Είναι περισσότερο γνωστή για τα μεγάλης κλίμακας γλυπτά και τις εγκαταστάσεις της που είναι εμπνευσμένες από τις δικές της μνήμες και εμπειρίες.
Η Louise Bourgeois άρχισε να ασχολείται με τα υφάσματα όταν ήταν παιδί. Ως καλλιτέχνης, επέστρεψε στο μέσο αργά στην καριέρα της.
Κατά τη διάρκεια της μακροχρόνιας καριέρας της, η γεννημένη στη Γαλλία καλλιτέχνης Louise Bourgeois εργάστηκε σε πολλά μέσα. Παρόλο που η χρήση των υλικών άλλαξε με τα χρόνια, εξερευνούσε συνεχώς θέματα όπως τα παιδικά τραύματα, ο φόβος, η μοναξιά, η σεξουαλικότητα και η μητρότητα. Η υφαντουργική τέχνη της Louise Bourgeois σηματοδότησε την ύστερη περίοδο της καριέρας της καλλιτέχνιδας. Τα κομμάτια του υφάσματός της συγκεντρώνουν μνήμες από την παιδική της ηλικία ενώ αντιπροσωπεύουν πτυχές της ενήλικης ζωής της, τις δικές της εμπειρίες με τη μητρότητα και τον τοκετό και την περίπλοκη φύση των σχέσεων.
Louise Bourgeois φωτογραφημένη από τον Robert Mapplethorpe, 1982
Η Louise Bourgeois γεννήθηκε στις 25 Δεκεμβρίου 1911 στο Παρίσι από τους Louis Bourgeois και Josephine Fauriaux. Η οικογένεια, συμπεριλαμβανομένης της μεγαλύτερης αδερφής του Bourgeois, Henriette, ζούσε στη Boulevard Saint Germain, όπου ο Louis και η Joséphine συνέχισαν την οικογενειακή επιχείρηση με αντίκες Fauriaux ανοίγοντας μια γκαλερί ταπισερί. Το 1913 γεννήθηκε ο αδερφός του Bourgeois, Pierre.
Η Louise Bourgeois συχνά βοηθούσε στην επισκευή παλαιών υφασμάτων. Έκανε μάλιστα τα πρώτα της σχέδια για την επιχείρηση των γονιών της. Η Bourgeois πήγε αρχικά στο Πανεπιστήμιο της Σορβόννης για να σπουδάσει μαθηματικά, ωστόσο, αργότερα αποφάσισε να σπουδάσει τέχνη. Παντρεύτηκε έναν ιστορικό τέχνης που ονομαζόταν Robert Goldwater και μετακόμισε στη Νέα Υόρκη το 1938.
Η καλλιτέχνιδα έφτιαχνε τα κλωστοϋφαντουργικά της έργα χρησιμοποιώντας ταπετσαρίες, ρούχα και υφάσματα από το σπίτι της. Τα ρούχα που χρησιμοποιούσε προέρχονταν από όλα τα στάδια της ζωής της. Το 1995 ανέφερε αυτή την τάση λέγοντας “Τα όμορφα ρούχα από τα νιάτα σου – άρα τι – θυσία / τα τρώγονται από τον σκόρο”. Ζήτησε από τον βοηθό της να πάρει τα ρούχα που ήταν κρυμμένα στους επάνω ορόφους του σπιτιού της και να τα κατεβάσει στο στούντιο της στο υπόγειο. Τα ταξινόμησε ανά χρώμα και διάλεξε τα κομμάτια που είχαν νόημα για εκείνη. Τα ρούχα που της φάνηκαν σημαντικά διατηρήθηκαν ανέπαφα για κομμάτια όπως οι Cell . Τα άλλα ρούχα κόπηκαν, τροποποιήθηκαν και μετατράπηκαν σε εντελώς νέες μορφές.
Το 1919, η οικογένεια απέκτησε ένα ακίνητο στο Antony, ένα προάστιο του Παρισιού, το οποίο περιλάμβανε ένα ατελιέ για την αποκατάσταση ταπετσαριών. Ήταν επίσης περίπου εκείνη την εποχή που η μητέρα της Bourgeois, Joséphine, προσβλήθηκε από την ισπανική γρίπη, από την οποία δεν ανάρρωσε ποτέ πλήρως. Οι χειμώνες περνούσαν σε θερμότερα κλίματα και η εκπαίδευση της Βourgeois συχνά διακόπτονταν για να βοηθήσει τη φροντίδα της μητέρας της. Το 1922, ο Βρετανός au pair Sadie Gordon Richmond μπήκε στην οικογένεια των Bourgeois για να διδάξει στα παιδιά αγγλικά. Ζώντας μαζί τους για σχεδόν μια δεκαετία, η Sadie έγινε και η ερωμένη του Louis. Αυτή η μπερδεμένη κατάσταση, και η επίδραση που είχε η συμπεριφορά του πατέρα της στην Bourgeois , θα βρει αργότερα έκφραση στην τέχνη της.
Η μητέρα της έφυγε από τη ζωή τον Σεπτέμβριο του 1932. Δύο μήνες αργότερα, αφού έλαβε το πτυχίο της στη φιλοσοφία από το διάσημο Lycée Fénelon στο Παρίσι, η Bourgeois μπήκε στη Σορβόννη για να σπουδάσει μαθηματικά. Είχε βαθιά κατάθλιψη από το θάνατο της μητέρας της και στράφηκε σύντομα στην τέχνη. Η Bourgeois παρακολούθησε πολλές διαφορετικές ακαδημίες και ατελιέ καλλιτεχνών στο Παρίσι και παρακολούθησε μαθήματα στην Academie de la Grande-Chaumière, στην Εcole des Beaux-Arts και στην Ecole du Louvre. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, μελέτησε επίσης με τον Fernand Leger, ο οποίος της είπε ότι η ευαισθησία της έγειρε προς το τρισδιάστατο.
Το 1938, η Louise Bourgeois γνώρισε και παντρεύτηκε τον Αμερικανό ιστορικό τέχνης Robert Goldwater και μετακόμισε στη Νέα Υόρκη, όπου μεγάλωσαν τρεις γιους. Λίγο μετά την άφιξή της στη Νέα Υόρκη, η Bourgeois εγγράφηκε στο Art Students League, όπου άρχισε να φτιάχνει εκτυπώσεις και το 1945 πραγματοποίησε την πρώτη της ατομική έκθεση ζωγραφικής στην Bertha Schaefer Gallery της Νέας Υόρκης. Άρχισε να δημιουργεί γλυπτικές φόρμες από ξύλο που βρέθηκε στην οροφή της πολυκατοικίας της, Stuyvesant`s Folly, στα μέσα της δεκαετίας του 1940. Το 1949, ο Bourgeois εξέθεσε αυτό το έργο για πρώτη φορά σε μια ατομική έκθεση, Recent Work 1947–1949: Seventeen Standing Figures in Wood, στην Peridot Gallery της Νέας Υόρκης. Aκολούθησαν ακόμα δύο ατομικές εκθέσεις στην γκαλερί Peridot το 1950 και το 1953. Το 1951, το Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης απέκτησε το Sleeping Figure (1950).
Καθ` όλη τη διάρκεια των δεκαετιών του 1940 και του 1950, το έργο της Bourgeois παρουσιάστηκε με αφηρημένους εξπρεσιονιστές καλλιτέχνες, συμπεριλαμβανομένων των Jackson Pollock, Mark Rothko και Willem de Kooning, σε διάφορες ομαδικές εκθέσεις. Ήταν σε επαφή με Ευρωπαίους καλλιτέχνες στη Νέα Υόρκη όπως ο Marcel Duchamp, ο André Breton και ο Joan Miró. Το 1946, η Bourgeois άρχισε να φτιάχνει στάμπες στο Atelier 17 του Stanley William Hayter. Το 1947, δημιούργησε ένα σημαντικό έργο εκτύπωσης, He Disappeared Into Complete Silence, στο οποίο εννέα γκραβούρες, συνοδευόμενες από τις παραβολές της, είχαν σαφώς αρχιτεκτονικό θέμα.
Μετά τον απροσδόκητο θάνατο του πατέρα της το 1951, η Bourgeois έπεσε σε βαθιά κατάθλιψη, που την οδήγησε στην ψυχανάλυση με τον Dr Henry Lowenfeld. Το 1964, μετά από μια περίοδο σχετικής απομόνωσης, έκανε την πρώτη της ατομική έκθεση μετά από έντεκα χρόνια στη Stable Gallery της Νέας Υόρκης. Το νέο της έργο, φτιαγμένο σε γύψο και λατέξ, αποκάλυψε μια στροφή προς πιο οργανικές διαδικασίες και εισήγαγε τη «Φωλιά» ως μια μοναδική γλυπτική μορφή. Το 1966, η Lucy Lippard συμπεριέλαβε το έργο της Bourgeois στη θεμελιώδη έκθεση Eccentric Abstraction, μαζί με μια νεότερη γενιά καλλιτεχνών όπως η Eva Hesse και ο Bruce Nauman. Στα τέλη της δεκαετίας του 1960 και στις αρχές της δεκαετίας του `70, ο Bourgeois ταξίδευε συχνά στην Ιταλία για να εργαστεί σε μάρμαρο και μπρούτζο.
Η Louise Bourgeois μπροστά από το σπίτι της στη Νέα Υόρκη το 1975 φορώντας
το γλυπτό από λατέξ AVENZA (1968-1969) που έγινε μέρος του CONFRONTATION
Ο σύζυγος της Bourgeois πέθανε τον Μάρτιο του 1973. Το 1974, δημιούργησε το The Destruction of the Father, το οποίο προβλήθηκε για πρώτη φορά σε μια σόλο παράσταση στην οδό Greene 112 την ίδια χρονιά. Το 1978, ανέβασε μια παράσταση (A Banquet: A Fashion Show of Body Parts) μέσα στο πρώτο της χωρικό περιβάλλον, Confrontation (1978), στη Γκαλερί Σύγχρονης Τέχνης Hamilton, Νέα Υόρκη. Το 1980, γνώρισε τον Jerry Gorovoy, ο οποίος τη συμπεριέλαβε σε μια ομαδική έκθεση που επιμελήθηκε στην γκαλερί Max Hutchinson της Νέας Υόρκης. O Gorovoy θα γινόταν στη συνέχεια η πλήρους απασχόλησης βοηθός της και παρέμεινε σταθερή παρουσία για το υπόλοιπο της ζωής της.
To Louise Bourgeois: Retrospective άνοιξε στο Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης το 1982. Επιμελήθηκε η Deborah Wye και ήταν η πρώτη αναδρομική έκθεση του MoMA αφιερωμένη σε μια γυναίκα καλλιτέχνη. Το 1989, η πρώτη ευρωπαϊκή αναδρομική έκθεση του έργου του Bourgeois άνοιξε στο Frankfurter Kunstverein, που διοργανώθηκε από τον Peter Weiermair. Το 1980, η Bourgeois είχε αποκτήσει μεγαλύτερο χώρο στούντιο στο Μπρούκλιν και εκείνη την εποχή άρχισε να δημιουργεί όλο και πιο μεγάλης κλίμακας έργα. Το 1991, παρουσίασε το πρώτο από μια νέα σειρά έργων, τα Cells, στο Carnegie International στο Πίτσμπουργκ. Ένα χρόνο αργότερα, πήρε μέρος στην Documenta IX και το 1993 εκπροσώπησε το περίπτερο των Ηνωμένων Πολιτειών για την 45η Μπιενάλε της Βενετίας. Το 1994, η Bourgeois εγκατέστησε την πρώτη της μεγάλης κλίμακας Spider στο Μουσείο του Μπρούκλιν.
Το 2000, μετά από μια δεκαετία διεθνών εκθέσεων και βραβείων, η Tate Gallery of Modern Art ανέθεσε στην Bourgeois εναρκτήρια εγκατάσταση της νέας θέσης του μουσείου στο Turbine Hall του ηλεκτρικού σταθμού Bankside. Παρουσίασε μια αράχνη από χάλυβα και μάρμαρο τριάντα ποδιών, Maman (1999), και συνέλαβε τρεις χαλύβδινους αρχιτεκτονικούς πύργους με τίτλο I Do, I Undo, and I Redo (1999–2000). Τα επόμενα δέκα χρόνια συνέχισαν να φέρνουν την αστική αναγνώριση. Ήταν το θέμα πολλών μεγάλων εκθέσεων, συμπεριλαμβανομένης της πρώτης παρουσίασης ενός ζωντανού Αμερικανού καλλιτέχνη στο Κρατικό Μουσείο Ερμιτάζ στην Αγία Πετρούπολη, το 2001. Έξι χρόνια αργότερα μια άλλη μεγάλη αναδρομική έκθεση της δουλειάς της οργανώθηκε από την Tate Modern και το Centre Pompidou. Με επιμέλεια των Frances Morris, Marie-Laure Bernadac και Jonas Storsve, η έκθεση ταξίδεψε στο Solomon R. Guggenheim Museum της Νέας Υόρκης, στο Μουσείο Σύγχρονης Τέχνης στο Λος Άντζελες και στο Μουσείο Hirshhorn and Sculpture Garden, Washington, DC.
Η Bourgeois ονομάστηκε Αξιωματικός του Τάγματος των Τεχνών και των Γραμμάτων από τον Γάλλο Υπουργό Πολιτισμού το 1983. Άλλες διακρίσεις περιελάμβαναν το Grand Prix National de Sculpture από τη γαλλική κυβέρνηση το 1991. το Εθνικό Μετάλλιο των Τεχνών, που απονεμήθηκε από τον Πρόεδρο Bill Clinton το 1997. το πρώτο βραβείο ζωής από το Διεθνές Κέντρο Γλυπτικής στην Ουάσιγκτον, DC, και εκλογή ως υπότροφος της Αμερικανικής Ακαδημίας Τεχνών και Επιστημών. Το 2008, το μετάλλιο της Γαλλικής Λεγεώνας της Τιμής απονεμήθηκε στην Μπουρζουά από τον Πρόεδρο Νικολά Σαρκοζί στο σπίτι της καλλιτέχνιδας στο Τσέλσι.
Στις 31 Μαΐου 2010, η Louise Bourgeois έφυγε από τη ζωή σε ηλικία 98 ετών.
Louise Bourgeois: Η Woven Child at the Hayward Gallery
Φωτογραφία της έκθεσης Louise Bourgeois: The Woven Child at Hayward Gallery του Mark Blower, 2022, μέσω της γκαλερί Hayward, Λονδίνο
Η έκθεση του 2022 Louise Bourgeois: The Το Woven Child στην γκαλερί Hayward στο Λονδίνο ήταν αφιερωμένο στην υφαντουργική τέχνη. Η εκτεταμένη έκθεση περιελάμβανε περίπου 90 έργα τέχνης υφασμάτων που έγιναν από την Bourgeois τις δύο τελευταίες δεκαετίες της ζωής της. Περιλάμβανε μάλιστα τέσσερα έργα που δημιούργησε η καλλιτέχνις τα τελευταία πέντε χρόνια της ζωής της. Αυτά τα τελευταία έργα έγιναν για να εξετάσουν τη σχέση ανάμεσα στην ψυχή και το σώμα, το ασυνείδητο και το συνειδητό, και τη δυνατότητα να επισκευαστούν και να σπάσουν τα πράγματα. Η έκθεση παρουσίαζε μέρη σώματος κατασκευασμένα από ύφασμα και ρούχα.
Η φεμινιστική άποψη
Lady in Waiting της Louise Bourgeois από τη Louise Bourgeois, 2003
Η Rozsika Parker, συγγραφέας του βιβλίου The Subversive Stitch: Embroidery and the Making of the Feminine, ανέφερε την υφαντουργική τέχνη του Bourgeois ως σημαντικό παράδειγμα του τρόπου με τον οποίο ένα μέσο που παραδοσιακά αγνοούνταν ως γυναικείο έργο απέκτησε το καθεστώς της καλών τεχνών. Σύμφωνα με την Parker, το έργο του Bourgeois διερευνά τη βαθιά σχέση του υφάσματος με γυναικεία σεξουαλικότητα, το σώμα και το ασυνείδητο.
Η Bourgeois άρχισε να ασχολείται με τα υφάσματα νωρίς στη ζωή της, λόγω του εργαστηρίου ταπισερί των γονιών της. Για την Parker, η δουλειά της Bourgeois με τα υφάσματα μπορεί επομένως να ερμηνευθεί ως αναπαράσταση του τρόπου με τον οποίο αναπτύσσεται η γυναικεία σεξουαλικότητα κατά την παιδική ηλικία και στην οικογένεια. Τα έργα της από ύφασμα απεικονίζουν ζευγάρια που κάνουν σεξ, έγκυες γυναίκες, το θέμα της γέννησης, καθώς και ευάλωτα και οδυνηρά συναισθήματα.
Η Bourgeois είπε κάποτε για το πώς οι γυναίκες με τις οποίες μεγάλωσε έκαναν όλες κεντήματα. Αυτό έκανε τηνν καλλιτέχνιδα να αναπτύξει μια γοητεία με τη βελόνα και τη μαγική της δύναμη. Συνέδεσε τη βελόνα με την επανόρθωση και τη συγχώρεση. Για τη Rozsika Parker, ωστόσο, η κλωστοϋφαντουργική τέχνη της Bourgeois υποδηλώνει επίσης την καταστροφή και την επιθετικότητα.
Σεξουαλικότητα και μητρότητα
The Good Mother by Louise Bourgeois, 2003
Η σεξουαλικότητα, η μητρότητα και η εγκυμοσύνη είναι θέματα που επαναλαμβάνονται στο έργο της Bourgeois, επομένως μπήκαν και στην υφαντουργία της. Η καλλιτέχνης γνώριζε τη σεξουαλική χροιά των κομματιών της και είπε ότι το γυναικείο σώμα και τα διάφορα σχήματά του έπαιξαν σημαντικό ρόλο στη δουλειά της. Συχνά συνδύαζε ανδρικά και γυναικεία σώματα, για παράδειγμα δημιουργώντας φαλλικό στήθος. Το έργο της συχνά παρουσίαζε ζευγάρια σε σεξουαλικά υπαινικτικές ή σαφείς καταστάσεις. Οι φιγούρες της από ύφασμα δεν αποτελούσαν εξαίρεση. Το έργο της Couple IV δείχνει δύο μαύρες υφασμάτινες κούκλες να αγκαλιάζονται και να βρίσκονται η μία πάνω στην άλλη μέσα σε ένα γυάλινο ντουλάπι. Σύμφωνα με την Alice Blackhurst- η οποία για τη Guardian- το έργο σχολιάζει την καταπιεστική φύση των στενών σχέσεων, αλλά είναι επίσης μια απόδειξη της λαχτάρας μας για εγγύτητα.
Η απεικόνιση της μητρότητας γίνεται ορατή σε έργα όπως η καλή μητέρα. Τα στήθη της φιγούρας συνδέονται με πέντε ατράκτους μέσω κομματιών χορδής. Οι χορδές φαίνεται να αντιπροσωπεύουν τη διαδικασία του θηλασμού και της ανατροφής ενός παιδιού. Ο τίτλος του The Good Mother υποδηλώνει ότι το έργο συζητά τις προσδοκίες της κοινωνίας για τις μητέρες ως τέλειες και στοργικές.
Αράχνες και Έργα από ύφασμα
Spider III by Louise Bourgeois, 1995
Η Louise Bourgeois δεν εγκατέλειψε το εμβληματικό της θέμα στην υφαντουργία της. Η αράχνη συχνά γίνεται κατανοητή ως σύμβολο για τη μητέρα της καλλιτέχνιδας που, αντί για ιστούς, έπλεκε ταπισερί. Για τη Bourgeois, οι αράχνες ήταν επίσης η ενσάρκωση της προστασίας και της επανόρθωσης, αλλά ήταν και αρπακτικές. Ο φίλος και βοηθός της Jerry Gorovoy δήλωσε ότι η πρώιμη δουλειά της καλλιτέχνιδας ήταν εμπνευσμένη από τη σχέση της με τον πατέρα της.
Η κλωστοϋφαντουργική τέχνη της Bourgeois, ωστόσο, αφορούσε την ταύτισή της με τη μητέρα της και το επάγγελμά της ως μοδίστρας και εργάτριας ταπετσαρίας. Αυτή η αλλαγή σηματοδότησε μια στροφή στο έργο της. Σε ένα ποίημα του 1995, συνέδεσε τη μητέρα της με μια αράχνη, καθώς και οι δύο μοιράζονται πολλές ιδιότητες όπως η εξυπνάδα, η υπομονή και η κατευναστική φύση. Η Bourgeois ενσωμάτωσε αράχνες στα υφαντά της. Το Her Lady in Waiting από το 2003 διαθέτει μια καρέκλα και μια μικρή κούκλα από ύφασμα που κάθεται πάνω της. Μια λεπτή, ασημένια αράχνη σέρνεται πάνω από την κούκλα.
«Spider (Cell)» της Louise Bourgeois, 1997
Το Bourgeois`s Spider (Cell) είναι το πρώτο κομμάτι της καλλιτέχνιδας όπου ο ιστός της αράχνης λειτουργεί ως κύτταρο. Οι θεατές υποτίθεται ότι πάνε στο κελί και κάθονται στην καρέκλα μέσα. Με αυτόν τον τρόπο, βρίσκονται υπό την προστασία της μητρικής αράχνης. Το κομμάτι περιλαμβάνει πάνελ ταπισερί.
Τα κελιά της έχουν συχνά συνηθισμένα αντικείμενα όπως ρούχα και έπιπλα. Ο βοηθός της Jerry Gorvoy είπε ότι η καλλιτέχνις φοβόταν να πετάξει πράγματα, ειδικά τα αντικείμενα που της ήταν πολύτιμα. Τα αστικά κύτταρα επομένως συζητούν επίσης την έννοια της μνήμης. Τα αντικείμενα που κάποτε ήταν σημαντικά για την καλλιτέχνιδα εξακολουθούν να ζουν στην τέχνη της.
The Reticent Child
Φωτογραφία επισκέπτη που κοιτάζει το The Reticent Child της Louise Bourgeois (2003) στη γκαλερί Hayward από τον Mark Blower, 2022, μέσω της γκαλερί Hayward, Λονδίνο
Το κομμάτι The Reticent Child του 2003 αποτελείται από έξι μικρές φιγούρες τοποθετημένες μπροστά από έναν κοίλο καθρέφτη. Το θέμα του έργου περιστρέφεται γύρω από την εγκυμοσύνη και τη γέννηση και την πρώιμη ζωή του μικρότερου γιου της Louise Bourgeois, Alain. Το κομμάτι δημιουργήθηκε για μια έκθεση που πραγματοποιήθηκε στο Freud στη Βιέννη. Η εγκατάσταση περιλαμβάνει την εμφάνιση μιας εγκύου γυναίκας, μιας μήτρας, ενός εμβρύου που λάμπει μέσα από το σώμα μιας εγκύου φιγούρας, μιας γυναίκας που γεννά και ενός άνδρα που κρύβει το κεφάλι του στα χέρια του ενώ στέκεται μπροστά σε ένα κρεβάτι με ένα παιδί ξαπλωμένο. το.
Οι φιγούρες είναι όλες από ύφασμα και ραμμένες στο χέρι, εκτός από μια φιγούρα που αναπαριστά το παιδί ξαπλωμένο στο κρεβάτι, που ήταν φτιαγμένο από μάρμαρο. Σε ένα κείμενο που συνόδευε την εγκατάσταση, η Bourgeois περιέγραψε τον γιο της Alain ως ένα παιδί που αρνήθηκε να γεννηθεί, γεγονός που τον έκανε, όπως υποδηλώνει ο τίτλος, ένα επιφυλακτικό παιδί.
Αυτοπροσωπογραφία
Self Portrait by Louise Bourgeois, 2009
Το έργο που ονομάζεται Self Portrait είναι ένα ύστερο παράδειγμα της υφαντικής τέχνης της Louise Bourgeois. Έγινε μόλις ένα χρόνο πριν από τον θάνατο της. Self Portrait είναι μέρος μιας σειράς οκτώ έργων ρολογιού που έκανε η Bourgeois το 2009. Το κολάζ με ύφασμα απεικονίζει τη ζωή της με τη μορφή ρολογιού. Το ρολόι ξεκινά με μια εικόνα μιας νεαρής Louise και δείχνει την ανάπτυξή της μέσα από απεικονίσεις της εφηβείας, τις σχέσεις, την εγκυμοσύνη και άλλα επαναλαμβανόμενα θέματα του έργου του καλλιτέχνη. Οι εικόνες που χρησιμοποιήθηκαν σε αυτή την αυτοπροσωπογραφία εκτυπώθηκαν σε κομμάτια υφάσματος, τα οποία στη συνέχεια ραμμένα σε ένα μεγαλύτερο φύλλο. Οι δείκτες του ρολογιού δείχνουν τους αριθμούς 19 και 11 αφού το 1911 ήταν η χρονιά που γεννήθηκε η Βοurgeois. Τα γράμματα L και B είναι κεντημένα στο κάτω μέρος του φύλλου.
