Ένα από τα πιο ευρέως αναγνωρισμένα και αγαπημένα έργα του 20ού αιώνα, το οποίο κέρδισε 90,3 εκατομμύρια δολάρια στις 15 Νοεμβρίου του 2018 για να γίνει το πιο ακριβό έργο τέχνης ενός εν ζωή καλλιτέχνη που πωλήθηκε σε δημοπρασία.
O David Hockney είναι ένας από τους διασημότερους Άγγλους ζωγράφους, σχεδιαστές, χαράκτες, φωτογράφους και σκηνογράφους, τα έργα του οποίου χαρακτηρίζονταν από οικονομία τεχνικής, ενασχόληση με το φως και ειλικρινή κοσμικό ρεαλισμό που προέρχεται από Pop art και φωτογραφία.
Ήταν το 1950 και 1960, όταν Hockney και πολλοί καλλιτέχνες πειραματίζονται με την αφαιρετική τέχνη. Aφηρημένοι εξπρεσιονιστές καλλιτέχνες, για παράδειγμα, όπως ο Jackson Pollock, έφτιαχναν πίνακες ζωγραφικής χρησιμοποιώντας μόνο χρώματα και σημάδια χειρονομίας. Αν και ο Hockney εξερεύνησε την αφαίρεση στο κολέγιο τέχνης – απλοποιώντας και αφαιρώντας ανθρώπους και χρησιμοποιώντας εκφραστικά σημάδια – πάντα ενδιαφερόταν να εκπροσωπεί τους τόπους και τους ανθρώπους γύρω του.
Οι αντιπαραθέσεις και οι εκπλήξεις που σχετίζονται με τις τιμές των έργων τέχνης είναι πολλές. Κυρίως όταν επιτυγχάνονται εντυπωσιακές τιμές για μικρούς πίνακες ή έργα τέχνης που μπορεί να φαίνονται συνηθισμένα με την πρώτη ματιά.
Μια αντιπροσωπευτική περίπτωση είναι ο πίνακας του David Hockney, “Πορτραίτο ενός καλλιτέχνη” (Πισίνα με δύο φιγούρες).
Πρόκειται για ένα από τα πιο ευρέως αναγνωρισμένα και αγαπημένα έργα του 20ού αιώνα, το οποίο κέρδισε 90,3 εκατομμύρια δολάρια στις 15 Νοεμβρίου του 2018 για να γίνει το πιο ακριβό έργο τέχνης ενός εν ζωή καλλιτέχνη που πωλήθηκε σε δημοπρασία.
Μία από τις πιο εμβληματικές εικόνες στο έργο του καλλιτέχνη είναι μια ιστορία δύο συνθέσεων. Η πρώτη, που ξεκίνησε το 1971, ήταν εμπνευσμένη από την παράξενη αντιπαράθεση δύο φωτογραφιών στο πάτωμα του studio του καλλιτέχνη. “Η μία έδειχνε μια φιγούρα να κολυμπά κάτω από την επιφάνεια του νερού και συνεπώς φαινόταν κάπως διαστρεβλωμένη…η άλλη απεικόνιζε ένα αγόρι που κοιτούσε κάτι στο έδαφος”, θυμόταν αργότερα ο Ηοckney. “Η ιδέα της ζωγραφικής δύο μορφών σε διαφορετικά στυλ ήταν τόσο ελκυστική που άρχισα να ζωγραφίζω αμέσως”.
Το αρχικό έργο καταστράφηκε τελικά από τον καλλιτέχνη μετά από μήνες δουλειάς και επεξεργασίας – όπως τεκμηριώθηκε στην ταινία του Jack Hazan A Bigger Splash – αλλά τον Απρίλιο του 1972 ο Hockney αποφάσισε να επιστρέψει λόγω μιας προγραμματισμένης έκθεσης στην γκαλερί Andre Emmerich της Νέας Υόρκης, η οποία επρόκειτο να ανοίξει μόλις τέσσερις εβδομάδες αργότερα.
Ωστόσο, η ιστορία πίσω από το έργο, καθιστά αυτό το έργο έναν από τους πιο γοητευτικούς πίνακες του Ηοckney. Πώς ξεκίνησε;
‘Oπως τόσα πολλά σπουδαία πράγματα, ενελώς τυχαία. Αφού είδε δύο διαφορετικές φωτογραφίες να επικαλύπτονται άδοξα στο πάτωμα του studio του, Hockney ένιωσε την πρόκληση να ζωγραφίσει. Πέρασαν μήνες κι εκείνος συνέχισε να τροποποιεί και να επεξεργάζεται ξανά τον πίνακα μέχρι που τελικά τον κατέστρεψε.
Μόνο ενόψει της έκθεσής του στην γκαλερί André Emmerich της Νέας Υόρκης το 1972, ο Hockney αποφάσισε να επανεξετάσει την ιδέα με ένα ταξίδι στην πισίνα του Tony Richardson στο Le Nid du Duc, Saint-Tropez. Εκεί, ο βοηθός του Mo McDermott και ο φίλος του τράβηξαν εκατοντάδες φωτογραφίες στην ειδυλλιακή βίλα, δημιουργώντας ξανά την ίδια σύνθεση που είχε ματαιώσει τις δημιουργικές προσπάθειες του καλλιτέχνη μήνες πριν. Πίσω στο studio του Λονδίνου, δούλεψε αδιάκοπα πάνω στον πίνακα για δύο εβδομάδες, αντικαθιστώντας τη φιγούρα δίπλα στην πισίνα με εικόνες του πρώην αγαπημένου του, Αμερικανού καλλιτέχνη Peter Schleisinger, ο οποίος φορούσε το ίδιο ροζ σακάκι όπως στην αρχική σύνθεση να στέκεται στους κήπους του Kensington.
Μετά την ολοκλήρωση του πίνακα, ο Hockney παρατήρησε ότι, “όσο περισσότερο δουλεύετε σε έναν πίνακα τόσο περισσότερο σιχαίνεστε να τον εγκαταλείψετε, γιατί πιστεύετε ότι το να πετάξετε έξι μήνες είναι τρομερό. Πάλεψα συνέχεια και τσακώθηκα “μαζί του” … Μετά από περίπου τέσσερις μήνες, κατάλαβα τι ήταν λάθος: ήταν η γωνία της πισίνας που μου δημιουργούσε όλα τα προβλήματα. Δεν μπορούσα να αλλάξω το τμήμα του νερού και ήταν αδύνατο να το προσαρμόσω, έτσι αποφάσισα να ξαναβάψω την εικόνα εντελώς”.
Προπαρασκευαστική φωτογραφία για το Πορτρέτο ενός καλλιτέχνη (Πισίνα με δύο φιγούρες)
Οπλισμένος με την κάμερα Pentax, ο Hockney ταξίδεψε σε μια βίλα έξω από το Saint-Tropez, όπου ανέβασε εκατοντάδες φωτογραφίες μετά την αρχική του σύνθεση χρησιμοποιώντας βοηθό και φίλο σε ειδυλλιακό περιβάλλον πισίνας.
Επιστρέφοντας στο στούντιο του Λονδίνου, ο Hockney συνέθεσε φωτογραφίες δίπλα στην πισίνα, μαζί με μια επιλογή από φωτογραφίες του πρώην αγαπημένου του, Peter Schlesinger που φορούσε το ίδιο ροζ μπουφάν στους κήπους Kensington, απέναντι από τον τοίχο του στούντιο. Eργάστηκε σκληρά – 18 ώρες την ημέρα για δύο εβδομάδες- τελειώνοντας τον πίνακα το βράδυ πριν έρθουν οι φορτωτές για να τον μεταφέρουν στη Νέα Υόρκη. “Πρέπει να ομολογήσω ότι μου άρεσε να δουλεύω πάνω σε αυτήν την εικόνα”, θυμόταν εκείνο το δεκαπενθήμερο, “δουλεύοντας με τέτοια ένταση. Ήταν υπέροχο να το κάνω, πραγματικά συγκινητικό”.
Το εμβληματικό μοτίβο της πισίνας του Hockney έφτασε επίσης τυχαία. “Ήρθα στο Λος Άντζελες για δύο λόγους”, είπε το 2009. “Ο πρώτος ήταν μια φωτογραφία του Julius Shulman του Case Study House #21, και η άλλη ήταν το AMG Physique Pictorial”. Το εν λόγω σπίτι είναι ένα ρευστό, μοντερνιστικό κτίριο γυαλιού και χάλυβα του μέσου αιώνα που βρίσκεται στους Χόλιγουντ Χιλς, ενώ το Physique Pictorial ήταν μια ανδρική δημοσίευση γυμναστικής γνωστή για ομοερωτική φωτογραφία.
Κατά την τελευταία προσέγγιση του Λος Άντζελες, ο Hochkney εντυπωσιάστηκε από αυτό που είδε. “Κοίταξα κάτω για να δω μπλε πισίνες παντού και κατάλαβα ότι μια πισίνα στην Αγγλία θα ήταν πολυτέλεια, ενώ εδώ δεν είναι”. Χωρίς να το καταλάβει, είχε ανακαλύψει τη μεγαλύτερη θεματολογία του και οι λίμνες του Λος Άντζελες θα γίνονταν το σκηνικό για πολλά από τα σημαντικότερα έργα του τη δεκαετία του 1960 και του `70.
Οι ιδιωτικές πισίνες της πίσω αυλής της πόλης του παρείχαν ένα χώρο στον οποίο ήταν ελεύθερος να εξερευνήσει την ανδρική φιγούρα-με πραγματικούς και εικονογραφικούς όρους. Ωστόσο, η ζωγραφική αυτών των πισινών προβλημάτισε αρχικά τον Hockney.
“Είναι ένα ενδιαφέρον τυπικό πρόβλημα. Είναι τυπικό πρόβλημα να αναπαριστάς το νερό, να περιγράφεις το νερό, γιατί μπορεί να είναι οτιδήποτε. Μπορεί να έχει οποιοδήποτε χρώμα και δεν έχει καθορισμένη οπτική περιγραφή”, είπε ο Hockney. “(Οι πίνακες της πισίνας) αφορούσαν την επιφάνεια του νερού, το πολύ λεπτό φιλμ, τη λαμπερή δισδιάστατη”.
Τα πρώτα έργα του Hockney στην Καλιφόρνια από το 1964 απεικονίζουν το νερό ως μελανιές πιτσιλιές μπλε και γκρι, πριν μετατοπιστούν σε πιο χαρακτηριστικά μπλε σπασμένα από μπερδεμένες γραμμές. Ο Peter Getting Out of Nick`s Pool και ο Sunbather, και οι δύο από το 1966, χρησιμοποιούν λευκούς, κίτρινους, ροζ και μοβ χρωματισμούς για να προτείνουν την κίνηση του νερού με τρόπο που μοιάζει με Pop, ενώ το έργο του 1967 A Bigger Splash έρχεται σε αντίθεση με ένα επίπεδο πεδίο μπλε σε λευκά σπρέι χρώματος για να υποδείξει έναν πρόσφατα βυθισμένο δύτη.
Ο Hockney πειραματίστηκε επίσης με την απεικόνιση του νερού σε διάφορα μέσα, όπως ακρυλικά, ακουαρέλες, κραγιόνια και λιθογραφίες, καθώς και την μετέπειτα τεχνική του να πιέζει βαμμένο, υγρό πολτό χαρτιού σε φύλλα χαρτιού.
Χρησιμοποίησε μικρές βούρτσες για να αναπαράγει επιμελώς τη βουτιά από τη φωτογραφία. Τα σχήματα που δημιουργούνται από τον αναβρασμένο καταρράκτη του νερού, τις διαφορετικές περιοχές διαφάνειας και τις λεπτομέρειες και τα ίχνη των μικροσκοπικών σταγόνων. Χρειάστηκαν δύο εβδομάδες για να φανεί ο παφλασμός σωστά.
Στη δεκαετία του 1970 και του `80, ο Hockney έφτασε στο σημείο να ζωγραφίσει το πάτωμα της δικής του πισίνας με μια τοιχογραφία -το ίδιο είδος ροζ και μπλε μοτίβα κυματοειδούς απόστροφης- για τα οποία είχε γίνει γνωστό.
Ως αποκορύφωμα των πιο εμβληματικών μοτίβων του Hockney, το “Πορτραίτο ενός καλλιτέχνη” έχει γίνει μια από τις πιο διάσημες και αναγνωρίσιμες εικόνες του. Εκτός από το θέμα της ταινίας του Hassan, εμφανίστηκε σε πολλά αναδρομικά και το 2017 ήταν η εικόνα εξωφύλλου για τον κατάλογο που συνόδευε την αναδρομική της Tate Britain, David Hockney). Η παράσταση προσέλκυσε σχεδόν μισό εκατομμύριο άτομα, και έγινε η πιο επισκέψιμη έκθεση της Tate που έγινε ποτέ.
