.  Αγοράστηκε ιδιωτικά για 140 εκατομμύρια ευρώ από τον Dmitri Rybolovlev το 2014.  O Rybolovlev πιστεύεται ότι αγόρασε τον πίνακα μέσω του Ελβετού αντιπροσώπου, Bouvier. Ο Rybolovlev έμαθε ότι ο Bouvier είχε πράγματι αγοράσει τον πίνακα (και όχι απλώς ως έμπορος) από την Paiker HB για ~ 80.000.000 € πριν τον πουλήσει στον Rybolovlev για 140.000.000 €.