Το αριστούργημα του 1929 έγινε το πιο ακριβό έργο της προπολεμικής αμερικανικής τέχνης όταν πουλήθηκε για $91.875.000 στις 13 Νοεμβρίου του 2018.
Όπως έχει γράψει ο ιστορικός τέχνης Robert Hobbs, ο Αμερικανός ζωγράφος Edward Hopper (1882-1967) ανησυχούσε πάνω από όλα «με τις γενικές ανθρώπινες αξίες», χρησιμοποιώντας την τέχνη «ως έναν τρόπο να πλαισιώσει τις δυνάμεις που λειτουργούν στον σύγχρονο κόσμο `. To έργο “Chop Suey” (1929) , ο πιο εμβληματικός πίνακας του Hopper που έμεινε σε χέρια ιδιωτών, αποτελεί την επιτομή της ψυχολογικής πολυπλοκότητας για την οποία φημίζεται το έργο του, παγώνοντας στη θέση του μια καθημερινή σκηνή από μια Αμερική που άλλαζε ραγδαία.
Στα πρώτα του χρόνια ο Hopper σπούδασε ζωγραφική στη Σχολή Τέχνης της Νέας Υόρκης υπό τον Robert Henri, τον ηγέτη της Σχολής Άσκαν, η οποία έδινε έμφαση σε έναν σκληρό ρεαλισμό. Αν και το στυλ του θα μεταμορφωνόταν με την πάροδο του χρόνου, ο Hopper δεν εγκατέλειψε ποτέ την κεντρική διδασκαλία του Henri: να ζωγραφίζει την πόλη και τη ζωή στους δρόμους που ήξερε καλύτερα. Ενώ μερικοί από τους σύγχρονούς του επικεντρώνονταν στο επιβλητικό σετ με φλάπερ, ο Hopper εκπαίδευσε το βλέμμα του στα πιο ήσυχα, καθημερινά δράματα που εκτυλίσσονταν σε ανεπιτήδευτα μέρη όπως τα κινέζικα εστιατόρια.
Προερχόμενο από την καντονέζικη φράση tsap sui, που σημαίνει «πιθανότητες και άκρα», τα chop suey εστιατόρια είχαν εξελιχθεί από τα μέσα της δεκαετίας του 1920 σε δημοφιλή μεσημεριανά γεύματα όπου η νέα εργατική τάξη μπορούσε να τσιμπήσει κάτι για φαγητό. Οι ελαιογραφίες του Hopper ήταν συχνά αποτέλεσμα ενός συνδυασμού των προηγούμενων εμπειριών του και πιστεύεται ότι ο Chop Suey εμπνεύστηκε εν μέρει από δύο εστιατόρια που επισκέφτηκε ο καλλιτέχνης τη δεκαετία του 1920.
Ο κήπος τσαγιού της Άπω Ανατολής, που βρίσκεται στο 8 Columbus Circle στο Upper West Side της πόλης της Νέας Υόρκης, ήταν ένα μέρος στον δεύτερο όροφο που ο Hopper και η σύζυγός του Josephine σύχναζαν στα πρώτα χρόνια του γάμου τους. Το Empire Chop Suey στο Πόρτλαντ του Μέιν, όπου οι Hoppers πέρασαν το καλοκαίρι του 1927, καυχιόταν για μια παρόμοια εντυπωσιακή πινακίδα – 24 πόδια ύψος και βάρος 600 λίβρες – με αυτή που εμφανίζεται τόσο έντονα στον πίνακα. Καμία εγκατάσταση δεν υπάρχει τώρα πια.
Edward Hopper (1882-1967), Chop Suey, 1929. Λάδι σε καμβά, 32 x 38 in (81,3 x 96,5 cm). Εκτίμηση: 70-100 εκατομμύρια δολάρια. Προσφέρθηκε στις 13 Νοεμβρίου στο An American Place: The Barney A. Ebsworth Collection Evening Sale στον Christie`s στη Νέα Υόρκη
«Προσπάθησα να παρουσιάσω τις αισθήσεις μου με την πιο βολική και εντυπωσιακή μορφή που είναι δυνατόν για μένα». Edward Hopper
Πολλοί κριτικοί πιστεύουν ότι η γυναίκα που απεικονίζεται στον πίνακα είναι αντιμέτωπη με τον σκύλο της. Άλλοι πιστεύουν ότι αυτό δεν είναι αλήθεια επειδή το πρόσωπο της άλλης γυναίκας δεν φαίνεται. Το φως στα θέματα είναι ένα από τα πιο σημαντικά χαρακτηριστικά που ο Hopper απολάμβανε τη ζωγραφική.
Η εμφάνιση
To έργο “Chop Suey” παρουσιάζει δύο γυναίκες να κάθονται σε ένα τραπέζι στη μέση ενός καφέ. Στο βάθος είναι ένας άντρας σε ένα τραπέζι με μόνο το κεφάλι μιας γυναίκας που κάθεται απέναντί του. Τα τραπέζια είναι δίπλα σε παράθυρα, ένα από τα οποία δείχνει μέρος του ονόματος του καφέ. Το φως λάμπει στο τραπέζι στο οποίο κάθονται οι δύο γυναίκες, κάνοντας τη γυναίκα που βλέπει μπροστά να έχει μια πολύ λαμπερή εμφάνιση. Ο άντρας στο βάθος είναι σκοτεινός επειδή βρίσκεται σε μια γωνία χωρίς φως παραθύρου.
Τα μόνα χαρακτηριστικά που παρουσιάζονται με ιδιαίτερη λεπτομέρεια είναι το ζωγραφισμένο πρόσωπο της γυναίκας, το παλτό που κρέμεται από πάνω της, η πλάτη του συντρόφου της στο θεατή, τα χαρακτηριστικά του ζευγαριού στο βάθος, το μπρίκι στο τραπέζι και η πινακίδα του εστιατορίου έξω. Όλα αυτά είναι χαρακτηριστικά είναι τόσο παραστατικά που φέρνουν ένα αισθητήριο στοιχείο στη μνήμη : τον θόρυβο του εξωτερικού φωτός, τις φωνές των ανθρώπων στο βάθος, τη γεύση του τσαγιού, τη μυρωδιά του καπνού του τσιγάρου, το αχνό φως από το παράθυρο.
Τα έργα του Edward Hopper είναι γνωστά για τις ρεαλιστικές σκηνές του που αγγίζουν θέματα απομόνωσης. Συχνά περιέγραφε την τέχνη του ως «μεταγραφή των πιο οικείων του εντυπώσεων από τη φύση», κι αυτό σημαίνει ότι συνέδεε τη μνήμη με τη διαδικασία της δημιουργίας του. Ο πίνακας “Chop Suey” αποτυπώνει αυτή την έννοια της μνήμης, κάνοντας τον θεατή να εστιάσει σε συγκεκριμένα στοιχεία της αισθητηριακής εικονογραφίας, ενώ απεικονίζει ένα θέμα απομόνωσης λόγω του εαυτού του.
Ο Rolf G. Renner, συγγραφέας του «Hopper» δηλώνει ότι, «…μέρος αυτού που «περιέχουν» οι εικόνες του Hopper είναι αυτός ο θάνατος ή η φθορά που αντιπροσωπεύουν όλοι οι πίνακες κατά κάποια έννοια, αφού καταστρέφουν την αμεσότητα της αντίληψης μέσω της μετατροπής σε μια εικόνα”.
Μπορεί η σκηνή του πίνακα διαδραματίζεται σε κοινωνικό περιβάλλον, αλλά κυριαρχεί η αίσθηση της μοναξιάς. Η γυναίκα στα πράσινα κάθεται με τον σύντροφό της, αλλά δεν φαίνεται να αλληλεπιδρά μαζί της. Όπως και με το ζευγάρι στο παρασκήνιο, ο άντρας δείχνει αποτραβηγμένος από τη γυναίκα με την οποία κάθεται απέναντι. Κάθε ανθρώπινη φιγούρα είναι απομονωμένη και αποκομμένη η μία από την άλλη και συγκρατημένη μέσα της. Αυτό απεικονίζεται με κρυμμένα ή κρυφά πρόσωπα, ανασύροντας μια ανθρώπινη ουσία από τις φιγούρες. Αυτό ισχύει και για τη γυναίκα λεπτομερώς. Παρόλο που έχουμε πλήρη εικόνα του προσώπου της, υπάρχει μια αποστασιοποίηση από εκείνη λόγω του έντονου μακιγιάζ της.
Το ίδιο το γεγονός ότι οι βασικές φιγούρες στο «Chop Suey» του Edward Hopper είναι δύο γυναίκες που δειπνούν μόνες σε ένα εστιατόριο αποτελεί απόδειξη των θεμελιωδών αλλαγών στην αμερικανική κοινωνία. Μέχρι τη δεκαετία του `20, μια τέτοια συμπεριφορά θα ερμηνευόταν ως ακατάλληλη, αλλά η άνοδος του φεμινισμού στα μέσα της δεκαετίας του 1920 συνέβαλε σε σταδιακές αλλαγές σε τέτοιες αντιλήψεις και τα εστιατόρια άρχισαν να αναρτούν πινακίδες στα παράθυρά τους «Τραπέζι για κυρίες».
Chinatown, Νέα Υόρκη, 1934. Ζελατίνη Silver Print. Imogen Cunningham © Imogen Cunningham Trust. Η εικόνα προσφέρθηκε από το Μουσείο Τέχνης του Σιάτλ
Το 1925 ένας αρθρογράφος της κοινωνίας έγραψε ότι το chop suey, ένα όνομα που συνήθως δίνεται στα περισσότερα κινέζικα εστιατόρια του δεύτερου ορόφου στη Νέα Υόρκη, έχει αναλάβει έναν νέο, σημαντικό ρόλο στη ζωή των Νεοϋορκέζων. Είχε γίνει «βασικό… να συναγωνίζονταν έντονα με σάντουιτς και σαλάτες ως το μεσημεριανό φαγητό για τις νεαρές γυναίκες δακτυλογράφους και τηλεφωνητές των οδών John, Dey και Fulton. Το μεσημέρι υπάρχει μια ανυπόμονη έξοδος προς την Chinatown γυναικών εργαζομένων που απασχολούνται στους δρόμους Franklin, Duane και Worth. Για αυτούς η περιοχή δεν είναι ένα ενδιαφέρον κομμάτι της μεταμοσχευμένης Ανατολής. Είναι απλά ένα καλό μέρος για φαγητό.»
Στο “Chop Suey” τα φωτεινά λευκά τραπέζια είναι εμφανώς άδεια, με μόνο την ασιατική τσαγιέρα στο κοντινό τραπέζι να υποδηλώνει οποιαδήποτε κινεζική επιρροή. Η ιστορικός τέχνης Judith A. Barter εξήγησε ότι αυτό είναι χαρακτηριστικό του στυλ του Hopper: «Δεν υπάρχει ποτέ τίποτα για φαγητό στα τραπέζια του Hopper. Ο Hopper και η σύζυγός του, που ήταν αδιάφοροι για το φαγητό, έκαναν συχνά δείπνο από κονσέρβες. Αυτό που θεώρησε σημαντικό ήταν οι χώροι όπου γινόταν το φαγητό και το ποτό ».
Οι πίνακες του εστιατορίου του Hopper αντικατοπτρίζουν τον μεταβαλλόμενο ρόλο και την άποψη των Αμερικανών γυναικών στα τέλη της δεκαετίας του 1920. Οι “Chop Suey” ήταν χώροι όπου οι γυναίκες ήταν ευπρόσδεκτες. Πράγματι, η γυναίκα που βλέπει τον θεατή είναι το επίκεντρο του πίνακα. Όμως, αντί να χαζεύει το φως που εισέρχεται από το παράθυρο του εστιατορίου, φαίνεται σκεπτική, αποφεύγοντας την οπτική επαφή είτε με τον θεατή είτε με τον σύντροφό της.
Η Josephine Hopper που ποζάρει- όπως και οι τρεις γυναικείες φιγούρες στη σκηνή – φαίνεται απομακρυσμένη από τη γυναίκα που κάθεται ακριβώς απέναντί της. Αυτή η αίσθηση της απόστασης ενισχύεται από την πρακτική του Hopper να χρησιμοποιεί το φως σχεδόν ως προβολέα του θεάτρου, συμβάλλοντας σε μια ανησυχητική αίσθηση μοναξιάς.
Στην εικόνα του εστιατορίου που δημιούργησε ο Hopper εστιάζει στις νεαρές γυναίκες της εργατικής τάξης και έτσι καταλαβαίνει κανείς κάτι ουσιαστικό για τον χαρακτήρα της σύγχρονης πόλης στην οποία ζωγράφιζε. Αποκαλύπτεις, επίσης, τις κοινωνικές και σεξουαλικές εντάσεις που προέκυψαν με τους νέους δημόσιους ρόλους για άνδρες και γυναίκες. Οι γυναίκες του Hopper στα cafe της Νέας Υόρκης της δεκαετίας του 1920 είναι από τις πιο ψυχολογικά και σεξουαλικά φορτισμένες μελέτες χαρακτήρων του.
Ο Hopper παίζει τόσο με το χρώμα και το φως όσο και με τη διάθεση. Στο βάθος, κομμάτια από δροσερά μπλουζ χωρίζονται από λωρίδες ισχυρού λευκού φωτός, ρίχνοντας ένα σχεδόν αφηρημένο σχέδιο στους τοίχους. Οι ζεστές αποχρώσεις στο πρώτο πλάνο, εν τω μεταξύ, εφιστούν την προσοχή στο εντυπωσιακό κόκκινο, λευκό και μπλε της απαστράπτουσας εξωτερικής πινακίδας.
Ήταν ίσως αυτό το παιχνίδι του φωτός και της φόρμας που προσέλκυσε τόσο τον αφηρημένο εξπρεσιονιστή Mark Rothko, ο οποίος εμπνεύστηκε από το “Chop Suey” στην αρχή της καριέρας του. Ενσωματώνοντας την τολμηρή σήμανση των δρόμων της πόλης, το “Chop Suey” προμηνύει επίσης την pop art, με την εξερεύνηση του Hopper για την εμπορευματοποίηση του φαγητού στη δεκαετία του 1920 να προσδοκά τα θέματα της Pop Art μισό αιώνα αργότερα.Ο πίνακας είναι για την αλλαγή της ζωής στην πόλη, ένα κομμάτι από τις εκατοντάδες σκηνές που θα έβλεπες σε μια μεγάλη πόλη.
Αυτός ο πίνακας είναι για μια σκηνή που θα μπορούσε να δει κανείς σε μια πολυάσχολη μέρα στην πόλη αν σταματούσε και κοιτούσε. Ο Hopper απεικόνισε μια εικόνα με αντίθεση. Από την άλλη πλευρά του παραθύρου είναι μια πόλη που είναι γεμάτη βιασύνη, προθεσμίες και δουλειά. Αλλά στο εσωτερικό, πρόκειται για ησυχία, ησυχία και σιωπή. Το παράθυρο χωρίζει τους δύο κόσμους. Όσο για τους ανθρώπους ανάμεσα; Είναι οι θεατές.
Το αριστούργημα του 1929 έγινε το πιο ακριβό έργο της προπολεμικής αμερικανικής τέχνης όταν πουλήθηκε για $91.875.000 (συμπεριλαμβανομένου του ασφάλιστρου αγοραστή) στις 13 Νοεμβρίου του 2018 ως μέρος του An American Place: Η Συλλογή Barney A. Ebsworth. Η πώληση αποτελεί ρεκόρ για τον καλλιτέχνη και παγκόσμιο ρεκόρ δημοπρασίας για την κατηγορία της Αμερικανικής Τέχνης.
