Gustav Klimt | Τα κορυφαία έργα του βγαλμένα από τον ερωτισμό & τη χλιδή

Θεωρείται ένας από τους καλύτερους διακοσμητικούς ζωγράφους του 20ου αιώνα. Ο Gustav Klimt ήταν ένας Αυστριακός καλλιτέχνης γνωστός για τον συμβολισμό του και την προστασία του Art Nouveau στη Βιέννη. Θα χρησιμοποιούσε πραγματικά φύλλα χρυσού στους πίνακές του, που επικεντρώνονταν σε μεγάλο βαθμό στις γυναίκες και τη σεξουαλικότητά τους. 

 Όχι μόνο το έργο του έχει μεγάλη ιστορική σημασία, αλλά ιδιαίτερο ενδιαφέρον έχει και η ζωή του.

Ο Klimt γεννήθηκε σε οικογένεια καλλιτεχνών

Ο Klimt γεννήθηκε στην Αυστροουγγαρία σε μια πόλη που ονομάζεται Baumgarten κοντά στη Βιέννη. Ο πατέρας του, Ernst, ήταν χαράκτης χρυσού και το όνειρο της μητέρας τους, Αnna, ήταν να γίνει μουσικός. Μεγάλο καλλιτεχνικό ταλέντο έδειξαν και τα άλλα δύο αδέρφια του Κλιμτ, εκ των οποίων ο ένας έγινε χρυσογράφος όπως ο πατέρας τους.

Για ένα διάστημα, ο Klimt δούλεψε ακόμη και με τον αδερφό του σε καλλιτεχνική ιδιότητα και έκαναν πολλά μαζί όσον αφορά την προσθήκη αξίας στην καλλιτεχνική κοινότητα της Βιέννης. Είναι ενδιαφέρον ότι ο πατέρας του Klimt δούλευε με χρυσό καθώς ο χρυσός έγινε μια σημαντική πτυχή της καριέρας του Klimt. Είχε μάλιστα μια «Χρυσή Περίοδο».

Ελπίδα II, 1908 

Το σχολείο τέχνης  & η υποτροφία

Γεννημένος στη φτώχεια, η σχολή τέχνης θα φαινόταν εκτός συζήτησης για την οικογένεια Klimt. Ωστόσο ο Gustav έλαβε πλήρη υποτροφία στη Σχολή Τεχνών και Χειροτεχνίας της Βιέννης το 1876. Σπούδασε αρχιτεκτονική ζωγραφική και ήταν αρκετά ακαδημαϊκός. 

Ο αδελφός του Klimt, ο Ernst ο νεότερος, πριν γίνει χρυσογράφος, φοίτησε επίσης στο σχολείο. Οι δυο τους θα δούλευαν μαζί με έναν άλλο φίλο, τον Franz Matsch, ξεκινώντας αργότερα την Εταιρεία Καλλιτεχνών αφού έλαβαν πολλές παραγγελίες. 

Στην επαγγελματική του σταδιοδρομία ξεκίνησε να ζωγραφίζει εσωτερικές τοιχογραφίες και οροφές σε διάφορα δημόσια κτίρια σε όλη τη Βιέννη, με την πιο επιτυχημένη σειρά του εκείνης της περιόδου να είναι οι Αλληγορίες και τα Εμβλήματα. 

Ο Klimt δεν συνέθεσε ποτέ αυτοπροσωπογραφία

O Klimt ήταν τόσο εσωστρεφής και θεωρούνταν ταπεινός άνθρωπος και ως εκ τούτου, ποτέ δεν ζωγράφισε αυτοπροσωπογραφία. Ίσως μεγαλώνοντας μέσα στη φτώχεια, δεν έγινε ποτέ κάποιος με πλούτη και ματαιοδοξία που να ένιωθε ότι χρειαζόταν τη δημιουργία μιας αυτοπροσωπογραφίας του. 

Σπάνια έφευγε από την πόλη της Βιέννης

Ο Κlimt είχε ένα είδος ερωτικής σχέσης με την πόλη της Βιέννης. Αντί να ταξιδεύει, επικεντρώθηκε στο να κάνει τη Βιέννη κόμβο για την καλύτερη τέχνη στον κόσμο με όποιον τρόπο μπορούσε.  

Στη Βιέννη, ξεκίνησε δύο ομάδες καλλιτεχνών, η μία, όπως αναφέρθηκε προηγουμένως ήταν η Εταιρεία Καλλιτεχνών όπου βοήθησε στη ζωγραφική τοιχογραφιών στο Μουσείο Kunsthistorisches. Το 1888, ο Klimt τιμήθηκε με το Χρυσό Τάγμα της Αξίας από τον Αυτοκράτορα Φραντς Γιόζεφ Α` της Αυστρίας και έγινε επίτιμο μέλος του Πανεπιστημίου του Μονάχου. 

Δυστυχώς, ο αδελφός του πέθανε και αργότερα θα γινόταν ιδρυτικό μέλος της Vienna Succession. Η ομάδα βοήθησε στην παροχή εκθέσεων για νέους, αντισυμβατικούς καλλιτέχνες, δημιούργησε ένα περιοδικό για να παρουσιάσει τη δουλειά των μελών και έφερε διεθνή δουλειά στη Βιέννη. 

Το The Succession ήταν επίσης μια ευκαιρία για τον Klimt να αναπτυχθεί και να επιδιώξει περισσότερη καλλιτεχνική ελευθερία μέσα στις δικές του συνθέσεις. Συνολικά, είναι ξεκάθαρο ότι ο Klimt ήταν ένας πραγματικός πρεσβευτής για την πόλη της Βιέννης και πιθανότατα είχε πολλά να κάνει με το πώς δεν έφυγε ποτέ. 

Δεν παντρεύτηκε ποτέ αλλά ήταν πατέρας 14 παιδιών

Πορτρέτο της Emilie Floge από τον Gustav Klimt.

Αν και ο Klimt δεν είχε ποτέ γυναίκα, φημολογούνταν ότι είχε ερωτικές σχέσεις με κάθε γυναίκα που ζωγράφιζε ποτέ. Φυσικά, αυτοί οι ισχυρισμοί είναι μη επαληθεύσιμοι, αλλά, ακόμη και εκτός γάμου, ο Klimt απέκτησε 14 παιδιά, αναγνωρίζοντας μόνο τέσσερα από αυτά.

Είναι ξεκάθαρο ότι ο καλλιτέχνης αγαπούσε τις γυναίκες και τις ζωγράφιζε υπέροχα. Φαίνεται ότι δεν βρήκε ποτέ το σωστό ή απολάμβανε την εργένικη ζωή.

Η πιο στενή του σύντροφος ήταν η Emilie Floge, η κουνιάδα του και η χήρα του αείμνηστου αδελφού του, Ernst του νεότερου. Οι περισσότεροι ιστορικοί τέχνης συμφωνούν ότι αυτή η σχέση ήταν οικεία, αλλά πλατωνική. Αν υπήρχαν ρομαντικοί τόνοι, είναι μάλλον βέβαιο ότι αυτά τα συναισθήματα δεν έγιναν ποτέ σωματικά. 

Στο νεκροκρέβατό του, τα τελευταία λόγια του Klimt ήταν «στείλτε για την Emily».

Τα έργα τέχνης του Gustav Klimt σηματοδότησαν τη μετάβαση από τις ακαδημαϊκές συμβάσεις που ακολουθήθηκαν για αιώνες προς την πιο αφηρημένη τέχνη. Η χρήση του επίπεδου φόντου, της επαναλαμβανόμενης διακόσμησης και των μοτίβων άνοιξε το δρόμο για πιο πειραματικά προσανατολισμένους καλλιτέχνες. Ακολουθούν 10 από τα πιο αξιόλογα έργα τέχνης του Gustav Klimt.

1. Gustav Klimt,Το φιλί, 1908

The Kiss by Gustav Klimt, 1908, via Belvedere Musem, Βιέννη

Ο Gustav Klimt απεικονίζει τα θέματά του ως μυθικές φιγούρες που έγιναν σύγχρονες και διαχρονικές, από πολυτελείς επιφάνειες με επίκαιρα γραφικά μοτίβα. Το εκπληκτικό έργο του , “Το φιλί” αποτελεί κορυφαίο σημείο της Χρυσής Περιόδου του καλλιτέχνη μεταξύ 1899 και 1910, όταν χρησιμοποιούσε συχνά φύλλα χρυσού – μια τεχνική εμπνευσμένη από ένα ταξίδι του 1903 στη Βασιλική του San Vitale στη Ravenna της Ιταλίας, όπου είδε τα περίφημα βυζαντινά ψηφιδωτά της εκκλησίας.

 Αυτή η πρακτική αντικατοπτρίζει την ισχυρή επιρροή της χρυσής θρησκευτικής τέχνης του Μεσαίωνα καθώς και τα ιερά έργα που δημιουργήθηκαν από καλλιτέχνες της Βυζαντινής Αυτοκρατορίας.

Πρόκειται για το αρχέτυπο της τρυφερότητας και του πάθους. Αυτή η λαμπερή, πολύχρωμη σκηνή αγάπης δύο προσώπων και σωμάτων που αγκαλιάζονται, βρίσκεται στο Μουσείο Belvedere στη Βιέννη. Αν και φανερά “υπερβολικός”, ο καμβάς με τα φύλλα χρυσού δεν θέτει σε κίνδυνο τη βαθιά σημασία πίσω από το έργο. 

Στο κέντρο του πίνακα, αναπαριστάται ένα ζευγάρι που είναι έτοιμο να φιληθεί.

Κατά κάποιους, τα μοντέλα στον πίνακα είναι ο ίδιος ο Klimt και η αγαπημένη του, Emilie Flοge.

Ο καλλιτέχνης ζωγράφισε τον πίνακα σε μια κρίσιμη στιγμή της καριέρας του. Εν μέσω ενός καλλιτεχνικού πανικού. Μόλις είχε δεχτεί έντονη κριτική για τις οροφές του Πανεπιστημίου της Βιέννης, τη Φιλοσοφία, την Ιατρική και τη Νομική. Οι πίνακες χαρακτηρίστηκαν ως πορνογραφικοί και ο Klimt είχε επιφυλάξεις για τη δουλειά του και τη φθορά της φήμης του. Επιπλέον, μόλις είχε αποχωρήσει από την Απόσχιση της Βιέννης, παρά το γεγονός ότι είχε ιδρύσει και ενεργήσει ως ο πρώτος πρόεδρος του κινήματος. Αυτή η ομάδα είχε ως στόχο να σπάσει τους δεσμούς με την Ακαδημία Καλών Τεχνών και τις συντηρητικές της αξίες. Οι Αποσχιστές της Βιέννης ζωγράφισαν «αυτό που δεν έπρεπε να έχουν ζωγραφίσει», αρνούμενοι να αφαιρέσουν σεξουαλικά στοιχεία από τα έργα τους. Εξερεύνησαν τη δύναμη ενός λεπτού αγγίγματος, μιας αγκαλιάς, ενός φιλιού, μιας στιγμής βίας ή μιας ερωτικής σκηνής. Αν και ο Klimt εγκατέλειψε το κίνημα λόγω διαφωνιών, παρέμεινε ο κύριος εκπρόσωπός του μαζί με τον Egon Schiele. Μετά την αποχώρησή του, ο Klimt οργάνωσε την έκθεση The Kunstschau όπου παρουσίασε το Φιλί για πρώτη φορά στο κοινό. Η εκδήλωση έγινε δεκτή με σφοδρή κριτική και κατέληξε σε οικονομική καταστροφή. Ωστόσο, παρά το γεγονός αυτό, η έκθεση ξεκίνησε στην πραγματικότητα την αστρονομική επιτυχία του πίνακα. Η κυβέρνηση της Βιέννης αγόρασε το έργο πριν ακόμη τελειώσει η έκθεση, καθώς θεωρήθηκε εθνικό συμφέρον.

Το έργο παρουσιάζει ένα αγκαλιασμένο ζευγάρι, κρυμμένο πίσω από έναν μεγάλο χρυσό μανδύα. Αυτή η βαριά διακόσμηση προστατεύει και περικυκλώνει το ζευγάρι, επαναλαμβάνοντας την αθανασία του έρωτά του. Δύο διακριτικά μέρη αποτελούν την εικόνα: το πρώτο μέρος που απεικονίζει τον άντρα δείχνει ένα επαναλαμβανόμενο γεωμετρικό ασπρόμαυρο μοτίβο, που συμβολίζει τη δύναμη, τη θηλυκότητα και την αρρενωπότητά του. Εν τω μεταξύ, το δεύτερο μέρος απεικονίζει αυτό της γυναίκας, όπου ο Klimt χρησιμοποιεί λουλούδια και κύκλους για να αντικατοπτρίζει εικόνες θηλυκότητας και μητρότητας.

Ο άντρας και η γυναίκα είναι οι μόνες φιγούρες σε αυτό το έργο τέχνης όπου εμφανίζονται να δίνουν τις επιθυμίες τους, εντελώς ανέγγιχτες από το χρόνο ή την πραγματικότητα. Αρχικά, ο άνδρας φαίνεται να κυριαρχεί στη γυναίκα λόγω του μεγέθους του, αλλά το πόδι της γυναίκας είναι εκτεθειμένο υποδηλώνοντας ότι γονατίζει. Επομένως, αν ήταν όρθια, θα ήταν στην πραγματικότητα μεγαλύτερη από τον άντρα σύντροφό της και με τη σειρά του θα τον κυριαρχούσε. Αυτή η αγκαλιά θα μπορούσε να θεωρηθεί ως αυτοπροσωπογραφία, όπου οι εραστές συμβολίζουν τον καλλιτέχνη και τη μακροχρόνια σύντροφό του, Emilie Floge. Ωστόσο, η γυναικεία φιγούρα θα μπορούσε επίσης να είναι μια άλλη από τις πολλές μούσες ή τις ρομαντικές κατακτήσεις του Klimt. Καθώς ο δημιουργός ζωγράφιζε ανελέητα, ανελέητα αγαπούσε και τις γυναίκες, ενώ σε όλη του τη ζωή είχε πολλούς εραστές.

Όπως και πολλά άλλα έργα του Klimt που απεικονίζουν αγκαλιές, “Το Φιλί” κρύβει το πρόσωπο του άντρα και επικεντρώνεται αντί για αυτό της γυναίκας. 

Σε αυτό το έργο, η έκφραση του προσώπου και τα κλειστά μάτια της νεαρής γυναίκας προκαλούν ταυτόχρονα συναισθήματα εγκατάλειψης, έκστασης και απόλαυσης. Αν και η θέση του άντρα που την αγκαλιάζει μπορεί να φαίνεται ενοχλητική, ο τρόπος που τα χέρια του κρατούν απαλά το πρόσωπό της προκαλεί συναισθήματα τρυφερότητας και ζεστασιάς. 

2. Πίνακες ζωγραφικής για το Πανεπιστήμιο της Βιέννης, 1898-1900

Φιλοσοφία (καταστράφηκε) από τον Gustav Klimt, 1900, μέσω του art-klimt.com

Λάβετε τα πιο πρόσφατα άρθρα που παραδίδονται στα εισερχόμενά σα

Το 1894, μαζί με τον Franz Matsch, ο Klimt έλαβε μια παραγγελία για μια σειρά από πίνακες για τη Μεγάλη Αίθουσα του Πανεπιστημίου της Βιέννης. Το μέρος της επιτροπής του Klimt περιλάμβανε τρεις πίνακες, τη Φιλοσοφία, την Ιατρική και τη Νομολογία, που αντιπροσώπευαν τις διαφορετικές σχολές. Όταν παρουσιάστηκαν στο κοινό, όλοι έφεραν αρνητική κριτική στον Klimt. Δυστυχώς, οι πίνακες σκόπιμα καταστράφηκαν  από τα στρατεύματα των SS στον Δεύτερο Παγκόσμιο Πόλεμο.

Η Φιλοσοφία ενόχλησε τους κριτικούς με την απεικόνισή του ανδρών και γυναικών να παρασύρονται σε έκσταση. Αν και απορρίφθηκε στη Βιέννη, κέρδισε το χρυσό μετάλλιο στην πρώτη του εμφάνιση στο Παρίσι στην Παγκόσμια Έκθεση το 1900.

Η πρώτη εμφάνιση του ημιτελούς έργου “Φάρμακο” το επόμενο έτος προκάλεσε ακόμη μεγαλύτερη διαμάχη. Είναι δύσκολο να διακρίνει κανείς τι ακριβώς ήθελε να πει ο Klimt για την ιατρική σε αυτόν τον πίνακα. Η μάζα των ανθρώπινων σωμάτων και των ηλικιωμένων φιγούρων δείχνει τον ανθρώπινο πόνο, αλλά η κύρια εστίασή μας είναι στις δύο γυναικείες φιγούρες κάτω και πάνω αριστερά. Το παραδοσιακό σύμβολο του φιδιού υποδηλώνει ότι η γυναίκα στο κάτω μέρος είναι η προσωποποίηση της Ιατρικής. Η γυμνή γυναίκα στα αριστερά μας τραβάει στη βουβωνική χώρα της καθώς ανοίγει τα χέρια της σε μια παρωδία σταύρωσης.

Το έργο “Νομολογία” , που θεωρήθηκε ως πορνογραφικό κομμάτι εκείνη την εποχή, δείχνει τρεις γυναίκες κάτω από το νερό σε έναν θαλάσσιο κόσμο με μακριά μαλλιά που κυλά κάτω από τους ώμους τους. Ο πίνακας γεμίζει με σκοτεινά συναισθήματα σε κάθε στροφή με το έργο τέχνης, ειδικά με το χταπόδι να πιάνει το αρσενικό σε πρώτο πλάνο, αφήνοντας τις γυναίκες να τρομάξουν.

3.Judith και το κεφάλι του Ολοφέρνη, 1901

Δημιουργήθηκε το 1901, Judith και το κεφάλι του Ολοφέρνη είναι η απόδοση του Klimt ενός πολύ δημοφιλούς θέματος στη δυτική τέχνη από τότε, την αναγέννηση.  Η πρώτη εκδοχή της Judith είναι μια αρχέτυπη μοιραία γυναίκα βρέθηκε σε πολλά από τα μεταγενέστερα έργα του Klimt, συμβολίζοντας τον γυναικείο ερωτικό θρίαμβο έναντι της επιθετικής ανδρικής κυριαρχίας.

Ο βιβλικός χαρακτήρας Judith κρατά το κεφάλι του αποκεφαλισμένου Ασσύριου στρατηγού, Ολοφέρνη. Ωστόσο, ο Κλιμτ είναι ξεκάθαρα απορριπτικός για την αφήγηση και τον τυπικό τρόπο απεικόνισης αυτής της ιστορίας. Χωρίς βιβλικό σκηνικό και χωρίς συνηθισμένο ματωμένο σπαθί ούτε συνεργό της Judith, η ίδια η Judith καταλαμβάνει το μεγαλύτερο μέρος της σύνθεσης.

Το πρόσωπο της Judith αποπνέει ένα φορτισμένο μείγμα ευχαρίστησης και διαστροφής, κοιτάζοντας σαγηνευτικά έξω από τον πίνακα. Το μοντέλο για την Judith ήταν η Βιεννέζα socialite Adele Bloch-Bauer, το θέμα δύο άλλων πορτρέτων που ολοκληρώθηκαν το 1907 και το 1912, καθώς και για το έργο τέχνης του Gustav Klimt “Παλλάδα Αθηνά”. Η Adele ήταν μια πλούσια γυναίκα και οικοδέσποινα ενός διάσημου Salon στις αρχές του εικοστού αιώνα, της οποίας ο σύζυγος είχε αρχικά ζητήσει από τον Klimt να ζωγραφίσει ένα πορτρέτο της γυναίκας του.

4.Αλληγορία της Γλυπτικής, 1899

Αλληγορία της Γλυπτικής του Gustav Klimt, 1899

Ο Klimt διαμορφώθηκε ως ζωγράφος στην κλασική παράδοση. Ως καλλιτέχνης με ακαδημαϊκή μόρφωση, ο Klimt είχε επιλεγεί από την εύπορη φιλελεύθερη αστική τάξη ως διακοσμητής των αριστοκρατικών κτιρίων τους. Έτσι, μετά την αποφοίτησή του από το δημοτικό και το γυμνάσιο, ο Gustav έγινε δεκτός στη Σχολή Τεχνών και Χειροτεχνίας του Αυτοκρατορικού Βασιλικού Μουσείου Τέχνης και Βιομηχανίας (το Πανεπιστήμιο Εφαρμοσμένων Τεχνών στη Βιέννη) το 1876 σε ηλικία 14 ετών.

Μέχρι το 1896, ο Klimt άρχισε ήδη να ζωγραφίζει το ανθρώπινο σώμα με έναν πιο αντισυμβατικό και ατομικό τρόπο. Για παράδειγμα, υπάρχει μια ενδιαφέρουσα απόκλιση μεταξύ της προηγούμενης μελέτης για το έργο “Αλληγορία της Γλυπτικής” και η πλήρως υλοποιημένη ζωγραφική. Στη μελέτη, τα άγρια ​​και χαλαρά μαλλιά που αργότερα θα χαρακτήριζαν το στυλ του Klimt είναι ήδη ορατά και υπάρχουν ίχνη μιας πιο λεπτομερούς απεικόνισης της ηβικής τρίχας. Η γυναίκα κοιτάζει κατευθείαν τον θεατή και κάνει μια προκλητική πόζα σαν να την έπιασαν γυμνή στην κρεβατοκάμαρά της. Ο πίνακας, αντίθετα, δείχνει ξανά μια παραδοσιακή φιγούρα, με τη πόζα της να μοιάζει με κλασική γλυπτική, τα μαλλιά της πλεγμένα και οι τρίχες της ηβίας έχουν εξαφανιστεί.

5. Θάνατος & Ζωή, 1911

Death and Life by Gustav Klimt, 1911, via Belvedere Museum, Βιέννη

Τα έργα τέχνης του Gustav Klimt πρέπει να εξεταστούν στο πλαίσιο της συμβολιστικής τέχνης και της τάσης της για καθολικά θέματα. Όπως και οι καλλιτεχνικοί σύγχρονοί του, ο αγώνας της ζωής και του θανάτου πάντα ενέπνεε την τέχνη του Klimt. Ο Klimt παρουσίασε την πρώτη έκδοση του “Θάνατος και Ζωή” το 1911 σε διεθνή έκθεση στη Ρώμη. Για άλλη μια φορά του απονεμήθηκε το πρώτο βραβείο. Δεν ήταν πραγματικά ικανοποιημένος με την έκδοση, οπότε άρχισε να εργάζεται για τις διορθώσεις της το 1915.

Ο σκελετός ντυμένος με μια σκούρα ρόμπα διακοσμημένη με σταυρούς παρακολουθεί μια αιωρούμενη ομάδα ανθρώπινων μορφών που κοιμούνται, που αντιπροσωπεύουν τη Ζωή στα δεξιά. Η ζωή περιλαμβάνει όλες τις γενιές, από το μωρό μέχρι τη μεγαλύτερη γυναίκα. Σε αντίθεση με τους πιο συμβολιστές και εξπρεσιονιστές συναδέλφους του, ο πίνακας του Klimt είναι αισιόδοξος. Μπορεί ο θάνατος να μπορεί να αφαιρέσει τη ζωή ατόμων, αλλά η ίδια η ζωή συνεχίζεται. Το φόντο, πιθανότατα κάποτε σε χρυσό, είχε γίνει γκρι από τον Klimt το 1915. Την ίδια χρονιά, ο Klimt πρόσθεσε περισσότερα στολίδια στις φιγούρες του πίνακα.

6. Πορτρέτο της Emilie Floge, 1902

Πορτρέτο της Emilie Flοge από τον Gustav Klimt, 1902, via Wien Museum, Βιέννη

Ένα μεγάλο μέρος των έργων τέχνης του Gustav Klimt είναι αφιερωμένο σε απεικονίσεις γυναικών. Η γκάμα των γυναικείων τύπων του είναι πολύπλευρη και περιλαμβάνει την ερωτική γυναίκα, τη δαιμονισμένη μοιραία γυναίκα, το αλληγορικό και μυθικό γυναικείο πλάσμα της φύσης, και τέλος, η εξιδανικευμένη κυρία της κοινωνίας. Αυτός ο τελευταίος τύπος του χάρισε τη φήμη του ζωγράφου διακεκριμένα γυναικεία πορτρέτα στο του αιώνα Βιέννη.

Η Emilie Flοge θεωρείται μέχρι σήμερα ως η εμπνευσμένη “μούσα” του παγκοσμίου φήμης καλλιτέχνη. Η Emilie Flοge ήταν μια από τις πιο σημαίνουσες σχεδιάστριες μόδας στη Βιέννη. Διηύθυνε το σαλόνι Schwestern Flοge από το 1904 μαζί με τις αδερφές της Helene και Pauline. Εμπνευσμένη από νέα κινήματα και τάσεις, ακολούθησε τον δικό της καλλιτεχνικό δρόμο δίπλα στον Klimt. Και οι δύο ήταν σημαντικοί εκπρόσωποι και διαμορφωτές των τάσεων, ειδικά για τους Εργαστήριο Wiener, που ιδρύθηκε το 1903, και η ιδέα του εργαστηρίου για το παγκόσμιο έργο τέχνης.

Το πορτρέτο της Emilie Floge δείχνει την ελκυστική νεαρή γυναίκα να φορά ένα δικό της φόρεμα. Πολλά από τα φορέματα και τα υφάσματα της σχεδιάστηκαν από την Klimt ειδικά για το σαλόνι μόδας της. Η χρήση μεταλλικών γεωμετρικών στοιχείων στο πορτρέτο σηματοδοτεί την αρχή του «χρυσού» στυλ του Klimt που θα κορυφωθεί πέντε χρόνια αργότερα με το πρώτο του πορτρέτο της Adele Bloch-Bauer.

7. Δανάη, 1907

Αναπαραγωγή της Δανάης από τον Gustav Klimt, 1907 

Ένα τυπικό θέμα των συμβολιστών ζωγράφων, όπως αναφέρθηκε προηγουμένως, ήταν η αρχετυπική φιγούρα του μοιραία γυναίκα. Μεταξύ των περίπου 4.000 γραφικών έργων που άφησε πίσω του ο Gustav Klimt υπάρχουν πολλές άκρως ερωτικές γυναικείες απεικονίσεις, οι οποίες κέρδισαν στον καλλιτέχνη τη φήμη ενός «ερωτιστή». Τα περισσότερα από αυτά ούτε εκτέθηκαν όσο ζούσε ούτε προορίζονταν να πουληθούν. Χρησιμοποίησαν κυρίως ως μελέτες για πίνακες ζωγραφικής και αποτελούν απόδειξη της σχεδόν εμμονικής εξερεύνησης της ουσίας του «θηλυκού».

Η Δανάη είναι μια μορφή της ελληνικής μυθολογίας. Ως κόρη του Ακρίσιου, βασιλιά του Άργους, κλειδώθηκε σε έναν πύργο από τον πατέρα της αφού ένας χρησμός προέβλεψε ότι ο γιος της θα τον σκότωνε. Η προφητεία εκπληρώθηκε αφού ο Δίας επισκέφτηκε τη Δανάη με τη μορφή χρυσού ντους και την εμπότισε. Η Δανάη σε λίγο γέννησε τον Περσέα, ο οποίος σκότωσε κατά λάθος τον Ακρίσιο με έναν δίσκο.

Όπως είναι χαρακτηριστικό για τα έργα τέχνης του Gustav Klimt, χρησιμοποιεί το πέπλο της μυθολογίας για να κρύψει μια ουσιαστικά ερωτική σκηνή. Ο Κλιμτ βάζει τον θεατή σε ρόλο ηδονοβλεψίας. Βρισκόμαστε κλειστοφοβικά και στενά κοντά στην κοιμισμένη γυναίκα ενώ αυτή εμποτίζεται από το ντους με ερωτικά φορτισμένο χρυσό στολίδι.

8.Ζωφόρος Μπετόβεν, 1902

Ζωφόρος Beethoven του Gustav Klimt, 1902, via Belvedere Museum, Βιέννη

Στο κτίριο Secession στη Βιέννη, μαζί με ένα μνημειακό πολύχρωμο γλυπτό από τον Max Klinger, αυτή η τοιχογραφία ολοκληρώθηκε το 1902. Ο Klimt την έκανε γιορτή του διάσημου Γερμανού συνθέτη Ludwig Van Beethoven. Αρχικά προοριζόταν μόνο για την 14η Έκθεση Secessionist της Βιέννης, η ζωφόρος ζωγραφίστηκε απευθείας στους τοίχους και είναι σε μόνιμη έκθεση σήμερα.

Η ζωφόρος απεικονίζει την επιθυμία για ευτυχία σε έναν κόσμο που υποφέρει και ανεξέλεγκτα, στον οποίο τα ανθρώπινα όντα παλεύουν με εξωτερικές κακές δυνάμεις και εσωτερικές αδυναμίες, όπως αναπαριστώνται στα συμφωνικά αριστουργήματα του Beethoven. Ο θεατής παρακολουθεί το ταξίδι της ανακάλυψης με εντυπωσιακό οπτικό και γραμμικό τρόπο. Η ζωφόρος ξεκινά με ένα αιωρούμενο θηλυκό Genii που ψάχνει τη Γη πριν παρουσιάσει τον απαίσιο εμφανιζόμενο γίγαντα της καταιγίδας, τον Τυφώνα, τις τρεις κόρες του Γοργόνα, και άλλες εικόνες που αντιπροσωπεύουν την ασθένεια, την τρέλα, το θάνατο, τη λαγνεία και την ακολασία, που εμφανίζονται πάνω και δεξιά. Τότε εμφανίζεται ένας ιππότης με λαμπερή πανοπλία, προσφέροντας ελπίδα λόγω της φιλοδοξίας και της συμπάθειας του για τους ανθρώπους που υποφέρουν.

Το ταξίδι ολοκληρώνεται με την ανακάλυψη της χαράς (όπως γιορτάζεται στη χορωδιακή Συμφωνία #9 του Beethoven) μέσω των τεχνών, με τη γαλήνη που απεικονίζεται στη στενή αγκαλιά ενός φιλιού. Έτσι, η ζωφόρος εξερευνά την ψυχολογική ανθρώπινη λαχτάρα, που ικανοποιείται μόνο μέσα από την ατομική και συλλογική αναζήτηση και την ομορφιά των τεχνών, σε συνδυασμό με την αγάπη και τη συντροφικότητα.

9. Οι Τρεις Εποχές της Γυναίκας, 1905

Οι τρεις εποχές της γυναίκας του Gustav Klimt, 1905, μέσω του art-klimt.com

Αυτός ο καμβάς του 1905 αφορά ένα επαναλαμβανόμενο θέμα του έργου τέχνης του Gustav Klimt, που βρέθηκε για πρώτη φορά στον πίνακα του 1895, Αγάπη. Απεικονίζει τις τρεις ηλικίες μιας γυναίκας: ένα παιδί, μια νεαρή κυρία και μια μεγαλύτερη γυναίκα. Ο πίνακας αναγνωρίστηκε αμέσως ως ένα μεγάλο επίτευγμα, κερδίζοντας το βραβείο στο Esposizione d`Arte Internazionale της Ρώμης το 1911.

Το επόμενο έτος, αγοράστηκε από τη Roman Galleria Nazionale d´Arte Moderna. Η σύνθεση συνδυάζει την αποκαλυπτική χρήση του χρυσού από τον Klimt με γεωμετρικά σύμβολα σε διάφορες μορφές. Το εύρος των ανθρώπινων συναισθημάτων μεταφέρεται με ψυχολογική ενδοσκόπηση στις εκφράσεις των τριών μορφών. Χρησιμοποιεί τολμηρά το δραματικό προμήνυμα του θανάτου σε μεγάλη ηλικία, την τρυφερή προστατευτικότητα της νεαρής γυναίκας και τον ικανοποιημένο, φαινομενικά αφελή ύπνο του παιδιού. Ο Κλιμτ δείχνει για άλλη μια φορά ότι στον αιώνιο αγώνα με τον Θάνατο, η Ζωή καταφέρνει να συνεχίσει.

10.Tο δέντρο της ζωής, 1909

Προσδοκία (λεπτομέρεια) από τη ζωφόρο Stoclet του Gustav Klimt, 1909, μέσω art-klimt.com

Το 1905, στα περίχωρα των Βρυξελλών, ο Βέλγος χρηματοδότης Adolphe Stoclet ανέθεσε στον Klimt να σχεδιάσει ένα υπέροχο μωσαϊκό για την τραπεζαρία του λεγόμενου Palais Stoclet. Το πλούσια διακοσμημένο μωσαϊκό σχετίζεται με τη βυζαντινή τεχνοτροπία ζωγραφικής όπως π.χΤο φιλίκαι τοΠορτρέτο της Adele Bloch-Bauer. Σήμερα,το Palais Stoclet, που εξακολουθεί να ανήκει στην οικογένεια Stoclet, ανήκει επάξια στον κατάλογο των μνημείων παγκόσμιας κληρονομιάς της UNESCO.

Μέρος της ζωφόρου Stoclet, που ολοκληρώθηκε το 1911, είναι ένα από τα πιο γνωστά έργα τέχνης του Gustav Klimt.Το δέντρο της ζωής. Το δέντρο είναι το κυρίαρχο μοτίβο των δύο πλευρών της ορθογώνιας τραπεζαρίας.Το δέντρο της ζωής έχει χρυσά, σπειροειδή κλαδιά που γεμίζουν το μεγαλύτερο μέρος του επιπέδου της εικόνας. Το υπόλοιπο το παίρνουν τα άνθη, οι πεταλούδες και τα πουλιά. Η μοναδική όρθια φιγούρα είναι η Προσδοκία, και αντιστοιχεί στην απεικόνιση ενός αγκαλιασμένου ζευγαριού στα δεξιά με τίτλο “Εναγκαλισμός”.