Στις 3 Δεκεμβρίου του 1919 έφυγε από τη ζωή ο πρωτοπόρος του ιμπρεσιονισμού που λάτρευε τα φυσικά τοπία, τη φύση ευρύτερα, το φως, τα ζωντανά χρώματα, τις αποχρώσεις της πραγματικότητας που έπρεπε να είναι λαμπερή και όχι μίζερη ή σκοτεινή.
Ο Renoir υπήρξε ένας από τους κορυφαίους ζωγράφους του ιμπρεσιονισμού. Εξέλιξε μια τεχνική σπασμένων πινελιών και χρησιμοποίησε τολμηρούς συνδυασμούς καθαρών συμπληρωματικών χρωμάτων για να αιχμαλωτίσει το φως και την κίνηση των τοπίων του και των θεμάτων του. Μετά από μια επίσκεψη στην Ιταλία το 1881 το στυλ του άλλαξε, έγινε πιο γραμμικό και κλασικό.
Aς γνωρίσουμε κάποιες πτυχές της ζωής του κορυφαίου δημιουργού.
Η μουσική στη ζωή του Renoir
O Renoir γεννήθηκε στις 25 Φεβρουαρίου του 1841 στη Λιμόζ της Γαλλίας.
Όταν ήταν μικρός, ο Renoir παρακολούθησε μαθήματα τραγουδιού με τον τοπικό χοράρχη της εκκλησίας. Είχε μεγάλο ταλέντο στο τραγούδι αλλά λόγω της οικονομικής κατάστασης της οικογένειάς του, αναγκάστηκε να το παρατήσει.
Kανείς δεν μπορεί να γνωρίζει τι θα συνέβαινε αν είχε ακολουθήσει την πρώτη του καλλιτεχνική αγάπη. Ίσως, αντ` αυτού, θα μιλούσαμε για τον Renoir ως έναν από τους μεγάλους μουσικούς καλλιτέχνες της εποχής του.
O ιμπρεσιονισμός
Προκειμένου να στηρίξει οικονομικά την οικογένειά του, ο Renoir πήρε μαθητεία σε ένα εργοστάσιο πορσελάνης όπου τελικά έγινε αντιληπτό το ταλέντο του στη ζωγραφική. Αυτοδίδακτος ζωγράφος, σύχναζε στο Λούβρο που ήταν κοντά στο εργοστάσιο πορσελάνης και αντέγραφε τα σπουδαία έργα που έβλεπε εκεί.
Ωστόσο, όταν το εργοστάσιο άρχισε να χρησιμοποιεί μηχανές, η μαθητεία του τερματίστηκε.
Τον 19ο αιώνα, οι ιμπρεσιονιστές πρωτοστάτησαν σε έναν νέο τρόπο να ζωγραφίζουν τον κόσμο. Οι πίνακές τους – που χαρακτηρίζονται από χαλαρές πινελιές και ζωηρή χρωματική παλέτα – αμφισβήτησαν τις παραδοσιακές έννοιες της ζωγραφικής πρακτικής.
Εστιάζοντας στα πρώτα χρόνια του ιμπρεσιονισμού κατά τη δεκαετία του 1870, η έκθεση διερευνά πώς αυτοί οι καλλιτέχνες χρησιμοποίησαν το ημερολόγιο για να αποτυπώσουν τον ενθουσιασμό και τη μεταβαλλόμενη φύση της μοντέρνας παριζιάνικης κοινωνίας.
Το 1874, πριν ο ιμπρεσιονισμός γίνει γνωστός ως ιμπρεσιονισμός, ο Pierre-Auguste Renoir εξέθεσε μερικά από τα έργα του μαζί με τους συναδέλφους του ζωγράφους Claude Monnet, Alfred Sisley και Frederic Bazille. Η ανασκόπηση της έκθεσης ήταν αυτό που έδωσε το όνομά της σε αυτή την ομάδα και αργότερα σε ολόκληρο το κίνημα.
Ανακοίνωση για την πρώτη ιμπρεσιονιστική έκθεση, 1874
Η κριτική υποστήριξε ότι οι πίνακες έμοιαζαν περισσότερο με «εντυπώσεις» σε αντίθεση με τους τελειωμένους πίνακες. Σε γενικές γραμμές, η έκθεση δεν έτυχε καλής υποδοχής, αλλά τα έξι έργα του Renoir, συγκριτικά, ήταν μερικά από τα πιο αγαπημένα έργα τέχνης που παρουσιάστηκαν εκείνη την ημέρα. Δεν ήξεραν ότι η ιστορία είχε μόλις γραφτεί.
Bal du moulin de galette
Η τρίτη παρουσίαση της έκθεσης των Ιμπρεσιονιστών το 1876 είναι όπου ο Renoir παρουσίασε το πιο σημαντικό έργο του “Bal du moulin de galette” μαζί με την Κούνια (La Balancoire) και άλλα.
Bal du moulin de galette, Renoir, 1876
La Balancoire, Renoir, 1876
O Renoir ζωγράφισε δύο σχεδόν πανομοιότυπες εκδοχές του «Moulin de la Galette». Βρίσκονται στη συλλογή του Μusee d’Orsay, ενός μουσείου στο Παρίσι, και στη συλλογή του John Hay Whitney. Το πρώτο αγοράστηκε από τον Gustave Caillebotte κατά τη διάρκεια της Τρίτης Ιμπρεσιονιστικής Έκθεσης το 1877. Με το θάνατο του Caillebotte, το γαλλικό κράτος έλαβε τον πίνακα ως κληροδότημα. Μετά από αυτό, εκτέθηκε στο Musee du Luxembourg και αργότερα μεταφέρθηκε στο Λούβρο. Λίγο μετά βρέθηκε στο Jeu de Paume και στη συνέχεια εκτίθεται μόνιμα στο Musee d`Orsay. Η έκθεση του πίνακα το 1883 και το 1892 και ο Renoir στο Durand-Ruel επιβεβαίωσαν την επιτυχία του. Και, όταν αυτός ο πίνακας έφτασε στο Μουσείο του Λουξεμβούργου το 1896, με όλους τους πίνακες που κληροδοτήθηκαν στο Κράτος από τον ζωγράφο Gustave Caillebotte, περιέγραψε τον εαυτό του ομόφωνα ως «αριστούργημα».
Bal Du Moulin De La Galette (`Έκδοση που ανήκει στον John Hay Whitney)
O δεύτερος -μικρότερος- πίνακας, λέγεται ότι είναι στα χέρια ενός Ελβετού συλλέκτη. Η τιμή πώλησής του ήταν $78,1 εκατ. ($140 εκατ. σε σημερινές τιμές)
Κατά τη στιγμή της πώλησης, θεωρούταν από τα δύο πιο ακριβά έργα τέχνης που πωλήθηκαν ποτέ, μαζί με το Πορτρέτο του Δρ. Γκασέ, του Βαν Γκογκ, που κι εκείνος αγοράστηκε από τον Σάιτο. Το 1991, ο Σαίτο θέλησε να αποτεφρωθούν οι δύο πίνακες μαζί του όταν θα έφευγε από τη ζωή. Αυτό, φυσικά, προκάλεσε διεθνή κατακραυγή. Στην πορεία ο Σάιτο και οι εταιρείες του βρέθηκαν σε σοβαρές οικονομικές δυσκολίες. Οι τραπεζίτες οι οποίοι κατείχαν τον πίνακα ως εγγύηση για τα δάνεια διοργάνωσαν μια εμπιστευτική πώληση διαμέσου του οίκου Sotheby προς έναν άγνωστο αγοραστή.
Η ιστορία & τα πρόσωπα του πίνακα
Εκείνη την εποχή που δημιουργήθηκε αυτό το έργο, ο ιμπρεσιονισμός ήταν ακόμα στα πρώτα του στάδια. Ο Renoir, ο Claude Monet, o Edgar Degas και ο Camille Pissarro είχαν πραγματοποιήσει την εναρκτήρια έκθεση των Ιμπρεσιονιστών μόλις δύο χρόνια πριν. Σε αυτό το σημείο, ωστόσο, οι καλλιτέχνες που συνδέονταν με το κίνημα, είχαν αναπτύξει μοναδικές αλλά ενοποιημένες προσεγγίσεις στη ζωγραφική.
Ο Renoir, για παράδειγμα, είναι γνωστός για το γυαλιστερό πινέλο του, τη ζωηρή χρωματική του παλέτα και το ενδιαφέρον για το φως. Όλα αυτά τα χρησιμοποίησε για να δημιουργήσει πίνακες με το αγαπημένο του θέμα: τους ανθρώπους. Αυτή η προσέγγιση είναι εμφανής στο Bal du moulin de la Galette. Στολισμένες από το φως του ήλιου, οι φιγούρες αποδίδονται με χαλαρές, φωτεινές πινελιές. Αν και κάποιες φιγούρες είναι ντυμένες με μαύρα κοστούμια και φορέματα, μια πιο προσεκτική ματιά αποκαλύπτει ότι ακόμη και αυτές οι πιο σκούρες αποχρώσεις αποτελούνται από μια καλειδοσκοπική συλλογή χρωμάτων.
Η “ριζοσπαστική” προσέγγιση του Renoir στο μαύρο χρώμα είναι ακόμη πιο εμφανής σε μια άλλη εκδοχή του Bal du moulin de la Galette. Εκείνο, έχει αποδοθεί με τέτοιον τρόπο που μοιάζει περισσότερο με σκίτσο. Αυτός ο μικρότερος πίνακας διαθέτει πιο χαλαρή πινελιά, επιτρέποντας στους θεατές να αναγνωρίζουν πιο εύκολα τους διαφορετικούς τόνους που συνθέτουν φαινομενικά το μαύρο θέμα. Αν και δεν είναι σαφές ποιο κομμάτι είναι το πρωτότυπο και ποιο αντίγραφο, οι πίνακες είναι πανομοιότυποι ως προς την εικονογραφία τους, από το ηλιοβασίλεμα μέχρι τα επιμέρους θέματα.
Για την ανάλυση του Bal Du Moulin De La Galette (Χορός στο Le moulin de la Galette) πρέπει να γνωρίζουμε το πλαίσιο και την ιστορία της δημιουργίας αυτού του αριστουργήματος. Αυτό το έργο είναι αναμφίβολα το πιο σημαντικό έργο του Renoir στα μέσα της δεκαετίας του 1870 και εκτέθηκε στην έκθεση της ομάδας Ιμπρεσιονιστών του 1877. Η μελέτη του κινούμενου πλήθους τόσο σε φυσικό όσο και σε τεχνητό φως αντιμετωπίζεται με ζωηρές και πολύχρωμες πινελιές. Η αίσθηση μιας ορισμένης διάλυσης των μορφών ήταν μια από τις αιτίες των αρνητικών αντιδράσεων των κριτικών της εποχής.
Σύμφωνα με τη μαρτυρία του Georges Riviere, ενός φίλου και περιστασιακού μοντέλου του Renoir, ο πίνακας ζωγραφίστηκε «εντελώς επί τόπου», το 1876. Ο Renoir επισκέφτηκε αυτό το μέρος κατά τη διάρκεια του χορού σε μια ταβέρνα στη Μονμάρτρη. Προφανώς, πήρε το όνομά του από έναν από τους τελευταίους εναπομείναντες μύλους στο Butte.
Στα τέλη του 19ου αιώνα, η εργατική τάξη των Παριζιάνων είχε καθιερώσει να ντύνεται με καλά ρούχα και να περνά εκεί τον χρόνο της χορεύοντας, πίνοντας, και τρώγοντας γαλέτες από το μεσημέρι μέχρι αργά το βράδυ.
Εκεί υπήρχε ένας ανεμόμυλος που παρήγαγε ψωμί με το όνομα «γαλέτα».Ο Renoir έστησε ένα στούντιο κοντά σε ένα παλιό εξοχικό σπίτι. Μας δείχνει το σφρίγος της παριζιάνικης ζωής στη μάζα των χορευτικών ζευγαριών, με ένα κορίτσι να συνομιλεί με τα αγόρια σε πρώτο πλάνο.
Πολλοί ανεμόμυλοι έχουν σημαδέψει τη ζωή στο Butte από τον Μεσαίωνα. Ένα είδος μεγάλου υπόστεγου, το Moulin de la Galette ήταν μια από τις πολλές ταβέρνες. Απογειώθηκε καθώς αναπτύχθηκε η βιομηχανία της ψυχαγωγίας και η εποχή του ελεύθερου χρόνου και όπου μπορούσε κανείς να χορέψει τις Κυριακές- από τις 3 το μεσημέρι, και μέχρι το βράδυ- τρώγοντας τηγανίτες. Η χαρούμενη ατμόσφαιρα ελευθερίας και ευχαρίστησης προσέλκυσε τότε τους μποέμ και τους καλλιτέχνες που βρήκαν εκεί μη επαγγελματίες μοντέλα.
Ένα απόγευμα Κυριακής οι κάτοικοι της συνοικίας καθώς και πολλοί ζωγράφοι μαζεύτηκαν για να χορέψουν. Ο Renoir είχε κι εκείνος αποφασίσει να παρευρεθεί σε αυτό το δημοφιλές διασκεδαστικό γεγονός. Οι φίλοι του ζωγράφου τον βοηθούσαν να μεταφέρει τον καμβά του από το ατελιέ του στην rue Cortot.
Ανάλυση του χρώματος και του φωτισμού του Bal Du Moulin De La Galette
Για πρώτη φορά, σε αυτή τη φιλόδοξη σύνθεση, ο Renoir μεταφέρει την αυθόρμητη τεχνική με την οποία πειραματίζεται από το 1874 σε έργα πιο λιτής μορφής.
Υπάρχουν τρία επίπεδα στον πίνακα. Το πρώτο είναι η συζήτηση των ανθρώπων που κάθονται, το δεύτερο στο παρασκήνιο οι χορευτές, και το τρίτο επίπεδο των κτιρίων, όπου φαίνεται η ορχήστρα.
Η μελέτη των αντανακλάσεων του φωτός και των έγχρωμων σκιών έχει απασχολήσει εδώ σε μεγάλη κλίμακα. Ο πίνακας χαράζει πιτσιλιές με στρογγυλές κηλίδες στους ανθρώπους που χορεύουν. Το μέτωπο του χορευτή στα αριστερά, το μαύρο σακάκι του χαρακτήρα που κάθεται με την πλάτη σε πρώτο πλάνο φιλτράρονται από τη βλάστηση και τον ήλιο που καθορίζει ζώνες ποικίλης έντασης φωτός, ιδιαίτερα στα πρόσωπα και τα ρούχα. Ο καμβάς δίνει μια ευαίσθητη εντύπωση φρεσκάδας και χαράς, που αποκτάται από το παιχνίδι των ανοιχτόχρωμων χρωμάτων και από τα χαμόγελα που ζωντανεύουν τα πρόσωπα. Η ενότητα του συνόλου οφείλεται στην κινητικότητα του φωτός, που κατανέμεται σε ροζ, κίτρινες και μπλε κηλίδες στα φορέματα, στους χορευτές ή στο έδαφος.
Ο Renoir τονίζει τους χαρακτήρες μέσα από το φως. Όπως, για παράδειγμα το ζευγάρι που χορεύει στη σκηνή περιβάλλεται από φως και το ανοιχτό ροζ φόρεμα των γυναικών συντελεί σε αυτό το αποτέλεσμα.
To Bal Du Moulin De La Galette και η κριτική
Κατά την παρουσίασή του στην τρίτη έκθεση της ομάδας ιμπρεσιονιστών, το 1877, οι κριτικοί δεν παρέλειψαν να χλευάσουν αυτόν τον πίνακα. Η Universal Monitor αναρωτήθηκε πώς οι χορευτές θα μπορούσαν να εξελιχθούν σε «ένα έδαφος σαν αυτά τα πορφυρά σύννεφα που κρύβουν τον ουρανό σε μια θυελλώδη βραδιά». Αλλά ο πίνακας, τον οποίο επαίνεσε ο Emile Zola, αποτέλεσε επίσης αντικείμενο πολλών εγκωμιαστικών κριτικών, όπως αυτή του Gustave Geffroy. Έγραψε το 1883,
«Το Moulin de la Galette είναι μια από εκείνες τις πλήρεις περιλήψεις της ζωτικής παρατήρησης και της φωτεινής ατμόσφαιρας: η χαρά του χορού, ο θόρυβος, ο ήλιος, η σκόνη ενός υπαίθριου πάρτι, ο ενθουσιασμός στα πρόσωπα, αφήνοντας τις πόζες, ρυθμός στον οποίο τα ροζ φορέματα γυρίζουν και σταματούν, γαλάζιο, σκούρο μπλε, μαύρο, μια κίνηση πάθους, μια σκιά που κερδίζει, μια φωτιά που τρέχει, ευχαρίστηση και κούραση, όλες οι φτωχές ηρωίδες του ρομαντισμού με ωραία πρόσωπα, εκφραστικά χέρια, ελαφρώς στα ύψη ή κουρασμένους, που εκφράζουν ελπίδα, μέθη, εγκατάλειψη, άγρια πλήξη».
Ο πίνακας του Renoir “τραγουδά” για μια περασμένη εποχή της Μονμάρτρης, της οποίας τα χαμηλά ενοίκια προσελκύουν καλλιτέχνες και μποέμ, όπως ο Delacroix, ο Renoir, ο Berlioz και τόσοι άλλοι ακόμα. Από την άλλη πλευρά, οι ιερόδουλες έκαναν το Butte μια ταραχώδη γειτονιά. Πολλά καμπαρέ ανοίγουν τις πόρτες τους εκεί. Αυτά τα ονόματα παραμένουν συνώνυμα με την εποχή της ακμής του Butte πριν επισκιαστεί από το Montparnasse.
Ζωγράφιζε απίστευτα γρήγορα
Ο Renoir υποβλήθηκε ποτέ ξανά στην έκθεση των ιμπρεσιονιστών και αντ` αυτού αποφάσισε να υποβληθεί στο σαλόνι του Παρισιού. Η επιτυχία του εκεί με την κυρία Charpentier και τα παιδιά της το 1879 τον έκανε μοντέρνο και ευημερούντα ζωγράφο για το υπόλοιπο της καριέρας του.
Η κυρία Charpentier και τα παιδιά της, Renoir, 1878
Μερικοί καλλιτέχνες ξόδεψαν εβδομάδες, μήνες, ακόμη και χρόνια σε ένα μόνο έργο τέχνης. Αυτό δεν ίσχυε για τον Renoir που δούλευε γρήγορα.
Το πορτρέτο του συνθέτη της όπερας Richard Wagner του πήρε μόλις 35 λεπτά και κατά τη διάρκεια ενός μήνα παραμονής στο Γκέρνσεϊ, ένα νησί στη Μάγχη, ο Pierre- Auguste Renoir ολοκλήρωνε έναν πίνακα κάθε δύο μέρες, επιστρέφοντας με 15 τελειωμένα έργα.
Richard Wagner, Renoir, 1882
Ο Pierre-Auguste Renoir έκανε πολλές χιλιάδες πίνακες στη ζωή του, αναμφίβολα λόγω της ταχύτητάς του με το πινέλο.
Tαξίδεψε για δουλειά με τους Velasquez, Delacroix, Titian
Ως συχνός ταξιδιώτης, ο Ρενουάρ ήταν πολύ γνωστός, συναντούσε πολλούς ανθρώπους και έβλεπε πολλά μέρη. Αλλά ο λόγος για τα ταξίδια του ήταν ότι αναζητούσε συγκεκριμένα έργα άλλων καλλιτεχνών.
Έφτασε στην Αλγερία με την ελπίδα να εμπνευστεί όπως είχε εμπνευστεί ο Eugene Delacroix, στη Μαδρίτη για να δει το έργο του Diego Velasquez και τολμούσε στη Φλωρεντία για να δει τα αριστουργήματα του Titian.
H χρήση μιας μοναδικής θεωρίας χρωμάτων
Μια χρωματική θεωρία που μοιράστηκε με τον Monnet, οι καλλιτέχνες είχαν μια εντελώς διαφορετική αντίληψη για τις σκιές σε σύγκριση με τον υπόλοιπο κόσμο της τέχνης εκείνη την εποχή. Για αυτούς, οι σκιές δεν ήταν μαύρες ή καφέ, αλλά αντίθετα μια αντανάκλαση των ίδιων των αντικειμένων – οι σκιές ήταν τότε πολύχρωμες.
Ο Monet Painting in His Garden at Argenteuil, Renoir, 1873
Αυτή η απλή, αλλά βαθιά αλλαγή στη χρήση του χρώματος είναι μια σημαντική διάκριση του ιμπρεσιονισμού.
To περιστατικό στον ποταμό Σηκουάνα
Μια ριζοσπαστική και επαναστατική κυβερνητική οντότητα γνωστή ως Κομμούνα του Παρισιού κατηγόρησε κάποτε τον Ρενουάρ ως κατάσκοπο. Ζωγράφιζε συχνά δίπλα στον Σηκουάνα και ίσως επειδή βρισκόταν πάντα εκεί, στο ίδιο σημείο, δυνητικά περιπλανώμενος, οι Κομμουνάροι τον θεωρούσαν ύποπτο.
Όταν τα πράγματα έφτασαν στο άκρα, παραλίγο να πεταχτεί στον Σηκουάνα, αλλά σώθηκε όταν ένας από τους Κομουνάρους, ο Ραούλ Ρινάλτ, τον αναγνώρισε. Ο Rignalt του χρωστούσε μια χάρη καθώς, προφανώς, ο Renoir του έσωσε τη ζωή σε μια ξεχωριστή περίσταση.
Ο Renoir είχε ρευματοειδή αρθρίτιδα.
Στα τελευταία χρόνια της ζωής του, ο Renoir ανέπτυξε ρευματοειδή αρθρίτιδα – μια επώδυνη επιδείνωση των αρθρώσεων που επηρέασε τα χέρια και τον δεξιό του ώμο. Το ζωγραφικό του στυλ άλλαξε δραστικά μετά από αυτή την εξέλιξη, ωστόσο συνέχισε να εργάζεται.
Η αρθρίτιδα τελικά κατέστησε την άρθρωση του ώμου του εντελώς άκαμπτη και για να προσαρμοστεί σε αυτές τις απογοητευτικές αλλαγές, έδενε ένα πινέλο στα χέρια του.
Ωστόσο, η αρθρίτιδα δεν ήταν ο μοναδικός παράγοντας που άλλαξε το καλλιτεχνικό του στυλ.
Όταν ο Renoir και ο φίλος και προστάτης του Jules Le Coeur τερμάτισαν τη σχέση τους, δεν είχε πλέον πρόσβαση στην πιο αγαπημένη του θέα στο Φοντενεμπλό. Η ιδιοκτησία του Coeur ήταν στην περιοχή του Fontainebleau και ο Renoir έπρεπε να βρει άλλα θέματα καθώς δεν ήταν πλέον ευπρόσδεκτος εκεί.
O ζωγράφος Jules Le Coeur περπατά με τους σκύλους του στο δάσος του Fontainebleau, Renoir, 1866
Tο στυλ του Ρενουάρ αναπήδησε από σκηνικά σε επίσημα πορτρέτα σε απόπειρες για ένα νέο στυλ εμπνευσμένο από τους ζωγράφους της Αναγέννησης της Ιταλίας, γνωστό ως η περίοδος των Ενγκρ. Μερικές φορές επέστρεφε στο γαλλικό κλασικό στυλ από τις ρίζες του. Ο Renoir χρησιμοποίησε ακόμη και λεπτά πινέλα κατά καιρούς για να δημιουργήσει περισσότερες λεπτομέρειες σε πορτρέτα και γυμνά.
Girl Braiding Her Hair (Suzanne Valadon), Renoir, 1885
Είναι σαφές ότι ο Renoir είχε πολλά να προσφέρει και ως λάτρεις της τέχνης, είμαστε ευγνώμονες για όλα τα ρίσκα που πήρε σε στυλ και θέμα. Μας άφησε μια μεγάλη δουλειά χρησιμοποιώντας μια πληθώρα τεχνικών.
Οι τρεις γιοι του Renoir έγιναν όλοι καλλιτέχνες
Ο Pierre-Auguste Renoir είχε τρεις γιους, τον Pierre, τον Jean και τον Claude, όλοι τους καλλιτέχνες σε διάφορες βιομηχανίες.
Ο Pierre ήταν ηθοποιός της σκηνής και της οθόνης. Έπαιξε τον Jericho στο Children of Paradise (Les Enfants du Paradis), το γαλλικό επικό ρομαντικό δράμα του 1945. Ο Jean ήταν σκηνοθέτης γνωστός για ταινίες όπως το Grand Illusion από το 1937 και The Rules of the Game από το 1939. Ο Claude ακολούθησε πιο στενά στα χνάρια του Ρενουάρ και έγινε καλλιτέχνης κεραμικής.
Σίγουρα οι γιοι του εμπνεύστηκαν από την καθαρή θλίψη και την αφοσίωση του Renoir στην τέχνη του. Ομοίως, συνεχίζει να το κάνει για τους λάτρεις της τέχνης και τους φανατικούς του ιμπρεσιονισμού σε όλο τον κόσμο σήμερα.
