Ο Γάλλος μετα-ιμπρεσσιονιστής, εκτός από τους φρέσκους, “ζωντανούς” καμβάδες του που έσπασαν την καλλιτεχνική παράδοση, δημιούργησε τον πιο ακριβό πίνακα που πωλήθηκε ποτέ σε δημοπρασία. Ο Cezanne γεννήθηκε στις 19 Ιανουαρίου του 1839.

“Ένα έργο τέχνης που δεν ξεκίνησε με το συναίσθημα δεν είναι τέχνη. “

Θεωρείται ο “πατέρας της μοντέρνας τέχνης”. Οι φρέσκοι, ζωντανοί καμβάδες του μετα-ιμπρεσιονιστή Paul Cezanne έσπασαν την καλλιτεχνική παράδοση και άνοιξαν το δρόμο για την πρωτοπορία του 20ου αιώνα.

Γεννημένος στο Aix-en-Provence της Νότιας Γαλλίας το 1839, ο Cezanne ήταν γοητευμένος με την ύπαιθρο όπου μεγάλωσε. Ο τυραννικός πατέρας του καλλιτέχνη ήλπιζε ότι ο γιος του θα ακολουθούσε τα βήματά του στον τραπεζικό τομέα, αλλά ο νεαρός Cezanne είχε καλλιτεχνικές φιλοδοξίες.

Μια έντονη παιδική φιλία με τον αξιόλογο συγγραφέα Emile Zola, προώθησε τη φιλοδοξία του να ακολουθήσει τις τέχνες, μαζί με μια σειρά μαθημάτων τέχνης στο Aix. Χωρίς να το επιθυμεί, η οικογένεια του Cezanne χρηματοδότησε ένα ταξίδι στο Παρίσι, όπου ο Cezanne ήλπιζε να σπουδάσει ζωγραφική.

Η επιρροή του Παρισιού

«Η ζωγραφική από τη φύση δεν είναι αντιγραφή του αντικειμένου, είναι να συνειδητοποιείς τις αισθήσεις σου».

Μετά από αρκετές αποτυχημένες προσπάθειες να εισέλθει στην Ecole des Beaux-Arts στο Παρίσι, ο Cezanne επέλεξε να μάθει να ζωγραφίζει μόνος του, αντιγράφοντας πίνακες στο Λούβρο των Tiziano, Peter Paul Rubens, Michelangelo , Caravaggio και Delacroix.

Όπως και οι παλιοί δάσκαλοι, εξερεύνησε μυθολογικές ιστορίες, όπως φαίνεται στον μακάβριο πίνακα, The Murder, 1867-70. Ταυτόχρονα, ο Cezanne γοητεύτηκε από την προοδευτική πλευρά του παριζιάνικου καλλιτεχνικού κόσμου, λαμβάνοντας επιρροές από τον Gustav Courbet και τον Edouard Manet.

The Murder, 1867-70

Cezanne και Pissarro, Rue de l`Hermitage 54 at Pontoise, 1873

Ενώ παρακολουθούσε μαθήματα ζωγραφικής στην Academie Suisse στο Παρίσι, ο Cezanne γνώρισε για πρώτη φορά και έγινε φίλος με τους Camille Pissarro, Claude Monet και Auguste Renoir. Συνέχισε να ιδρύει το κίνημα των ιμπρεσιονιστών στα χρόνια που ακολούθησαν. Κάτω από την επιρροή τους, ο Cezanne έλκεται ολοένα και περισσότερο από τη ζωγραφική στην ύπαιθρο, με θέματα της πραγματικής ζωής.

Ο Pisaro και ο Cezanne δημιούργησαν μια στενή φιλία και ως πρεσβύτερος του Cezanne , ο Pisaro έγινε μέντορας και οδηγός του, δίνοντας στον νεαρό μαθητή του την αυτοπεποίθηση να εξελιχθεί μόνος του με ιμπρεσιονιστικό στυλ.

Κατά τη διάρκεια τακτικών επισκέψεων στη Νότια Γαλλία τη δεκαετία του 1870 και του 1880, ο Cezanne μπόρεσε να ανταποκριθεί διαισθητικά στα ζωηρά χρωματισμένα τοπία γύρω του, αναπτύσσοντας την παλέτα του από αμμώδεις αποχρώσεις με βαθύ πράσινο και ζωηρά μπλε. Ακόμη και σε αυτό το στάδιο της καριέρας του, το έργο του Cezanne είχε ήδη μια αίσθηση δομής και βάρους που τον ξεχώριζε από τους ιμπρεσιονιστές συνομηλίκους του.

O Cezanne απέκτησε έναν γιο με την ερωμένη του Hortense Fiquet το 1872 και τελικά παντρεύτηκαν το 1886, ενώ εκείνη ήταν τακτικό μοντέλο των πορτρέτων του. Ο Cezanne συνέχισε επίσης να ζωγραφίζει στο πλευρό των ιμπρεσιονιστών, παίρνοντας μέρος σε πολλές από τις ομαδικές τους εκθέσεις, αν και η σκληρή κριτική που δέχτηκαν έπληξε την αυτοπεποίθησή του.

Άρχισε να περνάει όλο και περισσότερο χρόνο στη γενέτειρά του στο Aix, ιδιαίτερα όταν κληρονόμησε το οικογενειακό του σπίτι μετά τον θάνατο του πατέρα του το 1886. Μετά την αποχώρησή του από την ιμπρεσιονιστική ομάδα, το έργο του Cezanne επικεντρώθηκεε περισσότερο στην απεικόνιση του ογκομετρικού χώρου και στη νεκρή φύση.

Τα πορτρέτα ήταν επίσης ιδιαίτερα γοητευτικά, με  γεωμετρικές, απλοποιημένες φιγούρες να “διαλύονται” στο περιβάλλον τους, όπως φαίνεται στο The Card Players, 1894-5. Το έργο αυτό ήταν ένα από τα πολλά στα οποία ο Cezanne αποτύπωσε την ειλικρινή απλότητα της αγροτικής ζωής, μια συνεχή πηγή γοητείας.

H επιτυχία ήρθε στον Cezanne αργότερα στη ζωή του, με την πρώτη του έκθεση το 1894, σε ηλικία 56 ετών. Τα επόμενα χρόνια, έμποροι, συλλέκτες και νεότεροι καλλιτέχνες άρχισαν να εκτιμούν τη ριζοσπαστική φύση της σιωπηλής παλέτας του  που απελευθέρωσε τη ζωγραφική από την απεικόνιση της πραγματικότητας και την οδήγησε στα βασίλεια της υποκειμενικότητας.

Μέχρι τη δεκαετία του 1900, ο Cezanne είχε γίνει μια σεβαστή και σημαντική καλλιτεχνική προσωπικότητα. Προς το τέλος της καριέρας του, επικεντρώθηκε κυρίως σε δύο βασικά θέματα. το Montagne Sainte-Victoire στην Προβηγκία και η συλλογική μελέτη των γυμνών σε ένα τοπίο, το οποίο ονόμασε The Large Bathers, 1906.

Κατά τη διάρκεια ενός ταξιδιού για τη ζωγραφική στη γενέτειρά του Aix, ο Cezanne έπεσε σε μια καταιγίδα και προσβλήθηκε από πνευμονία, πεθαίνοντας λίγες μέρες αργότερα το 1906.

Nature Morte de Peches et Poires, 1885-7

Μέχρι το 1907, έναν χρόνο μετά το θάνατό του, μια μεγάλη αναδρομική έκθεση στο Παρίσι εξέθεσε το πλήρες εύρος της τέχνης του Cezanne σε μια νέα γενιά. Η επιρροή του έγινε αισθητή σε κινήματα avant-garde, συμπεριλαμβανομένου του κυβισμού, του φουτουρισμού και του εξπρεσιονισμού και μάλιστα οδήγησε στον αφηρημένο εξπρεσιονισμό τη δεκαετία του 1950.

“Σπασμένο” Πινέλο

Στην αρχή της καριέρας του, ο Cezanne χρησιμοποιούσε μαχαίρια παλέτας για να δημιουργεί πίνακες ζωγραφικής με έντονη υφή. Ωστόσο, αφού δούλεψε μαζί με τους ιμπρεσιονιστές, υιοθέτησε νέες μεθόδους εφαρμογής βαφής.

«Pyramid of Skulls», γ. 1901 (Φωτογραφία: Wikimedia Commons [Δημόσιος Τομέας]

Όπως και οι ιμπρεσιονιστές, υιοθέτησε μια τεχνική «σπασμένου πινέλου». Σε αντίθεση με τις γρήγορες πινελιές που μοιάζουν με σκίτσο και είναι χαρακτηριστικές του ιμπρεσιονισμού, ο καλλιτέχνης χρησιμοποίησε «εποικοδομητικές πινελιές» — σχολαστικά τακτοποιημένα σημάδια.  Καθώς ο Cezanne απέφευγε τη χρήση σκοτεινών γραμμών, βασίστηκε σε αυτό το αντιθετικό πινέλο για να «προσδιορίσει τα περιγράμματα των αντικειμένων όταν τα σημεία επαφής τους είναι αδύναμα και ευαίσθητα».

Λαμπρό Χρώμα

Εκτός από τις ζωγραφικές πινελιές, οι πίνακες του Cezanne χαρακτηρίζονται και από μια αναγνωρίσιμη χρωματική παλέτα.

Αυτή η τονική αντιμετώπιση είναι ιδιαίτερα έντονη στα τοπία του, όπως η λαμπερή θέα του στο Mont Sainte-Victoire. Σε αυτήν την ηλιόλουστη σειρά, ο καλλιτέχνης μειώνει τα βουνά, τα δέντρα και τα μεσογειακά σπίτια της επαρχίας της Προβηγκίας σε κατακερματισμένα αλλά αρμονικά κομμάτια χρώματος. Αυτά τα πολυχρωματικά επίπεδα προσθέτουν μια αίσθηση βάθους σε κάθε πανοραμική απεικόνιση και προβάλλουν την πρωτοποριακή προσέγγιση του Cezanne στην αναπαράσταση της φύσης. «Ήμουν ευχαριστημένος με τον εαυτό μου όταν ανακάλυψα ότι το ηλιακό φως δεν μπορούσε να αναπαραχθεί», εξήγησε, σύμφωνα με τον Renoir. Η ζωή και το έργο του. «Έπρεπε να αντιπροσωπεύεται από κάτι άλλο…με χρώμα».

«Mont Saite-Victoire», γ. 1887 (Φωτογραφία: μέσω Wikimedia Commons [Δημόσιος Τομέας])

Στους πίνακές του, ο Cezanne συχνά απέρριπτε ρεαλιστικές απεικονίσεις του χώρου υπέρ πιο δημιουργικών συνθέσεων. Αυτό είναι ιδιαίτερα εμφανές στις παραστάσεις του από νεκρές φύσεις, οι οποίες συχνά παρουσιάζουν φρούτα, μπουκάλια και άλλα καθημερινά αντικείμενα ισορροπημένα σε κεκλιμένες επιτραπέζιες επιφάνειες.

«The Basket of Apples», 1890-1894 (Φωτογραφία: Ινστιτούτο Τέχνης του Σικάγο

Σε αυτούς τους πίνακες, ο Cezanne έπαιζε με προοπτικές και ισοπεδωμένες επιφάνειες για να δείξει την ίδια διάταξη από πολλές γωνίες ταυτόχρονα. Αυτό το πέτυχε δίνοντας έμφαση σε κάθε μεμονωμένο αντικείμενο παρά στη σκηνή στο σύνολό της, με αποκορύφωμα τις εντυπωσιακές, παράξενες συνθέσεις. Αυτή η αρχή της παραμόρφωσης αργότερα θα έπαιζε σημαντικό ρόλο στον κυβισμό.

«Νεκρή φύση με κανάτα γάλακτος και φρούτα», γ. 1900 (Φωτογραφία: National Gallery of Art, Washington DC 

L`Estaque, 1883-5

Magnum opus

To magnum opus του Cezanne, το οποίο θεωρείται επίσης ευρέως ως ένα από τα αριστουργήματα όλης της σύγχρονης τέχνης, ονομάζεται “The Bathers”. Αυτή η μεγάλη ελαιογραφία η οποία εκτείνεται σε περίπου 7 x 8 πόδια και απεικονίζει μια ομάδα γυμνών γυναικών να χαλαρώνουν δίπλα σε μια λίμνη. Ο καλλιτέχνης ζωγράφισε πολλές εκδοχές του θέματος σε όλη τη διάρκεια της καριέρας του και πέρασε επτά χρόνια δουλεύοντας στην πιο διάσημη παράσταση, η οποία έμεινε ημιτελής τη στιγμή του θανάτου του, το 1906.

«The Bathers», 1898-1905

Αυτός ο μεγάλος πίνακας θυμίζει στο περιεχόμενό του τα έργα κλασικών δασκάλων όπως ο Tiziano και ο Rubens. Όπως και αυτοί, ο Cezanne απαθανάτισε μια ατμόσφαιρα ρομαντικής αναψυχής. Ωστόσο, για να μείνει πιστός στη δική του καλλιτεχνική άποψη, ο μετα-ιμπρεσιονιστής αφαίρεσε τις φιγούρες και το φόντο σε δυνατά, γεωμετρικά σχήματα.

The Large Bathers, 1898-1905 από τον Paul Cezanne

Εκτός από το μεγαλύτερο έργο του σε διαστάσεις, είναι επίσης το πιο επίσημο σε όψη κι έχει αναφερθεί συχνά ως παράδειγμα το ιδεώδες της σύνθεσης του μετά την πάροδο του κατά τον δέκατο ένατο αιώνα.

Είναι εξαιρετική η έντονη συμμετρία και η προσαρμογή των γυμνών μορφών στο τριγωνικό σχέδιο των δέντρων και του ποταμού. Υπάρχει εδώ, μια αναζήτηση για περιοριστικές φόρμες, μια υπερβολικά καθορισμένη σειρά που έχει να κάνει με το άγχος του Cezanne για τις γυναίκες. Όσο όμορφη κι αν είναι, η σύνθεση δεν είναι η τυπική αναγεννησιακή πυραμίδα, γιατί οι μεγαλύτερες φιγούρες και η μεγαλύτερη πυκνότητα βρίσκονται σε μικρότερες πυραμίδες στα πλάγια. Tο κεντρικό τμήμα- το οποίο συνήθως γεμίζει ένα κυρίαρχο αντικείμενο- είναι κενό ή άτονο και η κορυφή παρεμποδίζεται από το πλαίσιο. Το τρίγωνο εδώ είναι μια μορφή περιορισμού, με άλλη έκφραση από το παλαιότερο επίσημο σχέδιο.

Ο φορμαλισμός αυτής της εικόνας είναι το αποκορύφωμα μιας δια βίου ανησυχίας για το πρόβλημα. Για τριάντα χρόνια, σε πίνακες γυναικών λουομένων, τακτοποιούσε τα γυμνά σε ένα τρίγωνο, κλεισμένα από κεκλιμένα δέντρα, ενώ τα ανδρικά γυμνά ήταν ομαδοποιημένα ανοιχτά στα πλάγια και ίσα.

Ίσως αυτές οι δύο αντιλήψεις προέρχονται από διαφορετικά συναισθήματα για τα θέματα. Τα ανδρικά γυμνά πηγαίνουν πίσω σε ένα σημαντικό μέρος της παιδικής ηλικίας του Cezanne, το οποίο συχνά έφερνε στη μνήμη του. Τις μαγεμένες μέρες που περνούσε με τον Ζόλα και άλλους φίλους στην όχθη του ποταμού, κολυμπώντας, παίζοντας, μιλώντας και απαγγέλλοντας στίχους στους οποίους οι γυναίκες ήταν τα αντικείμενα ρομαντικής φαντασίας. Η ομαδοποίηση των γυναικείων γυμνών, των οποίων οι στάσεις αναπαράγουν τις πόζες των μοντέλων που είχε σχεδιάσει στη σχολή τέχνης ή των αγαλμάτων στο Λούβρο, υποδηλώνει έναν έντονο περιορισμό που είναι μοναδικός στην τέχνη του. Αυτό φάνηκε και στη δεκαετία του 1860 στο τρίγωνο των γυμνών στον Πειρασμό του Αγίου Αντωνίου.

Ανάμεσα σε αυτό το θρυλικό θέμα υπάρχουν κάποιες «ρεαλιστικές» φαντασιώσεις με γυμνές γυναίκες και ντυμένους άντρες, συμπεριλαμβανομένων δύο λουόμενων με έναν ψαρά στην άλλη όχθη του ρέματος. Απελευθερώνοντας τον εαυτό του από την ταραγμένη φαντασία του, ο Cezanne μετέφερε τα πρώιμα ερωτικά θέματα σε λιγότερο ενοχλητικά «κλασικά» αντικείμενα- γυμνά των οποίων οι στημένες στάσεις και η μη ερωτική επιφάνεια, βγαλμένες από τον παγωμένο κόσμο της σχολής τέχνης και του μουσείου, τα κάνουν να φαίνονται καθαρά όργανα της τέχνης του.

Χρησιμοποιώντας την ίδια τεχνική που χρησιμοποιείται στη ζωγραφική τοπίων και νεκρών φύσεων, το Large Bathers θυμίζει τα έργα του Tiziano και του Peter Paul Rubens. Συχνά γίνονται συγκρίσεις και με την άλλη διάσημη ομάδα γυμνών γυναικών της ίδιας περιόδου, τις Les Demoiselle d’Avignon του Picasso.

Les Demoiselles d’Avignon – Picasso

Το 1922 ο Henry Moore εντυπωσιάστηκε πάρα πολύ με τον εν λόγω πίνακα και είπε ότι η στιγμή που είδε αυτό το έργο ήταν μια από τις πιο σημαντικές στη ζωή του.

O ακριβότερος πίνακας

The Card Players, 1894-5 

“Οι χαρτοπαίκτες” είναι ένας από τους διασημότερους πίνακες του Γάλλου Μεταϊμπρεσιονιστή καλλιτέχνη τον οποίο ζωγράφισε κατά την τελευταία του περίοδο, στις αρχές της δεκαετίας του 1890. Ο Cezanne δημιούργησε μια ποικιλία μεγεθών και εκδόσεων του πίνακα, όπως παρουσιάζεται στον αριθμό των παικτών που υπάρχουν στο έργο τέχνης. Επιπλέον, ολοκλήρωσε αρκετά σκίτσα ενώ ετοιμαζόταν για τη σειρά των χαρτοπαικτών η οποία αποτελείται από πέντε πίνακες. Το 2011 η βασιλική οικογένεια του Κατάρ αγόρασε μία από τις εκδοχές των Χαρτοπαικτών από την ιδιωτική συλλογή του Γιώργου Εμπειρίκου έναντι ποσού που εκτιμάται για περισσότερα από $250.000.000 και πλέον ο πίνακας αποτελεί ένα από τα πιο ακριβά αγορασμένο έργο στην ιστορία της τέχνης. Ως εκ τούτου, θεωρήθηκε ως ένα από τα πιο ακριβά έργο τέχνης που πουλήθηκαν ποτέ.

Η σειρά αυτού του εντυπωσιακού έργου τέχνης λέγεται ότι ήταν η καλύτερη μεταξύ των έργων του Cezanne κατά τη δεκαετία του 1890 και χρησίμευσε επίσης ως το επίκεντρο στα τελευταία χρόνια του καλλιτέχνη. Κάθε πίνακάς του απεικονίζει τυπικούς Προβηγκιανούς αγρότες που βυθίζονταν στις καθημερινές τους δραστηριότητες καθώς κάπνιζαν τις πίπες τους και έπαιζαν χαρτιά.

Τα θέματα του πίνακα είναι όλα με άνδρες που φαίνονται να είναι επικεντρωμένοι στο παιχνίδι τους.

Ο καλλιτέχνης διασκεύασε ένα θέμα από τα είδη ολλανδικής και γαλλικής ζωγραφικής του 17ου αιώνα, το οποίο παρουσίαζε παιχνίδια με χαρτιά που έπαιζαν μεθυσμένοι και ασταθείς παίκτες σε ταβέρνες. Ωστόσο, ο Cezanne αντικατέστησε αυτές τις φιγούρες με σοβαρούς εμπόρους σε ένα μάλλον απλοποιημένο περιβάλλον. Ενώ οι περισσότεροι πίνακες εκείνης της εποχής ήταν αρκετά συναισθηματικοί, τα έργα τέχνης του Cezanne ήταν γνωστά για την έλλειψη συναισθημάτων, τον συμβατικό χαρακτηρισμό και την αφήγηση. Επιπλέον, δεν υπάρχουν σημάδια δράματος ή συναισθημάτων, που ήταν εξέχουσες εικόνες ζωγραφικής του 17ου αιώνα.

“Οι χαρτοπαίκτες’ του Cezanne δεν ήταν απλώς ένα πορτρέτο δύο ανδρών που εστίαζαν στο παιχνίδι τους. Στην πραγματικότητα, αυτό το υπέροχο έργο τέχνης ήταν περισσότερο μια εξερεύνηση και ανακάλυψη της πιθανής απόχρωσης του χρώματος και του όγκου. Το αστραφτερό λευκό highlight στον πίνακα φαίνεται να χωρίζει τη σύνθεση σε δύο τμήματα, και αυτό εφιστά την προσοχή στις σκοτεινές και φωτεινές τονικότητες των ανδρικών φορεμάτων. Με αυτές τις εντυπωσιακές λεπτομέρειες και χαρακτηριστικά, “Οι χαρτοπαίκτες” ήταν γνωστό ως ένα από τα πιο λαμπρά έργα τέχνης όλων των εποχών.