Τα κορυφαία έργα τέχνης δημιουργούνται σε όλα τα σχήματα και μεγέθη. Από πανύψηλα γλυπτά μέχρι μικροσκοπικά σκίτσα, οι καλλιτέχνες έχουν δημιουργήσει έργα που παίζουν με την κλίμακα σε όλη την ιστορία της τέχνης. Ενώ αυτό το ενδιαφέρον για τον πειραματισμό είναι εμφανές σε μέσα και είδη, ο ρόλος του στη ζωγραφική ήταν ιδιαίτερα μεγάλος.

Sandro Botticelli, Η Γέννηση της Αφροδίτης, γ. 1483–1485 –  (1,72 μ. x 2,78 μ.)

Sandro Botticelli, “H Γέννηση της Αφροδίτης”, περ. 1483–1485 

H Γέννηση της Αφροδίτης του Sandro Botticelli είναι ένας από τους πιο διάσημους πίνακες της Αναγέννησης. Ο μνημειώδης, μυθολογικός πίνακας απεικονίζει την Αφροδίτη, τη ρωμαϊκή θεά του έρωτα και της ομορφιάς, καθώς αναδύεται από τη θάλασσα με το χαρακτηριστικό της κοχύλι από χτένι.

Τουρίστες στην αίθουσα Botticelli της Γκαλερί Uffizi 

Εκτός από το θέμα που βασίζεται στη μυθολογία, ο πίνακας είναι διάσημος για τη ζωηρή χρωματική του παλέτα, τις λεπτές πινελιές , και φυσικά την κλίμακά του: 1,72 μ. x 2,78 μ.

Γνωστή ως «Γέννηση της Αφροδίτης», η σύνθεση δείχνει στην πραγματικότητα τη θεά του έρωτα και της ομορφιάς να φτάνει στη στεριά, στο νησί της Κύπρου, που γεννήθηκε από τους αφρούς της θάλασσας και την φύσηκαν εκεί από οι άνεμοι- ο Ζέφυρος και η Αύρα. Η θεά στέκεται πάνω σε ένα γιγάντιο κέλυφος χτενιού, αγνή και τέλεια σαν μαργαριτάρι. Την πλησιάζει μια νεαρή γυναίκα, που μερικές φορές προσδιορίζεται ως μια από τις Χάριτες ή ως η Ώρα της άνοιξης, και που κρατά έναν μανδύα καλυμμένο με λουλούδια. Ακόμα και τα τριαντάφυλλα, που φυσάει ο αέρας, θυμίζουν την άνοιξη.

Σε αντίθεση με την “Αλληγορία της Άνοιξης” η οποία είναι ζωγραφισμένη σε ξύλο, η «Γέννηση της Αφροδίτης» ήταν ζωγραφισμένη σε καμβά, μια πρακτική που χρησιμοποιήθηκε ευρέως σε όλο τον 15ο αιώνα για διακοσμητικά έργα που προορίζονταν για αρχοντικά σπίτια.

Ο Botticelli εμπνέεται από τα κλασικά αγάλματα για τη σεμνή πόζα της Αφροδίτης, καθώς καλύπτει τη γύμνια της με μακριά, ξανθά μαλλιά, τα οποία έχουν αντανακλάσεις φωτός από το γεγονός ότι είναι επιχρυσωμένα. Aκόμη και οι Άνεμοι, το ζευγάρι που πετά ο ένας στην αγκαλιά του άλλου, βασίζεται σε ένα αρχαίο έργο, ένα στολίδι της ελληνιστικής περιόδου, που ανήκε στον Lorenzo il Magnifico (τον Μεγαλοπρεπή).

 Ο Βotticelli ζωγράφισε τη Γέννηση της Αφροδίτης μεταξύ 1484-85. Πιθανότατα Lorenzo di Pierfrancesco που ήταν μακρινός ξάδερφος του Lorenzo του Μεγαλοπρεπούς ανέθεσε στον καλλιτέχνη να εικονογραφήσει τη Θεία Κωμωδία και την “Αλληγορία της Άνοιξης”. Η γέννηση της Αφροδίτης κρεμάστηκε στην κρεβατοκάμαρά του στη βίλα στο Castello, κοντά στη Φλωρεντία.

Αυτός ο πίνακας είναι ένα από τα αριστουργήματα της ιταλικής Αναγέννησης και ένα από τα σημαντικότερα σημεία της Πινακοθήκης Uffizzi στη Φλωρεντία.

Ο συμβολισμός του έργου

Ο πίνακας δείχνει τη θριαμβεύτρια θεά της αγάπης και της ομορφιάς. Οι Ρωμαίοι τη γνώριζαν ως Venus, ενώ για τους Έλληνες ήταν η Αφροδίτη. Στέκεται ψηλή και γυμνή στο κέντρο του καμβά, φαίνεται αιθέρια και φωτεινή. Φαίνεται να τραβάει όλη την προσοχή στον εαυτό της. ένα σύμβολο ομορφιάς, που είναι και σωματικό και πνευματικό. Αν πιστεύετε στους νεοπλατωνικούς φιλοσόφους, η ενατένιση της ομορφιάς της είναι ένας τρόπος για να εξυψώσετε το ανθρώπινο πνεύμα και να πλησιάσετε το θείο.

Η αναπαράσταση μυθολογικών θεμάτων ήταν τάση στην Αναγέννηση. Αλληγορίες προερχόμενες από τον κλασικό πολιτισμό, τις ολυμπιακές θεότητες και τις μυθολογίες τους χρησιμοποιήθηκαν για να εκφράσουν ανθρωπιστικές αξίες. Και η πόλη του Botticelli, η Φλωρεντία, ήταν ένα σημαντικό κέντρο ανθρωπιστικών σπουδών. O Cosimo de’ Medici ο Πρεσβύτερος χρηματοδότησε μια Πλατωνική Ακαδημία εδώ, με τον φιλόσοφο Marsilio Ficino να πρωτοστατεί. Με τη Γέννηση της Αφροδίτης, ο Botticelli ακολουθούσε μια τάση, μιλώντας τη γλώσσα των καλλιεργημένων και ευχαριστώντας τους θαυμαστές του.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Νυχτερινή Περίπολος, 1642 –  (3,63 μ. x 4,37 μ.)

Ως ένας από τους πιο σημαντικούς Παλιούς Δασκάλους, ο Rembrandt περιλαμβάνει μια ολοκληρωμένη συλλογή από διάσημους πίνακες ζωγραφικής, εκτυπώσεις και σχέδια. Ωστόσο, η Νυχτερινή Περίπολος παραμένει το σημαντικότερο έργο του.

Με διαστάσεις 3,63 μ. x 4,37 μ. και απεικονίζοντας μια πολιτοφυλακή, αυτό το κομμάτι παρουσιάζει τόσο τη θεατρική αντιμετώπιση του φωτός του Rembrandt όσο και τη γνωστή προτίμησή του για προσωπογραφία σε μεγάλη κλίμακα.

To εν λόγω έργο είναι ένας μνημειώδης καμβάς που εκτίθεται σήμερα στην «Gallery of Honor» του Rijksmuseum στο Άμστερνταμ, το μεγαλύτερο και πιο σημαντικό μουσείο της Ολλανδίας.  Μπορεί να είναι ένας αριθμός πριν από την πανδημία, ωστόσο το εν λόγω έργο  προσέλκυε 2,2 εκατομμύρια ανθρώπους ετησίως – συμπεριλαμβανομένων κάθε μαθητή σχολείου στην Ολλανδία, ντόπιων κατοίκων του Άμστερνταμ και τουριστών

Ο Rembrandt van Rijn έλαβε την παραγγελία για αυτό το συγκεκριμένο ομαδικό πορτρέτο γύρω στο 1639. Το έργο ολοκληρώθηκε το 1642 και απεικονίστηκε, σε κολοσσιαία κλίμακα h έξοδος των μελών των φρουρών της πολιτοφυλακής (schutterij).

Η Νυχτερινή Περίπολος είναι ίσως o πιο διάσημος πίνακας του Rembrandt. Όπως το The Jewish Bride, αυτός ο τίτλος είναι ένα παρατσούκλι που ήρθε αργότερα, τον 18ο αιώνα. ο αρχικός τίτλος από τον Rembrandt ήταν Στρατιωτική Εταιρεία της Περιφέρειας ΙΙ υπό τη Διοίκηση του Λοχαγού Frans Banninck Cocq. Παρά τον τίτλο του ψευδώνυμου, δεν αντιπροσωπεύει μια νυχτερινή σκηνή, καθώς διαδραματίζεται κατά τη διάρκεια της ημέρας. Αλλά στα τέλη του 18ου αιώνα, ο πίνακας σκοτείνιασε αρκετά και φαινόταν να παρουσιάζει ένα γεγονός που συνέβαινε τη νύχτα.

Ο πίνακας δείχνει ένα ομαδικό πορτρέτο μιας ομάδας πολιτικών φρουρών. Πρωταρχικός σκοπός τους ήταν να υπηρετήσουν ως υπερασπιστές των πόλεων τους. Οι άνδρες αντιπροσώπευαν επίσης ουσιαστική παρουσία στις παρελάσεις της πόλης και σε άλλες γιορτές. Παραδοσιακά, κάθε εταιρεία είχε το guildhall της, με τους τοίχους να στολίζονται με ομαδικά πορτρέτα των πιο επιφανών μελών. Η αποστολή να ζωγραφίσει το The Night Watch ήρθε στο αποκορύφωμα της καριέρας του Rembrandt. Ο μπαρόκ ζωγράφος έλαβε μια πρόσκληση από το Kloveniersdoelen, το guildhall που στέγαζε την εταιρεία σωματοφυλακής των σωματοφυλάκων.

Η εταιρεία ήταν υπό τις διαταγές του λοχαγού Frans Banning Cocq, κατέχοντας περίοπτη θέση στο κέντρο του καμβά. Φοράει επίσημη μαύρη ενδυμασία, μαζί με λευκό δαντελένιο γιακά και κόκκινο φύλλο στο στήθος. Μιλάει στον υπολοχαγό του, Willem van Ruytenburgh. Είναι ντυμένος σε έντονο κίτρινο, με ένα ατσάλινο φαράγγι στο λαιμό του, κουβαλώντας έναν τελετουργικό παρτιζάν. Επίσης, στο κομμάτι είναι ορατά δεκαέξι πορτρέτα των μελών της εταιρείας.

Ο Rembrandt έδωσε ζωή στον πίνακα αποτυπώνοντας τις συγκεκριμένες ενέργειες της πολιτοφυλακής. Πρόσθεσε επίσης διάφορα πρόσθετα για να αναβιώσει ακόμη περισσότερο τη σκηνή. Οι πρόσθετες φιγούρες κρύβονται στο βάθος με τα πρόσωπά τους σκοτεινά. Με διαφορά, η πιο μυστηριώδης φιγούρα είναι το χρυσό κορίτσι, που αναδύεται από το σκοτάδι. Κουβαλάει ένα λευκό κοτόπουλο που κρέμεται από τη μέση της. Τα νύχια του πουλιού είναι μια αναφορά στους Kloveniers. Ένα χρυσό νύχι σε ένα μπλε πεδίο αντιπροσώπευε το έμβλημα της εταιρείας.

Ο κορυφαίος φρουρός, λοχαγός Frans Banninck Cocq, ο οποίος ηγείται της ομάδας απεικονίζεται στο κέντρο της σύνθεσης ντυμένος στα μαύρα με ένα κόκκινο φύλλο. Ο υπολοχαγός του, Willem van Ruytenburch, φαίνεται στην αριστερή του πλευρά να ξεχωρίζει από το σκούρο φόντο με την κίτρινη ενδυμασία του.

Diego Velázquez, Las Meninas, 1656–1657 – (3,18 μ. x 2,76 μ.)

O Ισπανός καλλιτέχνης Diego Velazquez ήταν ο ζωγράφος της αυλής του βασιλιά Φίλιππου Δ` και γνωστός για τα εκφραστικά πορτρέτα του που αποτύπωσαν τη φυσική ομοιότητα και την προσωπικότητα των θεμάτων του. Το έργο Las Meninas είναι το πιο σεβαστό έργο του που εξακολουθεί να επαινείται από τους ιστορικούς τέχνης σήμερα για τον πολύπλοκο σχεδιασμό του. Aπεικονίζει στο κέντρο του την 5χρονη Margaret Teresa. To μικρό κορίτσι περιτριγυρίζεται από τις υπηρέτριές της, τον σωματοφύλακά της, δύο νάνους και έναν σκύλο. Στα αριστερά, ο Velazquez απεικονίζει τον εαυτό του με ένα πινέλο, με αποτέλεσμα το BBC να αποκαλεί αυτό το αριστούργημα «την πρώτη φωτοβόμβα στον κόσμο». Πάνω από το κεφάλι της πριγκίπισσας είναι ένας καθρέφτης που δείχνει τον πατέρα και τη μητέρα της, τον βασιλιά Φίλιππο Δ` της Ισπανίας και τη Marianna της Αυστρίας. Φαίνονται να βρίσκονται στη θέση του θεατή. Ο Velazquez ίσως απεικονίζει τη σκηνή που ζωγραφίζει το βασιλικό ζεύγος. O πίνακας έχει περιγραφεί ότι αντιπροσωπεύει τη «θεολογία της ζωγραφικής» και «την αληθινή φιλοσοφία της τέχνης» από αξιόλογους καλλιτέχνες. Είναι ο πιο διάσημος πίνακας του Velazquez, θεωρείται το υπέρτατο επίτευγμά του και είναι ένας από τους πιο αναλυμένους πίνακες στη δυτική ιστορία της τέχνης.

Αυτό το έργο τέχνης είναι ένας από τους πίνακες του Velazquez της βασιλικής οικογένειας, που απεικονίζει ένα δωμάτιο μέσα στο Βασιλικό Αλκαζάρ της Μαδρίτης, όπου έχουν παρουσιαστεί πολλές φιγούρες, με μερικές να αλληλεπιδρούν μεταξύ τους, ενώ μερικοί ατενίζουν τους θεατές. Η νεαρή Margaret Teresa  εμφανίζεται περικυκλωμένη από τις υπηρέτριές της και τους φρουρούς της, ενώ ο Velasquez φαίνεται επίσης ακριβώς πίσω τους να δουλεύει πάνω σε έναν καμβά. Μέσα από τον καθρέφτη που παρουσιάζεται στο βάθος, ο βασιλιάς και η βασίλισσα διακρίνονται, αν και εν μέρει. Αυτή η περίπλοκη απεικόνιση έχει μια λαμπρή συγχώνευση του πραγματικού και του φανταστικού, και έτσι θεωρείται ένα από τα πιο αναλυμένα έργα στη δυτική ζωγραφική.

Eugene Delacroix, H Eλευθερία οδηγεί τον λαό, 1830 – (2,6 μ. x 3,25 μ.)

Μαζί με την Αφροδίτη της Μήλου του Botticelli, τη Μόνα Λίζα  του Leonardo da Vinci και τη “ Σχεδία της Μέδουσας” του Theodore Gericault , “η Ελευθερία οδηγεί το λαό” του Delacroix  είναι ένα από τα σημαντικότερα έργα στο Λούβρο. Ο πίνακας θεωρείται σύμβολο της Γαλλικής Δημοκρατίας.

Ο πίνακας παρουσιάστηκε για πρώτη φορά στο κοινό στο Σαλόνι του Παρισιού του 1831. Ο καμβάς εκτέθηκε στο Μουσείο του Λουξεμβούργου στις αρχές του 1863. Στη συνέχεια, το 1874, το μεγαλειώδες αυτό  έργο, το οποίο είχε πια ονομαστεί “η Ελευθερία οδηγεί το λαό”, έφτασε στο Μουσείο του Λούβρου. Ο Delacroix είχε ήδη φύγει από τη ζωή στις 13 Αυγούστου του 1863.

Ο εν λόγω πίνακας αποτυπώνει το πνεύμα της εξέγερσης του λαού και ολοκληρώθηκε το ίδιο έτος κατά το οποίο συνέβη το ιστορικό γεγονός.

Η Γαλλική Επανάσταση του 1830- γνωστή και ως η Ιουλιανή Επανάσταση, Δεύτερη Γαλλική Επανάσταση – έφερε την ανατροπή του βασιλιά Καρόλου Ι`,  του Γάλλου Βουρβόνου  μονάρχη, και την άνοδο του ξαδέλφου του Λουδοβίκου-Φιλίππου , Δούκα της Ορλεάνης, του οποίου η ανατροπή θα ερχόταν ύστερα από δεκαοκτώ χρόνια.  Αυτή η εξέγερση του 1830 ήταν το ιστορικό πρελούδιο της εξέγερσης του Ιουνίου του 1832, ένα γεγονός που περιγράφηκε στο διάσημο μυθιστόρημα του Βίκτορ Ουγκώ, Les Miserables (1862). Σηματοδότησε την στροφή από μία συνταγματική μοναρχία, την Παλινόρθωση των Βουρβόνων, σε μια άλλη, την Ιουλιανή Μοναρχία , τη μετάβαση της εξουσίας από τον Οίκο των Βουρβόνων σε ένα παρακλάδι του, τον Οίκο της Ορλεάνης, και την αντικατάσταση της αρχής της κληρονομικής εξουσίας  από τη λαϊκή κυριαρχία.

Στον πίνακα του Delacroix απεικονίζεται ένα γυμνό κορίτσι με προφίλ που θυμίζει Ελληνίδα θεά, κρατώντας στα χέρια της ένα τουφέκι. Με τι θα μπορούσαμε να συνδέσουμε αυτήν την εικόνα; Δίχως αμφιβολία με την αόριστη έννοια της «ελευθερίας».

Στον ιστορικό πίνακα του κορυφαίου ζωγράφου διακρίνονται τριγύρω πεσμένοι νεκροί και στρατιώτες. Παντού καπνοί από τις εκρήξεις. Μπορεί να μην υπάρχει αρχηγός για το λαό, έχουν όμως την Ελευθερία κι αυτή είναι το όραμά τους. Εκείνη τους κατευθύνει. Επιβλητική, φορώντας την φρυγική σκούφια των Ιακωβίνων στο κεφάλι, υψώνει το χέρι της κρατώντας την απαγορευμένη σημαία της Γαλλικής Επανάστασης. Κόκκινο, λευκό και μπλε, αντανακλάται από τη γαλλική σημαία της Ελευθερίας.Το κεφάλι της είναι στραμμένο στον λαό που την ακολουθεί.Τους εμπνέει να βρουν το θάρρος να πολεμήσουν.

Αξίζει να σημειωθεί ότι η εμβληματική αυτή γυναίκα είναι γνωστή ως “Marianne”- η  προσωποποίηση της Γαλλικής Δημοκρατίας από την πρώτη Γαλλική Επανάσταση του 1789.

Επισκέπτες στο Λούβρο

Σε διαστάσεις 2,6 μ. x 3,25 μ., το κολοσσιαίο κομμάτι διαθέτει εικονογραφία και συμβολικά μοτίβα που κάνουν μια ισχυρή δήλωση. «Έχω αρχίσει να δουλεύω πάνω σε ένα σύγχρονο θέμα, μια σκηνή στα οδοφράγματα», έγραψε ο καλλιτέχνης ζωγραφίζοντας το Liberty Leading the People. «Μπορεί να μην έχω πολεμήσει για την πατρίδα μου, αλλά τουλάχιστον θα έχω ζωγραφίσει για εκείνη».

Edouard Manet, Πρόγευμα στη χλόη, 1863 – (2,08 μ. x 2,64 μ.)

To αριστούργημα “Πρόγευμα στη χλόη” του Manet γεφυρώνει το χάσμα μεταξύ του ρεαλιστικού και ιμπρεσιονιστικού κινήματος τέχνης με τη μοντέρνα προσέγγισή του στο στυλ και το θέμα. Με μια γυμνή γυναίκα να κάνει πικνίκ παρέα με δύο καλοντυμένους άντρες, αντλεί έμπνευση από κλασικούς πίνακες γυναικείων γυμνών, ενώ το τοποθετεί σε ένα σύγχρονο σκηνικό.

O Manet δίνει έμφαση στη θεματολογία ζωγραφίζοντας την προκλητική σκηνή σε έναν μεγάλο καμβά 2,08 μ. x 2,64 μ. Σήμερα, το κομμάτι είναι το αποκορύφωμα του Musee d`Orsay.

Ο Manet ζωγράφισε το αριστούργημά του Le Dejeuner sur l`herbe (Πρόγευμα στη χλόη), γνωστό και ως Le Bain (Το λουτρό), το 1862. Ένα χρόνο αργότερα, ο μεγάλος πίνακας (81,9 × 104,1 ίντσες) παρουσιάστηκε στο πρώτο Salon de Refuses. Αυτή η εκπληκτική σύνθεση εισήγαγε μια εντελώς νέα ζωγραφική προσέγγιση, καθώς περιλάμβανε τα είδη του πορτραίτου, του τοπίου και της νεκρής φύσης σε έναν μόνο πίνακα.

Το εν λόγω έργο παρουσιάζει μια σκηνή πικνίκ στο δάσος. Μια γυμνή γυναίκα και δύο ντυμένοι άντρες γευματίζουν μαζί, ενώ μια άλλη γυναίκα που φορά ένα ελαφρύ φόρεμα κάνει μπάνιο στο βάθος. Το ζωγραφικό στυλ του Manet απομακρύνθηκε περισσότερο από τον ακαδημαϊσμό. Ωστόσο, δεν είναι αυτό που συγκλόνισε το κοινό και την κριτική. Aντιθέτως, η εντελώς γυμνή γυναίκα στο κέντρο της σκηνής προκάλεσε έντονες αντιδράσεις. Οι καλλιτέχνες συνήθιζαν να απεικονίζουν γυμνά σώματα, αλλά με σεμνό τρόπο, ανακαλώντας μυθολογικές σκηνές. Αυτό που θεωρήθηκε συγκλονιστικό στον πίνακα του Manet ήταν η ανεμελιά της γυναίκας και οι ντυμένοι άντρες στο πλευρό της, δημιουργώντας έτσι  μια έντονη σεξουαλική χροιά.

Όπως ήταν λογικό, ο  εν λόγω πίνακας σκανδάλισε το Παρίσι προκαλώντας έντονες αντιδράσεις. Ο Manet παρήγαγε αυτό το αμφιλεγόμενο έργο μεταξύ 1862 και 1863 και απορρίφθηκε από την διαβόητη κριτική επιτροπή του Paris Salon, οπότε ο καλλιτέχνης το παρουσίασε στο Salon des Refuses.

Το υπόλοιπο κείμενο θα επικεντρωθεί στην τεράστια επιρροή που άσκησε στους ανερχόμενους καλλιτέχνες και στην κοινωνική εξέγερση που προκάλεσε για αρκετό καιρό. Αυτός ο εξαιρετικός πίνακας εκτίθεται μόνιμα στο Musee d`Orsay στο Παρίσι, ενώ μια παλαιότερη, μικροκαμωμένη έκδοση μπορεί να δει κανείς στην γκαλερί Courtauld στο Λονδίνο.

Οι φιγούρες του έργου

Η ηγετική φιγούρα του πίνακα Le Dejeuner sur l`herbe είναι μια γυμνή γυναίκα που κοιτάζει κατευθείαν τον θεατή ενώ οι δύο άντρες, μοντέρνα ντυμένοι, πιάνονται σε συζήτηση. Οι τρεις φιγούρες συμπληρώνονται από μια νεκρή φύση στο κάτω αριστερό επίπεδο του καμβά που αποτελείται από ένα καλάθι με φρούτα, ένα στρογγυλό καρβέλι ψωμί και τα ρούχα της γυναίκας. Στο βάθος, μια ακόμα γυναίκα κάνει μπάνιο στο ρέμα και η παρουσία της είναι σχεδόν απόκοσμη και σουρεαλιστική λόγω του μεγέθους της. Πρόκειται για μια μεγάλη φιγούρα σε σύγκριση με την τριάδα στο πρώτο πλάνο. Η συνολική εντύπωση είναι ότι η σκηνή έγινε σε στούντιο, αφού το φως είναι χαμηλό, δεν υπάρχουν σκιές και το φόντο στερείται βάθους.

Οι φιγούρες σε όλους τους πίνακές του ήταν εμπνευσμένες από τα πραγματικά μοντέλα και τους ανθρώπους που γνώριζε.  Η γυμνή κοπέλα θεωρείται ότι είναι η Victorine Meurent- το αγαπημένο και συχνά απεικονιζόμενο μοντέλο του Manet , ενώ η ανδρική φιγούρα στα δεξιά πιστεύεται ότι βασίζεται σε έναν συνδυασμό του Eugene και του Gustave, των δύο αδελφών του Manet. Ο άλλος βασίζεται στον κουνιάδο του, τον Ολλανδό γλύπτη Ferdinand Leenhoff. Ως εκ τούτου, ορισμένοι μελετητές αναφέρονται ακόμη και στο Le Dejeuner sur l`Herbe ως το οικογενειακό πορτρέτο του Manet.

Georges Seurat, Ένα Κυριακάτικο απόγευμα στο νησί του La Grande Jatte, 1884–1886 – (2,08 μ. x 3,08 μ.)

Ένα κυριακάτικο απόγευμα στο νησί La Grande Jatte, ζωγραφίστηκε από τον Georges Seurat,  έναν πρωτοπόρο του πουαντιλισμού, τη δεκαετία του 1880. Για να δημιουργήσει το κομμάτι με μεγάλο σχέδιο, ο Seurat εφάρμοσε σχολαστικά εκατομμύρια ζωγραφισμένες στο χέρι κουκκίδες στον καμβά 2,08 μ. x 3,08 μ.

Εκτός από το μνημειώδες, τελευταίο κομμάτι, ο Seurat δημιούργησε μικρότερες μελέτες. Σε κάθε περίπτωση, η σύνθεση παραμένει σχετικά ανέγγιχτη. η εμφάνιση, ο αριθμός και η θέση των θαμώνων, ωστόσο, αλλάζει από σκίτσο σε σκίτσο.

Ο ιμπρεσιονισμός βρισκόταν σε παρακμή και το έργο του Seurat βοήθησε να επαναφέρει το στυλ στο προσκήνιο του μυαλού των ανθρώπων. Όμως, σε αντίθεση με την αποτύπωση φευγαλέων στιγμών όπως θα έκαναν οι περισσότεροι από τους προηγούμενους ιμπρεσιονιστές, εκείνος επέλεξε να επιλέξει θέματα που έβλεπε ως αμετάβλητα και απαραίτητα για τη ζωή.

Την άνοιξη του 1958, το έργο “Ένα κυριακάτικο απόγευμα στο νησί της Grande Jatte” του Seurat δανείστηκε στο Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης στη Νέα Υόρκη. Στις 15 Απριλίου, ηλεκτρολόγοι που εργάζονταν στον δεύτερο όροφο έκαναν ένα διάλειμμα για να καπνίσουν το οποίο μετατράπηκε σε μεγάλη πυρκαγιά.

Κατέστρεψε πέντε πίνακες στο μουσείο, συμπεριλαμβανομένων δύο από τους πίνακες “Water Lilies” του Claude Monet και δυστυχώς, ένας από τους ηλεκτρολόγους σκοτώθηκε. Ευτυχώς, το αριστούργημα του Seurat γλίτωσε στο παρά πέντε καθώς μεταφέρθηκε με ασφάλεια στο Whitney Museum of American Art δίπλα. Τώρα βρίσκεται μόνιμα στο Ινστιτούτο Τέχνης του Σικάγο.

Gustav Klimt, Το φιλί, 1907–1908 (1,8 μ. x 1,8 μ.)

Το 1908, ζωγράφος Gustav Κlimt, ζωγράφισε το φιλί,  έναν αστραφτερό πίνακα μιας αιθέριας αγκαλιάς. Αυτό το κομμάτι δημιουργήθηκε κατά τη διάρκεια της Xρυσής Περιόδου, μια φάση που χαρακτηρίζεται από άφθονα φύλλα χρυσού.

 Πρόκειται για το αρχέτυπο της τρυφερότητας και του πάθους. Αυτή η λαμπερή, πολύχρωμη σκηνή αγάπης δύο προσώπων και σωμάτων που αγκαλιάζονται, βρίσκεται στο Μουσείο Belvedere στη Βιέννη. Αν και φανερά “υπερβολικός”, ο καμβάς με τα φύλλα χρυσού δεν θέτει σε κίνδυνο τη βαθιά σημασία πίσω από το έργο.

Στο κέντρο του πίνακα, αναπαριστάται ένα ζευγάρι που είναι έτοιμο να φιληθεί.

Κατά κάποιους, τα μοντέλα στον πίνακα είναι ο ίδιος ο Klimt και η αγαπημένη του, Emilie Flοge.

Το έργο παρουσιάζει ένα αγκαλιασμένο ζευγάρι, κρυμμένο πίσω από έναν μεγάλο χρυσό μανδύα. Αυτή η βαριά διακόσμηση προστατεύει και περικυκλώνει το ζευγάρι, που απολαμβάνει την αθανασία του έρωτά του. Δύο διακριτά μέρη αποτελούν την εικόνα: το πρώτο μέρος που απεικονίζει τον άντρα δείχνει ένα επαναλαμβανόμενο γεωμετρικό ασπρόμαυρο μοτίβο, που συμβολίζει τη δύναμη, τη θηλυκότητα και την αρρενωπότητά του. ενώ το δεύτερο μέρος απεικονίζει αυτό της γυναίκας, όπου ο Klimt χρησιμοποιεί λουλούδια και κύκλους για να αντικατοπτρίζει εικόνες θηλυκότητας και μητρότητας.

Ο άντρας και η γυναίκα είναι οι μόνες φιγούρες σε αυτό το έργο τέχνης όπου εμφανίζονται να δίνουν τις επιθυμίες τους, εντελώς ανέγγιχτες από το χρόνο ή την πραγματικότητα. Αρχικά, ο άνδρας φαίνεται να κυριαρχεί στη γυναίκα λόγω του μεγέθους του, αλλά το πόδι της γυναίκας είναι εκτεθειμένο υποδηλώνοντας ότι γονατίζει. Επομένως, αν ήταν όρθια, θα ήταν στην πραγματικότητα μεγαλύτερη από τον άντρα σύντροφό της και με τη σειρά της θα τον κυριαρχούσε. Αυτή η αγκαλιά θα μπορούσε να θεωρηθεί ως αυτοπροσωπογραφία, όπου οι εραστές συμβολίζουν τον καλλιτέχνη και τη μακροχρόνια σύντροφό του, Emilie Floge. Ωστόσο, η γυναικεία φιγούρα θα μπορούσε επίσης να είναι μια άλλη από τις πολλές μούσες ή τις ρομαντικές κατακτήσεις του Klimt. Καθώς ο δημιουργός ζωγράφιζε ασταμάτητα, εξ ίσου ασταμάτητα αγαπούσε και τις γυναίκες, ενώ σε όλη του τη ζωή είχε πολλές ερωμένες.

Claude Monet, The Water Lilies Series, γ. 1915-1926 – σχεδόν 100 μέτρα συνολικά

O ιμπρεσιονιστής καλλιτέχνης Claude Monet  έζησε στο Giverny, μια κοινότητα στη Βόρεια Γαλλία, από το 1883 μέχρι το θάνατό του, 43 χρόνια αργότερα. Περιτριγυρισμένος από την ομορφιά των κήπων του εμπνευσμένων από την Ιαπωνία —τους οποίους περιέγραψε ως το «πιο όμορφο αριστούργημα» του—ο Monet συχνά παρουσίαζε νούφαρα ως θέμα του.

Από τις περίπου 250 ελαιογραφίες που ζωγράφισε με αυτά τα υδρόβια λουλούδια, τα πιο διάσημα —και μεγαλύτερα— κομμάτια φιλοξενούνται στο Musee de l`Orangerie. Αν τοποθετηθούν δίπλα-δίπλα, οι κυρτοί καμβάδες αυτής της συλλογής θα μετρούσαν σχεδόν 100 μέτρα!

Pablo Picasso, Guernica, 1937 –  (3,49 μ. x 7,77 μ.)

Το 1937, ο Picasso ζωγράφισε τη  Guernica   που απεικονίζει τις καταστροφικές συνέπειες του ισπανικού εμφυλίου πολέμου. Η χαοτική σκηνή παρουσιάζει πολλές φιγούρες -με μια πενθούσα μητέρα, ένα άλογο και έναν διαφαινόμενο ταύρο μεταξύ των πιο επιφανών- στον απόηχο των βομβαρδισμών που πραγματοποιήθηκαν από ναζιστικά και φασιστικά ιταλικά πολεμικά αεροσκάφη.

Ενώ οι αντιλήψεις για τον συμβολισμό του πίνακα ποικίλλουν, είναι παγκοσμίως κατανοητό ότι είναι ένα αντιπολεμικό έργο τέχνης, πράγμα που σημαίνει ότι —σε  3,49 μ. x 7,77 μ.— είναι μνημειώδες τόσο σε κλίμακα όσο και σε μήνυμα. Πριν από 85 χρόνια, ο διάσημος ζωγράφος ανέλαβε μια εντολή που θα άλλαζε για πάντα τόσο την καριέρα του όσο και ολόκληρη την προοπτική της σύγχρονης τέχνης. Η Guernica δημιουργήθηκε από τον κυβιστή ζωγράφο τον Ιούνιο του 1937. Ο τίτλος του αναφέρεται στην ομώνυμη πόλη που βομβαρδίστηκε από τα ναζιστικά αεροπλάνα κατά τη διάρκεια του ισπανικού Εμφύλιου Πόλεμου. Πρόκειται για ένα γεγονός που κατέστρεψε τα τρία τέταρτα της παλιάς πόλης, σκοτώνοντας και τραυματίζοντας εκατοντάδες πολίτες.

Ο πατριωτισμός και το αίσθημα δικαιοσύνης του κορυφαίου καλλιτέχνη υπερέβαιναν τη φυσική τοποθεσία. Δεν είχε πάει στην Ισπανία, τη χώρα της γέννησής του, για αρκετά χρόνια όταν οι Ναζί βομβάρδισαν την ισπανική πόλη Guernica. Ζούσε στο Παρίσι εκείνη την εποχή και δεν επέστρεψε ποτέ στη γενέτειρά του για να ζήσει. Παρόλα αυτά, η επίθεση, που σκότωσε κυρίως γυναίκες και παιδιά, συγκλόνισε βαθιά τον καλλιτέχνη.

Ο πίνακας δείχνει τις τραγωδίες που ο πόλεμος προκαλεί στον κόσμο και ιδιαίτερα στους αθώους πολίτες. Πρόκειται για ένα συμβολικό έργο το οποίο αναμφίβολα έχει αποκτήσει μία μνημειώδη φήμη και μέσω αυτού γίνεται μια διαρκής υπενθύμιση των δεινών του πολέμου. Είναι ένα αντιπολεμικό σύμβολο και μια ενσάρκωση της ειρήνης. Με την ολοκλήρωσή του έργου, η Guernica εμφανίστηκε σε όλο τον κόσμο σε μια σύντομη περιοδεία, έγινε διάσημη και ευρέως αναγνωρισμένη. Αυτή η περιοδεία βοήθησε να φέρει τον Ισπανικό Εμφύλιο Πόλεμο στην προσοχή του κόσμου.

Δεν είναι τυχαίο ότι πολλοί κριτικοί τέχνης θεωρούν ότι είναι ένας από τους πιο συγκινητικούς και ισχυρούς αντιπολεμικούς πίνακες στην ιστορία. Ενώ πολυάριθμα έργα του  Picasso έχουν στεφθεί ως αριστουργήματα, όπως το Les Demoiselles d`Avignon το 1907  που έθεσε αποτελεσματικά τη δυτική αφηρημένη τέχνη σε κίνηση, η Guernica θεωρείται το ίσως πιο γόνιμο έργο του καλλιτέχνη.

Jackson Pollock, Number 1, 1950 (Lavender Mist), 1950 – (2,21μ. x 2,997 μ.)

O αφηρημένος εξπρεσιονιστής Jackson Pollock ζωγράφισε τον Number 1, 1950 (Lavender Mist), έναν πίνακα με διαστάσεις 2,21μ. x 2,997μ. Όπως και τα άλλα αριστουργήματά του σε μέγεθος τοιχογραφίας. αυτό το έρτο τέχνης δημιουργήθηκε χρησιμοποιώντας την τεχνική του «action painting». Αντί να στηρίζει καμβάδες σε καβαλέτα και να παράγει την τέχνη του με πινέλα, επέλεξε να χύνει, να ψεκάζει και να πιτσιλίζει μπογιές σε ακατέργαστο καμβά που τοποθέτησε στο έδαφος.

«Στο πάτωμα είμαι πιο άνετα», εξήγησε. «Αισθάνομαι πιο κοντά, περισσότερο μέρος του πίνακα, αφού έτσι μπορώ να τον περπατήσω, να δουλέψω από τις τέσσερις πλευρές και κυριολεκτικά να είμαι μέσα στον πίνακα».