Η ζωγράφος Bridget Riley είναι διάσημη για τα σαγηνευτικά έργα της που εξερευνούν τον κόσμο των οπτικών ψευδαισθήσεων και της οπτικής εμπειρίας.

Γράφει η Μανταλένα-Μαρία Διαμαντή

Οι περίπλοκες, κομψές γεωμετρικές αφαιρέσεις της Bridget Riley βοήθησαν στην πρωτοπορία του Op Art τη δεκαετία του 1960. Η Βρετανίδα ζωγράφος παρέταξε πολύχρωμα σχήματα στους καμβάδες της με τρόπο που προκαλούσε την εμφάνιση κραδασμών ή κίνησης. Tέτοια οπτικά εφέ έδωσαν το όνομά της στην Op Art. Αν και η Riley δημιούργησε μερικούς ασπρόμαυρους καμβάδες νωρίς στην καριέρα της, είναι περισσότερο γνωστή για τις συνθέσεις που έχουν χαρούμενες αποχρώσεις. 

Η τέχνη της χαρακτηρίζεται από γεωμετρικές μορφές, υψηλή αντίθεση, ιλιγγιώδεις οπτικές ψευδαισθήσεις, ασπρόμαυρα σχήματα και ζωηρά χρώματα. Παρά το γεγονός ότι οι πίνακές της θεωρούνται ευρέως αφηρημένοι, η ίδια η καλλιτέχνιδα τονίζει τον ρόλο της ως ζωγράφου και όχι ως αφηρημένης καλλιτέχνιδας. Από την παιδική της ηλικία και μετά, η Riley πέρασε πολύ χρόνο κοιτάζοντας τον κόσμο και τη φύση γύρω της. Τα έργα τέχνης της αντιπροσωπεύουν την εστίασή της στην οπτική εμπειρία. Ακόμη και σήμερα εξακολουθεί να δημιουργεί τέχνη που ενθαρρύνει τον θεατή να αλληλεπιδράσει μαζί της.

Η Op Art και το έργο της Bridget Riley 

«Blaze» της Bridget Riley, 1964 

Ο όρος Op art είναι συντομογραφία της οπτικής τέχνης. Πρόκειται για ένα  κίνημα που έγινε δημοφιλές στη δεκαετία του 1960 μέσω των έργων καλλιτεχνών όπως ο Victor Vasarely, η Bridget Riley και ο Richard Anuszkiewicz. Οι καλλιτέχνες του κινήματος χρησιμοποίησαν γεωμετρικές φόρμες για να δημιουργήσουν οπτικές ψευδαισθήσεις στα αφηρημένα έργα τέχνης τους. Οι πίνακες που σχετίζονται με την Op art είναι επίσης γνωστοί για τη θεματοποίηση της αντίληψης και για το πώς το χρώμα επηρεάζει τον θεατή. Με τον χειρισμό των γραμμών, των χρωμάτων και των σχημάτων του πίνακα, οι καλλιτέχνες δημιουργούν ψευδαισθήσεις, ασάφεια ή την αίσθηση της κίνησης και του τρεμουλιάσματος στους πίνακές τους. Το έργο της Bridget Riley «Blaze» είναι ένα παράδειγμα των οπτικών ψευδαισθήσεων που δημιουργούνται στην Op art.  

Φωτογραφία της Bridget Riley από την Ida Kahr, 1963

Η Bridget Riley γεννήθηκε το 1931 στο Norwood του Λονδίνου. Σπούδασε τέχνη στο Goldsmiths College και στο Royal College of Art. Από το 1957 έως το 1958, εργάστηκε ως δασκάλα τέχνης στο Χάροου. Αργότερα δίδαξε επίσης στο Loughborough School of Art, στο Hornsey School of Art και στο Croydon School of Art.

Στην αρχή της καριέρας της, η Riley δημιούργησε παραστατικούς πίνακες σε ημι-ιμπρεσιονιστικό στυλ. Γύρω στο 1958, μεταπήδησε στον πουαντιγισμό. Μόλις το 1960 η Bridget Riley δημιούργησε τα πρώτα της αφηρημένα έργα op-art για τα οποία είναι περισσότερο γνωστή σήμερα. Επηρεασμένη από καλλιτέχνες όπως ο Victor Vasarely, η Riley άρχισε να πειραματίζεται με γεωμετρικά σχήματα, αφηρημένες φόρμες, ασπρόμαυρες γραμμές και διαφορετικά χρώματα. Στόχος της ήταν να δημιουργήσει οπτικές ψευδαισθήσεις και κίνηση στα έργα της. Έγινε γνωστή δείχνοντας τη δουλειά της δίπλα σε καλλιτέχνες όπως ο Victor Vasarely και ο Josef Albers στη διάσημη έκθεση «The Responsive Eye» στο Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης της Νέας Υόρκης το 1965.

“Gala” της Bridget Riley, 1974

Ενώ οι οφθαλμαπάτες συνέχισαν να είναι ένα σημαντικό χαρακτηριστικό του έργου της Bridget Riley, η καλλιτέχνις άρχισε να χρησιμοποιεί περισσότερο χρώμα το 1967. Οι γεωμετρικές μορφές των έργων της αντικαταστάθηκαν μερικές φορές από καμπύλες γραμμές που δημιουργούσαν μια κυματοειδή κίνηση. Ένα παράδειγμα αυτών των πολύχρωμων και κυματιστών πινάκων με σχεδόν ιλιγγιώδες αποτέλεσμα ονομάζεται “Gala” από το έτος 1974.

Λίγα χρόνια αργότερα, η Riley επεξεργάστηκε τις εντυπώσεις της από ταξίδια σε μέρη όπως η Αίγυπτος και η Ινδία μέσω της τέχνης της. Ο πίνακας της «Achæan» του 1981 είναι εμπνευσμένος από αρχαίους τάφους και τοπία που είδε η καλλιτέχνης στην Αίγυπτο. Ένα άλλο έργο που ονομάζεται «Nataraja» από το 1993 είναι μια αναφορά στην ινδουιστική μυθολογία και στον θεό Σίβα που συχνά απεικονίζεται ως ο άρχοντας του χορού.

Εκτός από τους συνηθισμένους πίνακές της, έχει επίσης αναθέσει τη δημιουργία πολλών τοιχογραφιών, συμπεριλαμβανομένου του εσωτερικού του Royal Liverpool Hospital το 1983, μιας τοιχογραφίας για το Ίδρυμα Chinati το 2012 και μιας τοιχογραφίας που ονομάζεται «Messengers» για την Εθνική Πινακοθήκηστο Λονδίνο το 2019.

Οπτικές Εμπειρίες & ο τρόπος που βλέπουμε

«Πριν αρχίσω να ζωγραφίζω, άρχισα να κοιτάζω» Bridget Riley

“Fall” by Bridget Riley, 1963

Μια από τις πιο σημαντικές πτυχές του έργου της Riley είναι η εξέταση της αντίληψης και του τρόπου με τον οποίο βλέπουμε. Η καλλιτέχνης είναι γνωστή για την εξερεύνηση των οπτικών εμπειριών στους πίνακές της. Τα έργα της είναι εμπνευσμένα από τη δική της αντίληψη για τον κόσμο γύρω της, τη φύση και τα έργα τέχνης. Οι οπτικές ψευδαισθήσεις στους πίνακες της Bridget Riley θυμίζουν συχνά στον θεατή τον τρόπο που βλέπει, πώς το μάτι του επεξεργάζεται τα οπτικά ερεθίσματα και ότι τα πράγματα που αντιλαμβανόμαστε δεν είναι πάντα αυτό που φαίνονται.

Αντίγραφο της γέφυρας Seurat στο Courbevoie από την Bridget Riley, 1959

Η σύνδεση μεταξύ της τέχνης της Bridget Riley και της εξερεύνησης της οπτικής αντίληψης μπορεί να εξηγηθεί εν μέρει μέσω της εμπλοκής της με ιμπρεσιονιστικές και πουαντιγιστικές ιδέες και μεθόδους ζωγραφικής. Η δουλειά της επηρεάστηκε σημαντικά από τον Georges Seurat και την έμφαση που έδωσε στην οπτική εμπειρία των έργων τέχνης.

Το 1959, η Riley αντέγραψε τη Γέφυρα Seurat στο Courbevoie , η οποία ήταν απαραίτητη για την κατανόηση του χρώματος. Κοιτάζοντας τη Seurat, η Riley έμαθε πώς να χρησιμοποιεί το χρώμα για να προκαλέσει ορισμένα εφέ ή ψευδαισθήσεις στην τέχνη της. Η τεχνική pointillist βασίζεται στη ζωγραφική μικρών και διαφορετικού χρώματος κουκίδων που τοποθετούνται η μία δίπλα στην άλλη. Τα διαφορετικά χρώματα των κουκίδων που τοποθετήθηκαν πολύ κοντά το ένα στο άλλο έχουν ως αποτέλεσμα την εμφάνιση ενός ζωντανού και φωτεινού χρώματος. Αυτή η ιλουσιονιστική προσέγγιση του χρώματος και της τέχνης μπορεί επίσης να βρεθεί στο έργο της Riley.

3 απροσδόκητοι πίνακες που ενέπνευσαν το έργο

Xωρίς τίτλο από την Bridget Riley, 1964, via Tate, Λονδίνο

Παρά το γεγονός ότι η Bridget Riley είναι γνωστή για τα γεωμετρικά και επαναλαμβανόμενα σχήματά της, τις οπτικές ψευδαισθήσεις και την άκρως αφηρημένη τέχνη της, αντλεί έμπνευση από καλλιτέχνες που ζωγράφιζαν σε εντελώς διαφορετικά στυλ. 

Άρτεμις και Ακταίων του Τιτσιάνο, 1556 – 1559 

Ο πίνακας Άρτεμις και Ακταίων του Τιτσιάνο απεικονίζει έναν μύθο από τις Μεταμορφώσεις του Οβίδιου. Δείχνει τη στιγμή της ιστορίας όπου ο κυνηγός Actaeon ανακαλύπτει τη θεά Diana κατά τη διάρκεια του μπάνιου της. Έξαλλη από την εισβολή του Ακταίονα, η Άρτεμις τον μετατρέπει σε ελάφι. Αδυνατώντας να αναγνωρίσουν τον πρώην εαυτό του, τα δικά του κυνηγόσκυλα τον κυνηγούν και τον σκοτώνουν.

Η Bridget Riley, η οποία προσέχει πολύ τις οπτικές επιρροές γύρω της και ενδιαφέρεται πολύ για την εξερεύνηση του χρώματος, έγραψε: «Η θρυλική μαεστρία του Τιτσιάνο στην παλέτα του, η ανάμειξη και ο χειρισμός των κατακόκκινων, μπλε και κίτρινων ώχρων του, είναι υπεύθυνη εδώ. για αυτό που ο Ντελακρουά ονόμασε αργότερα το πρώτο πλεονέκτημα ενός πίνακα, να προετοιμάσει «μια γιορτή για το μάτι».

«Dedham Vale» του John Constable, 1828 

Γνωστός για την προβολή ρομαντικών τοπίων, ο John Constable συνέβαλε σημαντικά στο είδος της τοπογραφίας. Ο αστυφύλακας γεννήθηκε στο Σάφολκ και συχνά απεικόνιζε το περιβάλλον γύρω του. Όπως η Bridget Riley, έδινε μεγάλη προσοχή στο φυσικό του περιβάλλον του πίνακα Dedham Vale πρόσεξε ότι δείχνει ένα από τα αγαπημένα του θέματα και απεικονίζει τη θέα προς την εκκλησία Dedham που βρισκόταν κοντά στον νερόμυλο του πατέρα του. Η Riley περιέγραψε τον πίνακα ως μια αλληλεπίδραση «αντιτιθέμενων και αντικρουόμενων φυσικών δυνάμεων» και «ένα όμορφο και πολύ ιδιαίτερο περίβλημα φωτός».

«La Leçon de peinture or La Séance de peinture» του Henri Matisse, 1919

Ο τίτλος του  Henri Matisse, La Leçon de Peinture ή La Séance de Peinture μπορεί να μεταφραστεί ως «The Painting Lesson ή The Painting Session». Δείχνει μια νεαρή κοπέλα σκυμμένη πάνω από ένα βιβλίο και έναν καλλιτέχνη, πιθανώς τον ίδιο τον Ματίς, να ζωγραφίζει σε έναν καμβά. H Riley φαινομενικά δελεασμένη από τη μυστηριώδη σχέση μεταξύ των δύο θεμάτων του πίνακα, περιέγραψε τη σκηνή με σχεδόν ποιητικό τρόπο: «Ο δεσμός είναι ανεπαίσθητος, ένα μυστήριο ορατό σε όλους και το οποίο, με αυτά τα μέσα, αυξάνεται σε πυκνότητα και πυκνότητα και γίνεται αδιαπέραστο. Ο θεατής συνεχίζει να κοιτάζει, εξετάζοντας εξονυχιστικά όλη την κατάσταση – τίποτα δεν αποκαλύπτεται.» Η Bridget Riley ανέφερε ότι η τέχνη του Matisse και ο τρόπος που ζωγράφιζε πάντα τραβούσαν την προσοχή της.

Η πολιτική τέχνη της Bridget Riley

Photo of Bridget Riley δίπλα στα έργα τέχνης της, 1963

Η Bridget Riley άρχισε να αντιτίθεται στην εμπορική πτυχή του κόσμου της τέχνης και της μόδας νωρίς στην καριέρα της. Όταν η δουλειά της χρησιμοποιήθηκε ως στάμπα για είδη μόδας, την ενοχλούσε η εκμετάλλευση της Op Art της για εμπορικούς σκοπούς. Ο Keith Moon, ο ντράμερ του συγκροτήματος The Who φορούσε ένα T-Shirt με στάμπα του έργου του Riley Blaze για μια φωτογραφία μπροστά από τη σημαία της Ένωσης το 1966. Εκείνη την εποχή, δεν υπήρχε προστασία πνευματικών δικαιωμάτων για τους καλλιτέχνες στις ΗΠΑ.

Η Bridget Riley αφιερώθηκε επίσης στο πρόβλημα των μη προσιτών χώρων εργασίας για νέους καλλιτέχνες στο Λονδίνο. Μαζί με τον συνάδελφό της Peter Sedgley, η Riley ίδρυσε το SPACE, το οποίο σημαίνει Space Provision Artistic Cultural and Educational, το 1968. Όταν ο Sedgley και η Riley επισκέφτηκαν τα μεταβιομηχανικά lofts στη Νέα Υόρκη που χρησιμοποιούσαν οι καλλιτέχνες τόσο για εργασία όσο και για διαβίωση, σκέφτηκαν ότι οι κενές αποθήκες στο Λονδίνο θα μπορούσαν να χρησιμοποιηθούν με παρόμοιο τρόπο.

Movement in Square by Bridget Riley, 1961

Σε αντίθεση με την τέχνη που για πολλούς ανθρώπους αισθάνεται σαν να είναι φτιαγμένη μόνο για έναν μικρό και ελιτίστικο κύκλο, η Riley περιλαμβάνει τους θεατές στη δουλειά της και τους προσφέρει μια άμεση οπτική εμπειρία. Η τέχνη της Bridget Riley υποτίθεται ότι είναι μια κοινωνική πράξη. Ενσωματώνει τον θεατή και ολοκληρώνεται από την εμπειρία και την ερμηνεία του καθενός στο έργο. Τα έργα της χρειάζονται και τον δημιουργό και τον θεατή καθώς και την μεταξύ τους αλληλεπίδραση για να είναι τέχνη.

Η Riley είπε ότι οι νέοι βλέποντας τη δουλειά της μπορούν να δουν ότι η τέχνη της αφορά τον τρόπο που σκέφτονται. Σύμφωνα με τη Riley, αυτός είναι ο λόγος που απολαμβάνουν τη δουλειά της τόσο πολύ αφού γνωρίζουν ότι αποτελούν μέρος του έργου τέχνης. Η καλλιτέχνις πρόσθεσε ότι είναι «πολύ ενθουσιασμένη που νιώθουν ότι συμπεριλαμβάνονται. Όταν μπαίνεις σε μια έκθεση με έργα της Riley, εσύ, ως θεατής, γίνεσαι σημαντικό μέρος του ίδιου του έργου τέχνης.