Mε αφορμή τον θάνατο του Κολομβιανού ζωγράφου και γλύπτη που είχε παντρευτεί την Ελληνίδα εικαστικό Σοφία Βάρη, ένα αφιέρωμα για τη ζωή και το έργο του.
Ήταν γνωστός για το ιδιόρρυθμο στυλ του, με τους πολύ παχείς ανθρώπους που κάποια στιγμή τον έκανε τον ακριβότερο εν ζωή ζωγράφο. Μόλις δει κανείς την τέχνη του, δεν θα την ξεχάσει ποτέ. Απεικονίζει ανθρώπους και φιγούρες σε μεγάλους, υπερβολικούς όγκους. Θεωρείται ο πιο αναγνωρισμένος και αποκαλούμενος εν ζωή καλλιτέχνης από τη Λατινική Αμερική και η τέχνη του βρίσκεται σε εξαιρετικά ορατά μέρη σε όλο τον κόσμο. Δεν μπορείς να μπερδέψεις τον τρόπο που ζωγραφίζει με κανέναν άλλον. Το στυλ έχει ακόμη και το δικό του όνομα: Μποτερισμός. Δεν είναι μόνο η υπογραφή του Μποτέρο, είναι και ο τρόπος του να εκπροσωπεί την πολιτική κριτική ή το χιούμορ.
Το «Boterismo» απεικονίζει ανθρώπους και φιγούρες σε μεγάλους, υπερβολικούς όγκους, που μπορεί να αντιπροσωπεύουν πολιτική κριτική ή χιούμορ, ανάλογα με το κομμάτι. Θεωρείτο ο πιο αναγνωρισμένος και αποκαλούμενος εν ζωή καλλιτέχνης από τη Λατινική Αμερική, και η τέχνη του βρίσκεται σε εξαιρετικά ορατά μέρη σε όλο τον κόσμο, όπως η Park Avenue στη Νέα Υόρκη και τα Ηλύσια Πεδία στο Παρίσι.
Ποιος ήταν ο Μποτέρο;
Ο Φερνάντο Μποτέρο, ήταν ο δεύτερος από τους τρεις γιους του Ντέιβιντ Μποτέρο, έναν πλανόδιο πωλητή, και τη Φλόρα Ανγκούλο, μια μοδίστρα. Ο πατέρας του είχε μια εντυπωσιακή συλλογή βιβλίων, συμπεριλαμβανομένων εικονογραφημένων τόμων για τη Γαλλική Επανάσταση και τη Θεία Κωμωδία, την οποία ο νεαρός Φερνάντο απολάμβανε να κοιτάζει. Ο πατέρας του πέθανε από καρδιακή προσβολή όταν ο Φερνάντο ήταν ακόμη μόλις τεσσάρων ετών και ο θείος του ανέλαβε τον ρόλο της πατρικής φιγούρας στη ζωή του.
Αν και μεγάλωσε στο Μεντεγίν, τη δεύτερη μεγαλύτερη πόλη της Κολομβίας (μετά την Μπογκοτά), ο Μποτέρο δεν είχε μεγάλη έκθεση σε γκαλερί τέχνης ή άλλες πολιτιστικές δραστηριότητες. Ωστόσο, επηρεάστηκε από νεαρή ηλικία από το εντυπωσιακό μπαρόκ στυλ των ισπανικών αποικιακών εκκλησιών της πόλης, τις οποίες σκιαγράφησε πλήρως, και από τα προκολομβιανά αντικείμενα που φυλάσσονταν σε τοπικό μουσείο. συλλογές. Αυτός και οι φίλοι του ζωγράφισαν επίσης σκηνές στους δρόμους από την περιοχή με τα κόκκινα φανάρια της πόλης.
Όταν ο Μποτέρο ήταν δώδεκα ετών, ο θείος του τον έστειλε να σπουδάσει σε μια σχολή για ταυρομάχους όπου έμεινε για δύο χρόνια. Ωστόσο, ενδιαφερόταν περισσότερο για την τέχνη και του άρεσε να σχεδιάζει και να ζωγραφίζει ακουαρέλες ταύρων, τοπία και νεκρές φύσεις. Ένας έμπορος εισιτηρίων για ταυρομαχίες εντόπισε το ταλέντο του αγοριού και επιδότησε τα κέρδη του από τις πωλήσεις εισιτηρίων πουλώντας μερικές από τις ακουαρέλες των ταύρων και των ταυρομάχων του Μποτέρο. Όταν ήταν ακόμη μόλις δεκαέξι ετών, ο Μποτέρο συμμετείχε σε μια ομαδική έκθεση με άλλους Κολομβιανούς καλλιτέχνες και δημοσίευσε τις εικονογραφήσεις του στην εφημερίδα “Ο Κολομβιανός”, μια από τις μεγαλύτερες εφημερίδες στο Μεντεγίν.
Ο Μποτέρο έγραψε ένα άρθρο για τον Πάμπλο Πικάσο για μια τοπική εφημερίδα, στο οποίο υποστήριξε την άποψη ότι «η καταστροφή των μορφών στον κυβισμό αντανακλούσε την καταστροφή του ατομικισμού στη σύγχρονη κοινωνία». Η δημοσίευση του άρθρου ερμηνεύτηκε ως μαρξιστική δήλωση και τον έδιωξε από το σχολείο. Ο Μποτέρο θυμάται: “Ο κοσμήτορας είπε: “Δεν μπορούμε να δεχτούμε σάπια μήλα στο σχολείο. Αυτό θα βλάψει τους άλλους μαθητές”. Ο Μακαρθισμός δεν υπήρχε μόνο στην Αμερική αλλά και στη Λατινική Αμερική και τέτοιες αθώες εκφράσεις δεν γίνονταν αποδεκτές». Η οπισθοδρόμηση δεν μείωσε τις φιλοδοξίες του, ωστόσο, και μέχρι τα δεκαεννιά του ο Μποτέρο ήταν σίγουρο ότι ήθελε να γίνει ζωγράφος. Στο άκουσμα της δήλωσης του γιου της, η μητέρα του προειδοποίησε: «Θα πεθάνεις από την πείνα».
Εκπαίδευση και πρώιμη εκπαίδευση
Μεταξύ 1949 και 1950, ο Μποτέρο εργάστηκε στο Μεντεγίν ως σκηνογράφος. Στη συνέχεια μετακόμισε στη Μπογκοτά, όπου έκανε την πρώτη του ατομική έκθεση στην Galería Leo Matiz το 1951. Είχε αρχίσει να πειραματίζεται με την αναλογία και το μέγεθος της φιγούρας εκείνη τη στιγμή, αλλά τα έργα που παρουσίαζε ήταν τόσο ποικίλα, δείχνοντας επιρροές που κυμαίνονταν από Γκωγκέν έως τον Ντιέγκο Ριβέρα, που οι επισκέπτες υπέθεσαν ότι ήταν ομαδική παράσταση. Ωστόσο, κάθε έργο πουλήθηκε. Ο 20χρονος Μποτέρο κέρδισε το δεύτερο βραβείο στο Εθνική Αίθουσα Καλλιτεχνώνκαι αμέσως μετά, με τα κέρδη από τις πωλήσεις της γκαλερί του, ταξίδεψε στην Ευρώπη με πλοίο, φτάνοντας στη Βαρκελώνη το 1952. Μετακομίζοντας στη Μαδρίτη, σπούδασε στο Academia de San Fernando, και πέρασε χρόνο στο Μουσείο Πράδο αντιγράφοντας τα έργα του Φρανσίσκο ντε Γκόγια και του Ντιέγκο Βελάσκεθ (καταφέρνοντας μάλιστα να πουλήσει μερικές από τις αναπαραγωγές του). Το 1953 μετακόμισε στο Παρίσι όπου πέρασε πολλές ώρες εξετάζοντας τα έργα στο Λούβρο. Στη συνέχεια, μεταξύ 1953 και 1954, έζησε στη Φλωρεντία, όπου σπούδασε νωπογραφία στην Accademia San Marco και άντλησε έμπνευση από τα έργα δασκάλων της Πρώιμης Αναγέννησης , όπως ο Πάολο Ουτσέλο και Piero della Francesca.
Το 1955 ο Μποτέρο επέστρεψε στην Κολομβία. Παντρεύτηκε την Γκλόρια Ζέα (μελλοντική διευθύντρια του Κολομβιανού Ινστιτούτου Πολιτισμού) πριν το ζευγάρι μετακομίσει στην Πόλη του Μεξικού το 1956. Ήταν στο Μεξικό που ο Μποτέρο είχε τη «στιγμή του εύρηκα» με τον πίνακα του Νεκρή φύση με το Μαντολίνο (1956). Όπως εξήγησε η γκαλερί Custot του Ντουμπάι στην καταχώρισή της στον κατάλογο Botero, ο πίνακας σηματοδότησε “μια σημαντική καμπή στην καριέρα [του Botero]. Με την αλλαγή του μεγέθους της κεντρικής τρύπας του οργάνου, οι αναλογίες του μαντολίνου άλλαξαν επίσης, δίνοντας την εντύπωση ότι το το όργανο μεγάλωνε. Ο Μποτέρο ένιωθε ότι κάτι σημαντικό είχε συμβεί. Από εδώ και πέρα βρήκε το στυλ του και θα έπαιζε με τις αναλογίες και την παραμόρφωση του όγκου, όχι μόνο στην ανθρώπινη φιγούρα του αλλά και στη νεκρή φύση του». Ο ίδιος θυμάται: «Μου πήρε δεκαπέντε χρόνια για να φτιάξω ένα «μποτέρο» από την αρχή μέχρι το τέλος, αλλά επέμενα στην ίδια ιδέα και στο ίδιο σύμπαν […] είχε συνοχή και προέκυψε από μια εμμονή με το μαντολίνο “.
Το 1957, το ζευγάρι ταξίδεψε στην Ουάσιγκτον για την πρώτη του έκθεση στις ΗΠΑ, όπου, για άλλη μια φορά, κάθε κομμάτι αγοράστηκε από συλλέκτες. Το 1958 ο Μποτέρο επέστρεψε στην Κολομβία όπου ανέλαβε τη θέση του καθηγητή ζωγραφικής στην Ακαδημία Τέχνης της Μπογκοτά. Το 1960, ο Μποτέρο και η Ζέα, που είχαν ήδη τρία παιδιά (Φερνάντο, Λίνα και Χουάν Κάρλος), χώρισαν και μετακόμισε στη Νέα Υόρκη. Ο Μποτέρο παρέμεινε στη Νέα Υόρκη για πάνω από μια δεκαετία, αρχικά ζώντας στο Γκρίνουιτς Βίλατζ, μετακομίζοντας σε ένα στούντιο στο Lower East Side το 1963, πριν, αφού παντρεύτηκε τη δεύτερη σύζυγό του, Σεσίλια Ζαμπράνο, το 1964, μετακόμισε σε ένα στούντιο στην Πέμπτη Λεωφόρο. .
Ενώ βρισκόταν στη Νέα Υόρκη, ο Μποτέρο ζωγράφισε μια από τις πρώτες του κριτικές για το κολομβιανό κράτος. Η προεδρική οικογένεια La familia (1967) απεικονίζει τον Κολομβιανό πρόεδρο με τη σύζυγο, την πεθερά και την κόρη του, πλαισιωμένοι από έναν στρατηγό και έναν επίσκοπο. Οι διογκωμένες αναλογίες των μορφών του αποδίδονται με επίπεδα, έντονα χρώματα και έντονα περιγράμματα που οφείλουν στο ύφος της λατινοαμερικανικής λαϊκής τέχνης. Αν και δεν σχολίασε τον πίνακα, το έργο, το οποίο, συνθετικά, αντικατόπτριζε το επίσημο πορτραίτο της κατάστασης που εκτελέστηκε με τέτοια δεξιοτεχνία από τον Γκόγια ή τον Βελάσκεθ, έγινε ευρέως κατανοητό ως μια λεπτή σάτιρα για την κολομβιανή κρατική εξουσία και τη διαφθορά.
Ώριμη περίοδος
Το 1972 ο Μποτέρο άνοιξε ένα άλλο στούντιο, αυτή τη φορά στο Παρίσι, καθώς η προσοχή του στράφηκε όλο και περισσότερο στη γλυπτική. Ήταν το τέλειο μέσο για να επεκτείνει το ύφος και τα θέματα της ζωγραφικής του. Ο Μποτέρο και η Σεσίλια απέκτησαν έναν γιο, τον Πέδρο, το 1974, αλλά τον επόμενο χρόνο το ζευγάρι χώρισε. Το 1978, ο Μποτέρο παντρεύτηκε για τρίτη φορά την Ελληνίδα γλύπτρια και ζωγράφο Σοφία Βάρη . Ωστόσο, η τραγωδία χτύπησε το 1979 όταν ο Πέδρο σκοτώθηκε και ο Μποτέρο τραυματίστηκε σοβαρά, σε αυτοκινητιστικό δυστύχημα ενώ η οικογένεια έκανε διακοπές στην Ισπανία.
Το 1983, ο Botero ίδρυσε ένα στούντιο στην Pietrasanta της Ιταλίας για την αποκλειστική παραγωγή των γλυπτών του (καθώς η περιοχή είναι γνωστή για τα λατομεία μαρμάρου και τα χυτήρια). Λέει, “Μου αρέσει να ζω στην Pietrasanta. Αυτή η πόλη έχει γίνει μια υπέροχη οικογένεια, ένα μέρος όπου όλοι με γνωρίζουν και όπου μπορώ να μοιραστώ μια ανεπίσημη λέξη και ένα ποτήρι κρασί. Μου άρεσε να ζωγραφίζω στο μικρό παρεκκλήσι της Misercordia. Έδωσα δύο νωπογραφίες ως ένδειξη της αγάπης μου για αυτή τη γη […] Πάω στην παραλία με αυτοκίνητο ή ποδήλατο. Έχω πολλά σπίτια σε όλο τον κόσμο, αλλά συναισθηματικά μιλώντας, αυτό είναι το αγαπημένο μου κατάλυμα».
Από την παραμονή του στην Πόλη του Μεξικού (στα μέσα της δεκαετίας του 1950) ο πίνακας του Μποτέρο αντανακλούσε συχνά την επιρροή των Μεξικανών τοιχογράφων Ντιέγκο Ριβέρα και Ντέιβιντ Αλφάρο Σικέιρος. Όπως και εκείνοι, άρχισε να χρησιμοποιεί ισχυρούς χρωματικούς συνδυασμούς και συνειδητοποίησε ότι είχε την ευθύνη να εξερευνήσει θέματα και θέματα σχετικά με τον πολιτισμό, την κληρονομιά και την ταυτότητα της Κολομβίας και της Λατινικής Αμερικής. Είχε, φυσικά, ήδη δημιουργήσει αρκετούς πίνακες με αυτό το θέμα (κυρίως τους πίνακές του για ταυρομαχίες), αλλά μέχρι το 1980 έστρεφε την προσοχή του πιο συντονισμένα στη δημοφιλή πολιτιστική ταυτότητα της Κολομβίας με σκηνές κολομβιανών νυχτερινών μαγαζιών και μουσικών και χορευτών της Λατινικής Αμερικής.
Η συγγραφέας τεχνών Έλενα Μαρτινίκ λέει ότι με έργα όπως το Χορεύοντας στην Κολομβία, «μπορεί κανείς να φανταστεί τη μεθυστική συμβολή της δυνατής μουσικής και των οσμών ιδρώτα, καπνού, ποτού και φθηνής κολόνιας που γεμίζουν τον χώρο». Ενώ ορισμένοι μελετητές και κριτικοί είχαν την τάση να διαβάζουν το έργο ως «κοινωνικό σχόλιο», που παραπέμπει σε παράνομες εκδηλώσεις σε νυχτερινά κέντρα (όπως η πορνεία), ο ιστορικός τέχνης Kacper Grass διαβάζει την ίδια εικόνα με την αποκάλυψη της «προέλευσης της εργατικής τάξης», Cumbia, ένα παραδοσιακό κολομβιανό στυλ χορού και μουσικής που συνδυάζει ιθαγενείς, μαύρες και ισπανικές επιρροές. Από την πλευρά του, ο Μποτέρο δήλωσε μόνο ότι «η μουσική, η λογοτεχνία και η ζωγραφική -όλες αυτές οι οάσεις τελειότητας που συνθέτουν την τέχνη- αντισταθμίζουν την αγένεια και τον υλισμό της ζωής».
Ύστερη περίοδος
Μετακινούμενος από τα τέλη της δεκαετίας του 1980 στη δεκαετία του 1990, ο Μποτέρο άρχισε να ασχολείται όλο και περισσότερο με το γλυπτό του, με περίφημες υπαίθριες εκθέσεις των τεράστιων χάλκινων ζωικών και ανθρώπινων μορφών του. Παρήγαγε πολλά γλυπτά “Great Cat” που εμφανίστηκαν σε πόλεις σε όλο τον κόσμο (συμπεριλαμβανομένης της Βαρκελώνης, της Νέας Υόρκης και του Ερεβάν). Επιβεβαίωσαν τη γοητεία του με το αιλουροειδές πλάσμα που είχε ήδη εμφανιστεί σε πολλούς από τους πίνακές του, συμπεριλαμβανομένων πολλών πορτρέτων γυναικών (ίσως ως σύμβολο της θηλυκότητας ή/και της οικιακής σχέσης).
Το 1994, ο Μποτέρο έπεσε θύμα μιας αποτυχημένης απόπειρας απαγωγής στη Μπογκοτά. Τον Ιούνιο του επόμενου έτους, αυτή τη φορά στο Μεντεγίν, μια τρομοκρατική ομάδα πυροδότησε 22 κιλά δυναμίτη κάτω από το γλυπτό του Pájaro (Πουλί), το οποίο είχε δωρίσει στην πόλη (εκτός από 23 γλυπτά σε ένα κοντινό πάρκο). Η έκρηξη, που σημειώθηκε κατά τη διάρκεια ενός μουσικού φεστιβάλ, σκότωσε τριάντα άτομα και τραυμάτισε άλλους διακόσιους. Η αριστερή αντάρτικη ομάδα FARC (Επαναστατική Ένοπλη Δύναμη της Κολομβίας) ανέλαβε την ευθύνη για την έκρηξη, ισχυριζόμενη ότι ήταν εκδίκηση εναντίον του γιου του Μποτέρο, Φερνάντο Μποτέρο Ζέα, ο οποίος ήταν τότε υπουργός Άμυνας της Κολομβίας και είχε αρνηθεί να ξεκινήσει πολιτικές διαπραγματεύσεις με την ομάδα. Σε ειρηνική απάντηση στην οργή, ο Botero δημιούργησε ένα νέο άγαλμα χρησιμοποιώντας τα απομεινάρια του Pajaro. Το ονόμασε La Paloma de la Paz (Το Περιστέρι της Ειρήνης) και το δώρισε πίσω στην πόλη. (Ο Μποτέρο συγκινήθηκε βαθιά από την έκρηξη και το 2000 δώρισε ένα πανομοιότυπο (άθικτο) χάλκινο πουλί που τώρα κάθεται δίπλα στο ανακατασκευασμένο. Τα ονόματα των θυμάτων της έκρηξης είναι χαραγμένα στη βάση του.)
Κατά τη δεκαετία του 1990 ο Μποτέρο άρχισε να επικεντρώνεται περισσότερο σε κοινωνικά και πολιτικά ζητήματα, παράγοντας σειρά έργων που πραγματεύονταν ρητά τη βία των ναρκωτικών (συμπεριλαμβανομένων των απαγωγών, των σφαγών και των βομβιστικών επιθέσεων) στην Κολομβία. Είπε για τη βία ναρκωτικών στην Κολομβία: «Είναι διαφορετικά από αυτά που έκανα στο παρελθόν, την πιο ευγενική Κολομβία που ήξερα ως αγόρι. Αυτή είναι μια Κολομβία που είναι πιο βίαιη, πιο αληθινή. Αυτό είναι το γεγονός που δεν μπορούμε να αγνοήσουμε”. Σύντομα θα έστρεφε την προσοχή του σε ένα άλλο πολιτικό ζήτημα, χρησιμοποιώντας αυτή τη φορά την τέχνη του για να εμπλέξει τις Ηνωμένες Πολιτείες σε παραβιάσεις των ανθρωπίνων δικαιωμάτων. Η αποκαλούμενη σειρά του “Αμπού Γκράιμπ” ανέδειξε τα υποτιθέμενα βασανιστήρια κρατουμένων στη φυλακή Abu Ghraib, δυτικά της Βαγδάτης. Πήρε συνέντευξη από τον κριτικό τέχνης Kenneth Baker για τη σειρά. “Η τέχνη είναι σημαντική”, είπε ο Μποτέρο, “επειδή όταν οι άνθρωποι αρχίζουν να ξεχνούν, η τέχνη τους θυμίζει τι συνέβη. Οι άνθρωποι δεν θα θυμόντουσαν την τραγωδία της Γκουέρνικα σήμερα αν δεν ήταν αυτός ο πίνακας [το όψιμο κυβιστικό έργο του Πικάσο Guernica (1937)] “. Ο Μποτέρο περιέγραψε τη “σειρά” του στην πραγματικότητα ως μια περίοδο δυόμισι ετών «παρένθεσης» που, όπως περιέγραψε ο Μπέικερ, «[υπενθύμισε] τις συνθήκες του Πικάσο, της μεγάλης αντιπολεμικής του δήλωσης — ένα ενδιάμεσο μεταξύ πορτρέτα της τότε ερωμένης του, Ντόρα Μάαρ».
Το 2006 ο Μποτέρο επέστρεψε σε πιο καλοήθη θέματα στην τέχνη του. Ενώ βρισκόταν για διακοπές στο Μεξικό, επισκέφτηκε ένα περιοδεύον τσίρκο που του έδωσε την έμπνευση για μια νέα σειρά. Πράγματι, το στυλ Boterismo αποδείχθηκε ότι ταιριάζει απόλυτα στο χρώμα και το ανθρώπινο δράμα του τσίρκου με τον Botero να δημιουργεί περισσότερες από 120 ελαιογραφίες και 200 σχέδια με θέμα το περιοδεύον τσίρκο. Ο Μποτέρο, εργαζόταν μεταξύ Κολομβίας, Γαλλίας, Αμερικής και Ιταλίας και συνέχιζε να εκθέτει σε όλο τον κόσμο: «Μου αρέσει να μετακινούμαι από το ένα μέρος στο άλλο, να κάνω μια νομαδική ζωή, που ταιριάζει τόσο σε εμένα όσο και στη γυναίκα μου» λέει. .
Η κληρονομιά που άφησε ο Fernando Botero
Η φήμη του Fernando Botero Botero βασίζεται στο μοναδικό και συνεπές στυλ του “Boterismo”, το οποίο είναι άμεσα αναγνωρίσιμο και διεθνώς αναγνωρισμένο. Όπως λέει ο επιμελητής Christian Padilla, “Ο Fernando Botero έχει γίνει ένα εμπορικό σήμα – μια ξεχωριστή προσωπικότητα που μπορεί εύκολα να συνδεθεί με την Κολομβία”. Συχνά παρεξηγημένος ως απλώς «χοντρός», οι φιγούρες του στην πραγματικότητα ενσαρκώνουν έναν αισθησιακό και χιουμοριστικό όγκο που μπορεί να χρησιμεύσει και ως κοινωνική κριτική. Όπως γράφει ο κριτικός τέχνης Rudy Chiappini: “Η διαστολή των θεμάτων [του Μποτέρο] τους δίνει αφηρημένες, εξωπραγματικές και γκροτέσκες διαστάσεις που είναι μελέτες ομορφιάς και τρόμου. Ο Μποτέρο διαποτίζει τις μνημειώδεις φιγούρες του με έναν υπερβολικό αισθησιασμό που αποκαλύπτει μια λαιμαργία ανθρώπινης αλήθειας. από τα βασανιστήρια στην απληστία, την ευχαρίστηση στην απόγνωση, τον παραλογισμό, την απάθεια και άλλα».
Ο Μποτέρο αναφερόταν στον εαυτό του ως «ο πιο Κολομβιανός καλλιτέχνης που ζει». Τόλμησε, παρά τις σοβαρές απειλές για την προσωπική του ασφάλεια, να αποκαλύψει τις καλές και τις κακές πτυχές της ιστορίας και του πολιτισμού της Κολομβίας στην τέχνη του. Πράγματι, με τους συμπατριώτες του Débora Arango και Pedro Alcántara, ο Botero βοήθησε στην ανάπτυξη του Neo-Figuration στην Κολομβία. είναι μια ευχάριστη παραστατική τέχνη που τολμά επίσης να σατιρίσει και να αμφισβητήσει την πολιτική κρατική διαφθορά και καταπίεση. Όπως συνόψισε η συγγραφέας τεχνών Έλενα Κουέ, «Το όμορφο και το βίαιο συνδυάζονται μαζί στη Βοτεριανή εικόνα που μας φέρνει πιο κοντά στην ψυχή της Κολομβίας μέσα από μια νοσταλγική ανάμνηση».
1. La Fornarina από το έργο του Ραφαήλ
Φερνάντο Μποτέρο, La Fornarina, 2009, ιδιωτική συλλογή.
Το πρώτο από τα αριστουργήματα του Fernando Botero που θα ήθελα να παρουσιάσω είναι το La Fornarina. Εμπνευσμένο από ένα από τα πιο διάσημα γυναικεία πορτρέτα της Ιταλικής Αναγέννησης του Ραφαήλ. Πιστεύεται ότι η εικονιζόμενη γυναίκα ήταν η ερωμένη του.
Ραφαήλ,Fornarina, 1518-1520, Galleria Nazionale d’Arte Antica, Ρώμη, Ιταλία.
2. La Menina από το έργο του Velasquez
Φερνάντο Μποτέρο, La Menina, 1982, ιδιωτική συλλογή.
Το La Menina είναι ένα πορτρέτο της Infanta Margaret Theresa της Ισπανίας. Αυτό είναι εμπνευσμένο από το Las Meninas του Ντιέγκο Βελάσκεθ, ένα από τα πιο μυστηριώδη ομαδικά πορτρέτα στην ιστορία της τέχνης.
Ντιέγκο Βελάσκεθ, Las Meninas, 1656, Museo del Prado, Μαδρίτη, Ισπανία.
3. Το πορτρέτο του Arnolfini από το έργο του Van Eyck
Φερνάντο Μποτέρο,Το πορτρέτο του Αρνολφίνι, 1997, ιδιωτική συλλογή. Christie’s.
Στη συνέχεια στη λίστα μας με τα αριστουργήματα του Fernando Botero, έχουμε το Πορτρέτο Αρνολφίνι. Η διακόσμηση του δωματίου είναι ελαφρώς λιγότερο λεπτομερής από την αρχική έκδοση, ωστόσο, περιέχει όλα τα σημαντικά συμβολικά στοιχεία: τον καθρέφτη, τον σκύλο, τα παπούτσια και τα πορτοκάλια.
Yan Van Eyck, Giovanni Arnolfini and His Wife (το πορτρέτο του Arnolfini), 1434, The National Gallery, Λονδίνο, UK.
4. Mademoiselle Caroline Rivière από το έργο του Ingres
Φερνάντο Μποτέρο,Μις Καρολάιν Ριβιέρ, 1979, ιδιωτική συλλογή.
Στην έκδοση του Botero της Δεσποινίς Καρολάιν Ριβιέρ,μπορούμε να εστιάσουμε πλήρως στην εικονιζόμενη γυναίκα, καθώς δεν υπάρχει τοπίο στο βάθος. Είναι τόσο chic με το άσπρο φόρεμα και τα γάντια της! Σίγουρα μια έμπνευση μόδας.
Jean Auguste Dominique Ingres,Δεσποινίς Καρολάιν Ριβιέρ, 1806, Λούβρο, Παρίσι, Γαλλία.
5. Federico da Montefeltro και Battista Sforza από το έργο του Piero della Francesca
Φερνάντο Μποτέρο,Federico da Montefeltro (αριστερά), Μπατίστα Σφόρτσα(δεξιά), 1998, ιδιωτική συλλογή.
Αυτό είναι ένα διπλό αριστούργημα. Εμπνευσμένο από ένα δίπτυχο του Ιταλού δασκάλου Piero della Francesca, αλλά έχετε παρατηρήσει κάτι διαφορετικό; Ο Μποτέρο αποφάσισε να τοποθετήσει τον Μπατίστα Σφόρτσα στη δεξιά πλευρά και τον Φεντερίκο ντα Μοντεφέλτρο στην αριστερή πλευρά του δίπτυχου, σε αντίθεση με τη Φραντσέσκα. Αναρωτιέμαι τι ενέπνευσε αυτή τη στροφή.
Piero della Francesca,Δίπτυχο των Federico da Montefeltro και Battista Sforza, 1465, Γκαλερί Ουφίτσι, Φλωρεντία, Ιταλία.
7. Honeysuckle Bower από το έργο του Peter Paul Rubens
Φερνάντο Μποτέρο,Αγιόκλημα Bower, 1965, ιδιωτική συλλογή.
Ο Ρούμπενς ήταν ένας από τους πιο επιτυχημένους καλλιτέχνες της εποχής του. Το εργαστήριό του προσέλαβε πολλούς καλλιτέχνες καθώς τα έργα τέχνης είχαν μεγάλη ζήτηση, όλοι ήθελαν να έχουν ένα Rubens στο σπίτι. Σε αυτό το πορτρέτο, απεικονίζεται με την πρώτη του σύζυγο Isabella Brant, η οποία δυστυχώς πέθανε σε ηλικία 34 ετών αφού προσβλήθηκε από την πανώλη. Σε αυτό το πορτρέτο, το ζευγάρι κάθεται στο αγιόκλημα, ένα παραδοσιακό σύμβολο της αγάπης.
Peter Paul Rubens,Αγιόκλημα Bower, γ. 1609, Alte Pinakothek, Μόναχο, Γερμανία.
8. Η Μόνα Λίζα από το έργο του Λεονάρντο ντα Βίντσι
Φερνάντο Μποτέρο,Μόνα Λίζα, 1978, Μουσείο Μποτέρο, Μπογκοτά, Κολομβία.
Τελευταία στη λίστα μας, αλλά σίγουρα όχι λιγότερο σημαντική, είναι η Μόνα Λίζα. Η δική του εκδοχή του πιο διάσημου πορτρέτου στον κόσμο.
Λεονάρντο ντα Βίντσι, Μόνα Λίζα, 1503, Λούβρο, Παρίσι, Γαλλία.
