Στις 23 Σεπτεμβρίου του 1899 γεννήθηκε η Αμερικανίδα καλλιτέχνιδα του 20ου αιώνα μετέτρεψε τα καθημερινά υλικά σε πρωτοποριακά γλυπτά και το έργο της επηρέασε τη φεμινιστική τέχνη.

Η Louise Nevelson αναδύθηκε στον κόσμο της τέχνης εν μέσω της κυριαρχίας του κινήματος του αφηρημένου εξπρεσιονισμού. Στα πιο εμβληματικά έργα της, χρησιμοποίησε ξύλινα αντικείμενα που συγκέντρωσε από σωρούς αστικών συντριμμιών για να δημιουργήσει τις μνημειώδεις εγκαταστάσεις της – μια διαδικασία σαφώς επηρεασμένη από το προηγούμενο του Marcel Duchamp. Η Nevelson τακτοποίησε προσεκτικά τα αντικείμενα προκειμένου να ιστορικοποιήσει τα συντρίμμια μέσα στο νέο, αφηγηματικό πλαίσιο των τοιχογραφιών της. Οι ιστορίες που ενσωματώθηκαν στα έργα της προέκυψαν από τις σωρευτικές εμπειρίες της – ως Εβραιοπούλα που μετεγκαταστάθηκε στην Αμερική από τη Ρωσία, ως καλλιτέχνης που εκπαιδεύτηκε στη Νέα Υόρκη και τη Γερμανία και ως μια σκληρά εργαζόμενη, επιτυχημένη γυναίκα. Τα καινοτόμα γλυπτά της περιβάλλοντα και η επιτυχία της στην ανδροκρατούμενη σφαίρα του συστήματος γκαλερί της Νέας Υόρκης ενέπνευσαν πολλούς νεότερους καλλιτέχνες, κυρίως αυτούς που ασχολούνται με την τέχνη της εγκατάστασης και τα φεμινιστικά κινήματα τέχνης.

Το 1899, η Αμερικανίδα καλλιτέχνης Louise Nevelson γεννήθηκε από τη Lea Berliafksi Leah Berliawsky από μια εβραϊκή οικογένεια στο Κυβερνείο της Πολτάβα της Ρωσικής Αυτοκρατορίας, που βρίσκεται στη σημερινή Ουκρανία. Όταν ήταν μικρό παιδί, η οικογένεια της Nevelson μετανάστευσε στις Ηνωμένες Πολιτείες, όπου εκτέθηκε για πρώτη φορά στην εκρηκτική μοντέρνα τέχνη της Νέας Υόρκης. Όταν ήταν στο γυμνάσιο, η Nevelson έγινε αποφασισμένη να ακολουθήσει μια καριέρα ως καλλιτέχνης στη Νέα Υόρκη – εν μέρει για να ξεφύγει από τις οικονομικές δυσκολίες και τις θρησκευτικές διακρίσεις που βίωσε η οικογένειά της ως μετανάστες στην κοινότητά της στα προάστια.

Aπό τη Ρωσία στη Νέα Υόρκη

Πορτρέτο της Louise Nevelson στο στούντιο της στη Νέα Υόρκη από τον Jack Mitchell, 1983

Ως νεαρή ενήλικη, η Louise Nevelson γνώρισε και παντρεύτηκε τον Charles Nevelson, ο οποίος καταγόταν από μια πλούσια αμερικανική οικογένεια. Στη δεκαετία του 1920, το ζευγάρι μετακόμισε στη Νέα Υόρκη, όπου η Νέβελσον γέννησε έναν γιο και, παρά την αποδοκιμασία των πεθερικών της, ακολούθησε μαθήματα στο σχέδιο, τη ζωγραφική, το τραγούδι, το χορό και άλλες μορφές τέχνης. Μέσα σε λίγα χρόνια, η Νέβελσον είχε χωρίσει από τον σύζυγό της και ξεκίνησε μαθήματα τέχνης στο Art Students League της Νέας Υόρκης, όπου εξερεύνησε την εννοιολογική τέχνη και τη χρήση αντικειμένων που βρέθηκαν στη συναρμολόγηση, γεγονός που την οδήγησε να επικεντρωθεί στη γλυπτική.

Dawn`s Wedding Feast, Στήλη VI της Louise Nevelson, 1959, μέσω του Sotheby`s

Το 1931, η Nevelson πούλησε ένα διαμαντένιο βραχιόλι από τον πρώην πλέον σύζυγό της για να χρηματοδοτήσει ένα ταξίδι στο Μόναχο για να σπουδάσει με τον Γερμανοαμερικανό καλλιτέχνη Hans Hoffmann, ο οποίος δίδαξε πολλούς ανερχόμενους αφηρημένους εξπρεσιονιστές καλλιτέχνες. Μετά την επιστροφή της στη Νέα Υόρκη, συνέχισε να πειραματίζεται με γύψο, πηλό και τερακότα στα πρώιμα γλυπτά της. Για να τα βγάλει πέρα ​​ως ανύπαντρη μητέρα στη Νέα Υόρκη, δίδαξε μαθήματα τέχνης σε μια Λέσχη Αγοριών και Κοριτσιών στο Μπρούκλιν ως μέρος της Διοίκησης Έργων Προόδου του Προέδρου Roosevelt. Εργάστηκε επίσης ως βοηθός του Diego Rivera στις τοιχογραφίες του Rockefeller Center.

Σύντομα, η Louise Nevelson θα κέρδιζε την αναγνώριση ως σοβαρή καλλιτέχνιδα, θα κέρδιζε βραβεία κύρους, θα πραγματοποιούσε την πρώτη της ατομική έκθεση και θα διεύρυνε δραματικά το εύρος της δουλειάς της – από τα υλικά που χρησιμοποίησε μέχρι το μέγεθος και την τοποθεσία των γλυπτών της, μέχρι τα ιδρύματα που αναγνώρισαν και παρουσίασε τη δουλειά της.

Τα υλικά της Nevelson

Ένα αμερικανικό αφιέρωμα στον βρετανικό λαό από τη Λουίζ Νέβελσον, γ. 1965, μέσω της συλλογής Tate, Λονδίνο

Η Louise Nevelson είναι περισσότερο γνωστή για τα ξυλόγλυπτά της που είναι δυναμικά, γεωμετρικά και αφηρημένα. Καθώς περπατούσε στη Νέα Υόρκη, μάζευε πεταμένα ξύλινα αντικείμενα και κομμάτια – μια διαδικασία επηρεασμένη από τον Marcel Duchamp.Κάθε αντικείμενο ήταν συνήθως μικρό και μη περιγραφικό, αλλά όταν συναρμολογήθηκε μαζί έγινε υποβλητικό και μνημειώδες.

Ξύλινα κιβώτια, το καθένα γεμάτα με προσεκτικά συγκροτημένα συγκροτήματα μικρότερων αντικειμένων, στοιβάζονταν μεταξύ τους και βάφονταν μονόχρωμα. Ένα ολοκληρωμένο κομμάτι, που μοιάζει με τρισδιάστατο παζλ, μπορεί να στέκεται μόνο του, να τοποθετηθεί σε έναν τοίχο, να τοποθετηθεί σε ένα πάτωμα μουσείου ή να εκτεθεί σε συνδυασμό τοποθετήσεων για να παρακινήσει τους θεατές να συνειδητοποιήσουν την εμβάθυνσή τους στο έργο τέχνης και να αμφισβητήσουν τα αντίληψη του χώρου και να την κάνει τρισδιάστατη.

Black Wall by Louise Nevelson, 1959, via Tate Collection, Λονδίνο

Η Louise Nevelson ενδιαφέρθηκε ιδιαίτερα για τον οπτικό και συναισθηματικό αντίκτυπο της κάλυψης των ξύλινων γλυπτών της με μαύρη μπογιά. «Όταν ερωτεύτηκα το μαύρο, περιείχε όλο το χρώμα. Δεν ήταν άρνηση χρώματος. Ήταν μια αποδοχή… Μπορείς να είσαι ήσυχος και περιέχει το όλο θέμα» είπε.

Atmosphere and Environment X by Louise Nevelson, 1969-70, μέσω του Μουσείου Τέχνης του Πανεπιστημίου Πρίνστον, Νιου Τζέρσεϊ

Αργότερα στην καριέρα της, η Nevelson προσελκύθηκε από βιομηχανικά υλικά – συμπεριλαμβανομένου του χάλυβα Cor-Ten, του αλουμινίου και του πλεξιγκλάς – που της επέτρεψαν να δημιουργήσει μεγαλύτερα και πιο περίπλοκα γλυπτά. Αυτά τα υλικά επέτρεψαν επίσης στα γλυπτά της να εκτίθενται σε εξωτερικούς χώρους. Η Νέβελσον ήταν στα εβδομήντα της όταν της ανέθεσαν να δημιουργήσει το πρώτο της γλυπτό σε εξωτερικούς χώρους στο Πανεπιστήμιο του Πρίνστον. Ο Αμερικανός καλλιτέχνης περιέγραψε την εμπειρία της δημιουργίας ενός υπαίθριου γλυπτού ως ένα είδος αφύπνισης: «Είχα περάσει μέσα από τα ξύλινα περιβλήματα… και βγήκα στο ύπαιθρο».

Louise Nevelson and the Abstract Expressionist Movement

Royal Tide II by Louise Nevelson, 1961-63, via Whitney Museum of American Art, Νέα Υόρκη

O αφηρημένος εξπρεσιονισμός βρισκόταν σε πλήρη εξέλιξη όταν η Λουίζ Νέβελσον έφτασε στη μεταπολεμική Νέα Υόρκη. Αυτό το νέο κίνημα τοποθέτησε τις Ηνωμένες Πολιτείες ως το κέντρο του κόσμου της τέχνης απορρίπτοντας την παραδοσιακή, αναπαραστατική τέχνη υπέρ μιας αυτοσχεδιαστικής και μη αντιπροσωπευτικής προσέγγισης της τέχνης που επικεντρωνόταν στη μετάδοση μιας συναισθηματικής εμπειρίας και όχι μιας συγκεκριμένης αφήγησης, συχνά σε σωματικά μεγάλη κλίμακα. Όπως και άλλοι Αμερικανοί καλλιτέχνες του κινήματος, η Nevelson άρχισε να ενδιαφέρεται για τη δημιουργία μνημειωδών συγκινητικών έργων που πειραματίζονται με το σχήμα, τη γραμμή, το χρώμα και την κλίμακα.

Ο αφηρημένος εξπρεσιονισμός ήταν ένα ανδροκρατούμενο κίνημα —όπως και το δίκτυο γκαλερί, μουσείων και άλλων ευκαιριών για καλλιτέχνες της Νέας Υόρκης—αλλά αυτό δεν εμπόδισε τη Louise Nevelson να επιβεβαιωθεί ως σοβαρή καλλιτέχνις μέσα σε αυτούς τους περιοριστικούς χώρους και να γίνει πρωτοπόρος της τέχνης εγκατάστασης και της φεμινιστικής τέχνης κατά τη διάρκεια της καριέρας της.

H επιρροή της Nevelson

Sky Landscape από τη Louise Nevelson, 1988, μέσω της DC Metro Theatre Arts

H τέχνη εγκατάστασης εμφανίστηκε ως νόμιμη μορφή τέχνης στη δεκαετία του 1960 και παραμένει μια από τις πιο δημοφιλείς μορφές σύγχρονης τέχνης σήμερα. Οι καλλιτέχνες δημιουργούν τέχνη εγκατάστασης για να γεμίσουν έναν ολόκληρο χώρο, χρησιμοποιώντας το φως, τον ήχο και την αλληλεπίδραση του κοινού ως μέρος του τελευταίου κομματιού. Η Louise Nevelson ήταν από τους πρωτοπόρους καλλιτέχνες – και από τις πρώτες γυναίκες καλλιτέχνες – που συμμετείχαν σε αυτό το νέο είδος. Η φεμινιστική τέχνη αναπτύχθηκε τη δεκαετία του 1970 όταν γυναίκες καλλιτέχνες και ιστορικοί επέστησαν την προσοχή στον αποκλεισμό των γυναικών στις συλλογές μουσείων και στα σχολικά βιβλία ιστορίας της τέχνης. Η φεμινιστική θεωρία της τέχνης άρχισε να αναπτύσσεται και οι καλλιτέχνες που ταυτίστηκαν με τη στιγμή άρχισαν να χρησιμοποιούν την τέχνη για να ασχοληθούν και να εκφράσουν τη βιωμένη εμπειρία και την καταπίεση των γυναικών στην κοινωνία.

Dawn`s Presence – Two Columns by LouiseNevelson, 1969-75, Blanton Museum of Art, Austin

Κατά τη διάρκεια της καριέρας της, η Louise Nevelson έκανε σημαντικά κύματα στη σφαίρα της φεμινιστικής τέχνης και της τέχνης εγκατάστασης. Πριν από τη Nevelson, οι γυναίκες καλλιτέχνες θεωρούνταν συχνά ανίκανες να δημιουργήσουν έργα τέχνης μεγάλης κλίμακας αντάξια ενός μεγάλου αποτυπώματος σε δημόσιο χώρο του μουσείου. Αλλά η Νέβελσον επέμεινε ότι τα γλυπτά της ήταν ζωτικής σημασίας – και ότι οι δημιουργικές προσπάθειες και οι ιστορίες ζωής των γυναικών καλλιτεχνών άξιζαν τους ίδιους τύπους αναπαράστασης που έλαβαν οι άντρες συνάδελφοί τους. Κατά τη διάρκεια της καριέρας της, τα γλυπτά της Nevelson μεγάλωσαν σε εύρος και μέγεθος, εμπνέοντας νεότερες γενιές καλλιτεχνών να επιβληθούν στους φυσικούς και εικονιστικούς χώρους στον κόσμο της τέχνης που είχε αποκλείσει τους μη λευκούς, μη άντρες καλλιτέχνες για πάρα πολύ καιρό.

Η αφηρημένη τέχνη

To παρεκκλήσι του Καλού Ποιμένα της Louise Nevelson, 1977

Όπως πολλοί από τους συγχρόνους της, η Louise Nevelson ενδιαφέρθηκε επίσης να εξερευνήσει την πνευματική φύση της αφηρημένης τέχνης. Ήλπιζε ότι τα μνημειώδη γλυπτά της θα μπορούσαν να διευκολύνουν την υπέρβαση σε αυτό που αποκαλούσε «τα ενδιάμεσα μέρη». Ένα τέτοιο έργο, και ίσως το πιο φιλόδοξο, ήταν το Παρεκκλήσι του Καλού Ποιμένα —ένα μικροσκοπικό παρεκκλήσι διαλογισμού κρυμμένο στο κέντρο του Μανχάταν. Γνωστό και ως το παρεκκλήσι Nevelson, αυτός ο μη θρησκευτικός χώρος είναι ένα εντελώς καθηλωτικό γλυπτικό περιβάλλον, με κάθε στοιχείο που δημιουργείται και επιμελείται ο καλλιτέχνης. Το αποτέλεσμα είναι ένα ήρεμο, διαλογιστικό περιβάλλον παγκόσμιου πνευματικού καταφυγίου μέσα στο χάος της Νέας Υόρκης.

Το παρεκκλήσι του καλού ποιμένα, Louise Nevelson, 1977

Το παρεκκλήσι Nevelson περιλαμβάνει εννέα μεγάλα, αφηρημένα γλυπτά, βαμμένα λευκά και τοποθετημένα σε λευκούς τοίχους, δίνοντας έμφαση στην κίνηση της σκιάς και του φωτός από το μοναχικό παράθυρο του παρεκκλησιού. Οι τόνοι σε φύλλα χρυσού σε όλο το παρεκκλήσι φέρνουν μια αίσθηση ζεστασιάς στα γεωμετρικά, δροσερά λευκά σχήματα. Το παρεκκλήσι Nevelson δεν ενσωματώνει καμία φανερά θρησκευτική εικονογραφία ή ακόμη και οποιαδήποτε αναπαραστατική τέχνη. Αντίθετα, η Louise Nevelson εμπότισε τη δική της αίσθηση καλλιτεχνίας και πνευματικότητας σε όλο το χώρο, βασιζόμενη στην εβραϊκή πίστη της οικογένειάς της καθώς και στις χριστιανικές παραδόσεις για να δημιουργήσει έναν μοναδικό χώρο που προορίζεται να διευκολύνει μια ποικιλία θεολογικών και πνευματικών εμπειριών. Η ίδια η καλλιτέχνης περιέγραψε το παρεκκλήσι ως όαση.

Sky Cathedral της Louise Nevelson, 1958

Η Louise Nevelson μνημονεύεται ως μια από τις πιο σημαντικές και εντυπωσιακές Αμερικανίδες καλλιτέχνες του 20ου αιώνα. Από γλυπτά συναρμολόγησης από ξύλο τοποθετημένα σε τοίχους μουσείων έως μνημειώδεις μεταλλικές εγκαταστάσεις στις αυλές, ο Nevelson συνέβαλε σε μια συλλογική επανεξέταση του τρόπου με τον οποίο οι θεατές μπορούν να βιώσουν τους χώρους τέχνης και έκθεσης. Η Αμερικανίδα καλλιτέχνις αξιοποίησε επίσης την επιτυχία της ως καλλιτέχνιδα για να απωθήσει τις ξεπερασμένες συμβάσεις του κόσμου της τέχνης, συμπεριλαμβανομένου του σεξισμού. Η δουλειά της εκτίθεται σε μουσεία σε όλο τον κόσμο και φυλάσσεται σε αξιόλογες ιδιωτικές και εταιρικές συλλογές.

Σήμερα, ένα γλυπτό της Louise Nevelson μπορεί να είναι εξίσου προβληματικό και διεγερτικό όπως ήταν όταν πρωτοεκτέθηκε πριν από αρκετές δεκαετίες – μια απόδειξη της διαρκούς κληρονομιάς και της καινοτόμου συνεισφοράς του καλλιτέχνη στη διαρκώς εξελισσόμενη ιστορία της σύγχρονης τέχνης.