Gustave Courbet | O πατέρας του ρεαλισμού που έφερε επανάσταση στην ευρωπαϊκή ζωγραφική

Ο Gustave Courbet είναι ευρέως γνωστός ως ένας από τους μεγαλύτερους ζωγράφους που είχε ποτέ η Γαλλία. Ηγετική μορφή του ρεαλισμού,  υπήρξε ένας από τους μεγαλύτερους επαναστάτες, τόσο ως καλλιτέχνης όσο και ως κοινωνικός ακτιβιστής, της ιστορίας της ζωγραφικής. Όπως ο Rembrandt και άλλοι προκάτοχοι, έτσι και ο Courbet δεν επιδίωξε να δημιουργήσει ομορφιά, αλλά πίστευε ότι η ομορφιά επιτυγχάνεται όταν ο καλλιτέχνης αντιπροσωπεύει την πιο αγνή πραγματικότητα.

Κατά τη διάρκεια της καριέρας του, έφερε επανάσταση στο καλλιτεχνικό τοπίο της χώρας μέσω της εισαγωγής του κινήματος του Ρεαλισμού. Η κληρονομιά του ως προβοκάτορας με πολιτικά κίνητρα είχε μόνιμο αντίκτυπο στο έργο καλλιτεχνών και θεωρητικών. 

Για όσους ζούσαν στη Γαλλία του 19ου αιώνα, η τέχνη του θα μπορούσε να αναγνωριστεί ως μια σειρά από σκάνδαλα. «Από το 1848 ο M. Courbet είχε το προνόμιο να καταπλήξει το πλήθος», έγραψε ο κριτικός Champfleury το 1855. «Κάθε χρόνο περιμένουμε νέες εκπλήξεις και, μέχρι τώρα, ο ζωγράφος έχει ανταποκριθεί στις προσδοκίες των φίλων του όπως και των εχθρών του. .» Με άλλα λόγια, οι πίνακές του  εξοργίζουν τους ανθρώπους και το κοινό φαινόταν να ευχαριστιέται που εξοργίστηκε με την τέχνη του.

Σήμερα, οι πίνακες του Courbet φυλάσσονται στα μεγαλύτερα μουσεία του κόσμου και θεωρούνται πλέον ως βασικά έργα που συνδέονται με ένα στυλ γνωστό ως Ρεαλισμός, που είχε ως στόχο να αναδείξει, με σχεδόν φωτογραφικές λεπτομέρειες, την καθημερινή ζωή στη Γαλλία — ένα θέμα που εκείνη την εποχή, δεν ήταν της μόδας γιατί δεν ανταποκρινόταν στις αστικές προσδοκίες των εκθέσεων Salon του Παρισιού, στις οποίες βραβεύονταν πάνω από όλα τα έργα ζωγραφικής της ιστορίας και τις μυθολογικές σκηνές.

Ο πατέρας του Ρεαλισμού

Liberty Leading the People by Eugene Delacroix, 1830, via The Louvre, Παρίσι

Αρχικά, είναι σημαντικό να κατανοήσουμε ότι το French Salon, ένας κυβερνητικός οργανισμός που υποστήριζε τα γεγονότα στον κόσμο της τέχνης της Γαλλίας, καθόριζε τα πάντα όσον αφορά τη ζωγραφική και τη σκέψη για την τέχνη. 

Για να είναι επιτυχημένος, ο καλλιτέχνης έπρεπε όχι μόνο να κερδίσει την ιεραρχία του Salon με πινελιές και χρωματικές επιλογές, αλλά το θέμα που παρουσίαζε έπρεπε επίσης να είναι σύμφωνο με την αντίληψή του για το τι πρέπει να είναι η τέχνη. 

Πριν από τη δεκαετία του 1830, υπήρχε μια σειρά από διάχυτα στυλ που κυριαρχούσαν στο Salon. Πρώτον, υπήρχε το ροκοκό στα μέσα του 1700, με τα διακοσμητικά στοιχεία και τα λουλούδια του. Ύστερα ήρθε ο νεοκλασικισμός με την προτίμηση του στην αρχαιότητα. Τέλος, τη στιγμή που ο Gustave Courbet άρχισε να γίνεται διάσημος, ο ρομαντισμός ήταν η κυρίαρχη δύναμη στη Γαλλική Τέχνη. 

Ο ρομαντισμός, όπως υποδηλώνει το όνομά του, παρουσίαζε μια εξιδανικευμένη άποψη του κόσμου – ενσωματώνοντας πολλά στοιχεία τόσο του ροκοκό όσο και του νεοκλασικού στυλ. Ο Delacroix και ο Gericault ήταν ηγέτες των κινημάτων και η δουλειά τους είχε ως στόχο να προκαλέσει βαθιές, συναισθηματικές αντιδράσεις στους θεατές του. Από τον πατριωτισμό μέχρι το δέος στη δύναμη της φύσης, οι ρομαντικοί ζωγράφοι πλαισίωσαν το όραμά τους με απέραντη θεατρικότητα και συναισθηματική ζέση.   

Σκηνές από την καθημερινότητα

Εργάτες που σπάνε πέτρες,  Gustave Courbet, 1849 

Ο Gustave Courbet δεν πίστευε ότι αυτό το όραμα του κόσμου παρείχε στους ανθρώπους τα πράγματα που ήθελαν πραγματικά να τους προσφέρει η τέχνη. Πίστευε ότι η τέχνη θα μπορούσε να χρησιμοποιηθεί ως εργαλείο για να αντικατοπτρίζει τις πραγματικότητες του κόσμου στον οποίο ζούσε. Ήλπιζε ότι θα μπορούσε να αναδείξει τις δυσκολίες που αντιμετώπιζαν οι άνθρωποι στην καθημερινή ζωή και με αυτόν τον τρόπο, προσπάθησε να παρακινήσει τους ανθρώπους να εξετάσουν τις αντιλήψεις τους για τον κόσμο γύρω τους. 

Το Ρεαλιστικό Μανιφέστο του εξέθεσε μερικούς από τους λόγους για την επιθυμία του να ζωγραφίσει την καθημερινή ζωή. Θεωρούσε ότι ήταν άσκοπο να ζωγραφίζει σκηνές από την αρχαία ιστορία, καθώς ο καλλιτέχνης δεν θα καταλάβαινε τι σήμαινε να υπάρχεις εκείνη την εποχή με τον ίδιο τρόπο που θα μπορούσαν να κάνουν στη δική τους.

Ο απελπισμένος άνδρας του Gustave Courbet, 1843-45, σε μια ιδιωτική συλλογή, μέσω του Institut Sapiens, Παρίσι

Ως εκ τούτου, ζωγραφίζοντας τις σκηνές της καθημερινής ζωής που ένας καλλιτέχνης έβλεπε γύρω του, μπόρεσαν να δημιουργήσουν τέχνη που όχι μόνο αντηχούσε πιο αληθινά στη ζωή τους, αλλά και στη ζωή του κοινού τους. 

Ο Gustave Courbet είπε ότι εμπνεύστηκε να ζωγραφίσει αυτή τη σκηνή με τους άνδρες που σπάνε πέτρες αφού είδε στην πραγματικότητα δύο άνδρες να δουλεύουν στην άκρη του δρόμου. Όπως είπε : «δεν είναι συχνά που συναντά κανείς μια τόσο ολοκληρωμένη έκφραση φτώχειας και έτσι, αμέσως και εκεί μου ήρθε η ιδέα για έναν πίνακα. Τους είπα να έρθουν στο στούντιο μου το επόμενο πρωί».

Eπιρροή από τον Rembrandt και τον Jan Van Eyck

Το μάθημα της ανατομίας του Dr. Nicolaes Tulp από τον Rembrandt van Rijn, 1632, μέσω του Μουσείου Mauritshuis, Χάγη

Η επιθυμία του Gustave Courbet να αντικατοπτρίζει τον κόσμο όπως τον έβλεπε πραγματικά προήλθε από διάφορες πηγές. Ωστόσο, μια από τις σημαντικότερες επιρροές στο καλλιτεχνικό του στυλ προήλθε από το ενδιαφέρον του για την τέχνη της Βόρειας Ευρώπης. Είχε επισκεφθεί την Ολλανδία όταν ήταν στις αρχές των είκοσι και είχε ενθουσιαστεί ιδιαίτερα με το έργο του Rembrandt. 

Βρήκε επίσης έμπνευση στις σκηνές ζωγράφων όπως ο Jan Van Eyck και ο Rembrandt, οι οποίοι ζωγράφισαν με μεγάλη ειλικρίνεια την καθημερινή ζωή των πολιτών της Ολλανδίας τον 15ο και τον 16ο αιώνα. Αυτοί οι καλλιτέχνες έδειχναν τις φιγούρες στους πίνακές τους να πίνουν, να αγαπούν, να τρώνε και οτιδήποτε άλλο ενδιάμεσα.

Ο λόγος που το έκαναν δεν ήταν απλώς για να κοροϊδεύουν τις κωμικές προσπάθειες των καθημερινών ανθρώπων, αν και αυτό ήταν σίγουρα ένα στοιχείο του. Αλλά έκαναν επίσης μια φιλοσοφική άποψη για τη φύση της ύπαρξης. 

Ταφή στο Ορνάν

Μια ταφή στην Ορνάν, που ονομάζεται επίσης Ζωγραφική των Ανθρώπινων Φιγούρων, Η ιστορία της ταφής στην Ορνάν από τον Gustave Courbet, 1849-50

Αν και πολύ πιο ζοφερή από πολλές από τις ολλανδικές σκηνές που είχαν εμπνεύσει την οπτική του Gustave Courbet για την απεικόνιση της ζωής των συγχρόνων του, “ Η ταφή στην Ορνάν” περικλείει πολλά από τα ιδανικά του κινήματος του Ρεαλισμού.  Τη χρονιά που ο Courbet άρχισε να δουλεύει πάνω σε αυτόν τον πίνακα, η καριέρα του βρισκόταν σε ανοδική πορεία. Είχε δείξει ένα έργο που απεικόνιζε μια σκηνή δείπνου στο Ορνάν στο Salon του 1849 και είχε λάβει ένα χρυσό μετάλλιο γι` αυτό, και έλαβε θετικές παρατηρήσεις από τους κριτικούς. Στη συνέχεια έδειξε αυτόν τον πίνακα μήκους 22 ποδιών στο Παρίσι και οι κριτικοί τον επέκριναν γι` αυτό. «Ήταν σαν ένας ανεμοστρόβιλος να είχε ορμήσει στην αίθουσα της έκθεσης», έγραψε τότε ο κριτικός Jules- Antoine Castagnary. Ένας άλλος κριτικός έγραψε χλευαστικά ότι ο πίνακας ήταν ένα παράδειγμα της «λατρείας του άσχημου».

Αυτός ήταν ο στόχος του Courbet. Nα ζωγραφίσει κάτι ρεαλιστικό και χωρίς καλοπισμό, καταλήγοντας σε αυτή τη σκηνή, σε έναν ιστορικό πίνακα για τη σύγχρονη εποχή, ο οποίος βασίζεται σε παλαιότερους ομαδικούς πίνακες της Ολλανδίας.  Μια κηδεία σε μια αγροτική γαλλική πόλη που δεν είναι λαμπερή, με ιδιαίτερη προσοχή σε άτομα κατώτερης τάξης, η σύνθεση του πίνακα, με την ανοιχτή του τρύπα στο κέντρο, είναι σκόπιμα παράξενη, ενώ οι αναπαραστάσεις των ανθρώπων δεν εξιδανικεύονται με τον τρόπο που τείνουν να είναι οι χαρακτήρες στους πίνακες της ιστορίας. Ο πίνακας κάποτε ενόχλησε τους θεατές του, αλλά τώρα, βρίσκεται στο Musée d`Orsay και θεωρείται ένα από τα καλύτερα έργα του Courbet.

Όχι μόνο απεικονίζει μια σκηνή της καθημερινής ζωής, αλλά δείχνει και μια που έχει συγκεκριμένη θρησκευτική και κοινωνική σημασία.  

Αφού ο πίνακας παρουσιάστηκε στο Σαλόνι του Παρισιού το 1850, ο καλλιτέχνης ανακοίνωσε ότι «Η ταφή στο Ορνάν ήταν, στην πραγματικότητα, η ταφή του ρομαντισμού». Αυτό έδειξε όχι μόνο την αδιαφορία του για τις στυλιστικές προτιμήσεις που κυριαρχούσαν στην εποχή του, αλλά έδειξε επίσης τη δική του κατανόηση ότι αυτός ήταν ένας πίνακας ορόσημο τόσο στην καριέρα του όσο και στην ιστορία της τέχνης. 

Επιρροές από φίλους- στοχαστές

Πορτρέτο του Charles Baudelaire, Gustave Courbet, 1848, via Musee Fabre, Montpellier

Το ενδιαφέρον του Gustave Courbet για κοινωνικοπολιτικές ιδέες δεν ήταν απαραίτητα δική του έμπνευση. Ήταν στενός φίλος με αρκετούς από τους πιο σημαντικούς και, εκείνη την εποχή, αμφιλεγόμενους στοχαστές της Γαλλίας. Αυτό περιελάμβανε τον διάσημο συγγραφέα Charles Baudelaire, καθώς και τον φιλόσοφο και θεωρητικό Pierre-Joseph Proudhon. 

Αν και ο Baudelaire και ο Courbet ήταν στενοί φίλοι, δεν συμφωνούσαν πάντα στις πιο μεγαλειώδεις ιδέες με τις οποίες αντιμετώπιζαν το αντίστοιχο έργο τους. Ο Baudelaire ένιωθε ότι η επιθυμία του Courbet να αναπαραστήσει ρεαλιστικά στον κόσμο ήταν μια προσπάθεια «να διεξαχθεί πόλεμος ενάντια στη φαντασία» – την οποία ο Baudelaire θεωρούσε ότι ήταν «ο βασιλιάς» των ανθρώπινων ικανοτήτων. 

Ο Courbet και ο Proudhon ήταν πολύ πιο στενά ευθυγραμμισμένοι  φιλοσοφικά. Αυτό μπορεί να προήλθε από παρόμοια ανατροφή τους στις παραμεθόριες περιοχές της Γαλλίας και της Ελβετίας. 

Η γραφή και ο ακτιβισμός του Proudhon ενέπνευσαν τον Courbet , ενώ η ζωγραφική του Courbet ενέπνευσε τη γραφή και τον ακτιβισμό του Proudhon. Ο Courbet είχε αποκαλέσει τον φίλο του «τον πιλότο του 19ου αιώνα», ενώ ο Proudhon χρησιμοποίησε τον Courbet ως φωτεινό παράδειγμα του τρόπου με τον οποίο η τέχνη θα μπορούσε να χρησιμοποιηθεί για την επίτευξη πολιτικής αλλαγής σε ένα από τα τελευταία του δοκίμια, Η Αρχή της Τέχνης και η Κοινωνική της Εφαρμογή.

Το ατελιέ του ζωγράφου

Το ατελιέ του ζωγράφου, μια πραγματική αλληγορία που συνοψίζει επτά χρόνια της καλλιτεχνικής και ηθικής μου ζωής από τον Gustave Courbet, 1854-55, via Musèe d`Orsay, Παρίσι

O ίδιος ο Baudelaire κάνει την εμφάνισή του σε έναν από τους πιο διάσημους πίνακες του Gustave Courbet. Στο The Artist`s Studio, ο Courbet δίνει στο κοινό την πιο προσωπική του εικόνα για την αντίληψή του για τον κόσμο και τους ανθρώπους μέσα σε αυτόν.

Στα αριστερά της σκηνής, ο Courbet απεικόνιζε τους καθημερινούς ανθρώπους που είχαν παίξει τόσο κρίσιμο ρόλο στη διαμόρφωση του καλλιτεχνικού του έργου. Ένας από αυτούς, ένα νεαρό αγόρι, κοιτάζει τον ζωγράφο με θαυμασμό σαν να υποδηλώνει ότι στην πραγματικότητα ανοίγει το δρόμο για τις επόμενες γενιές και εμπνέει το σχηματισμό ενός κόσμου που δεν έχει ακόμη ολοκληρωθεί. 

Αντίστροφα, αμέσως στα αριστερά του, στέκεται μια γυμνή γυναίκα που ποζάρει και κρατά ένα λευκό σεντόνι. Μπορεί να αντιπροσωπεύει την ομορφιά και την αρετή με την κλασική έννοια, αλλά ο Courbet δεν θέλει να έχει καμία σχέση μαζί της. Η πλάτη του είναι γυρισμένη προς το μέρος της και η εστίασή του είναι αποκλειστικά στους ανθρώπους της εργατικής τάξης που κάθονται μπροστά του. 

Kαλλιτέχνες του Ρεαλιστικού Κινήματος

Φθινοπωρινό Τοπίο με Γαλοπούλες Ελευθέρας Βοσκής,Jean-François Millet, 1872

Ο Gustave Courbet δεν ήταν ο μόνος που απεικόνιζε τον κόσμο όσο πιο ρεαλιστικά γινόταν. Το κίνημα του Ρεαλισμού περιελάμβανε άλλους καλλιτέχνες που ακολούθησαν το παράδειγμα του Courbet και περιλάμβανε αξιόλογους καλλιτέχνες όπως ο Jean-Francois Millet, o Honore Daumier και o Edouard Manet.  

Η επιρροή των καλλιτεχνών του κινήματος του Ρεαλισμού μπορούσε να φανεί σε όλο τον κόσμο καθώς και στη Γαλλία. Ο John Sloan και άλλα μέλη της Σχολής ζωγραφικής Aschan στις Ηνωμένες Πολιτείες απαθανάτισαν την καθημερινή ζωή στις εργατικές γειτονιές της Νέας Υόρκης. Αυτή η επιρροή συνεχίστηκε στη δεκαετία του 1900 με άτομα όπως ο Εdward Hopper και ο Georges Bellows.  

Ο Ford Maddox Brown πιστεύεται ότι ακολούθησε τα βήματα του Courbet σε αρκετούς πίνακές του. 

Η επιτομή του Ρεαλισμού του Courbet – Η προέλευση του κόσμου

H προέλευση του κόσμου, Gustave Courbet, 1866, στο Musee d`Orsay, Παρίσι, μέσω του The Guardian

Μια κοντινή όψη της πυελικής περιοχής μιας γυναίκας ήταν ο πίνακας του  Gustave Courbet που έφτασε να καθορίσει το κίνημα του Ρεαλισμού. Στον εν λόγω  πίνακα πέτυχε πιο ενεργά πολλούς από τους στόχους του. Ήταν τόσο «πραγματικός» που δεν εκτέθηκε δημόσια παρά περισσότερο από 100 χρόνια μετά τη δημιουργία του, υπό τον φόβο της διαμάχης και της δημόσιας οργής.

Ο πίνακας αρχικά παραγγέλθηκε για ιδιωτική συλλογή από τον πλούσιο Οθωμανό διπλωμάτη Halil Sherif Pasha, ο οποίος ζούσε στο Παρίσι. Αφού βρέθηκε σε οικονομικές δυσκολίες, το έργο ταξίδεψε σε όλη την Ευρώπη από συλλέκτη σε συλλέκτη μέχρι που τελικά κατέληξε στην κατοχή του ψυχαναλυτή Jacques Lacan, το 1955.

Μόνο το 1988 το έργο παρουσιάστηκε για πρώτη φορά στο κοινό ως μέρος μιας αναδρομικής έκθεσης Courbet που πραγματοποιήθηκε από το Μουσείου του Μπρούκλιν στο Musee d’Orsay, από το 1995, όταν ο Lacan πέθανε και η οικογένειά του συμψήφισε τον φόρο κληρονομιάς χαρίζοντας το έργο στο γαλλικό κράτος.

Όταν το Μουσείο του Μπρούκλιν εξέθεσε τον πίνακα, ο John Russell έγραψε στους New York Times: «Ακόμα και σήμερα, η ακριβής και μαγευτική απεικόνιση των γυναικείων γεννητικών οργάνων έχει διατηρήσει τη δύναμή της να τρομάζει».

Οι μελετητές έχουν σημειώσει ότι ο πίνακας, παρά τη φαινομενικά σεξουαλική του φύση, μπορεί να μην είχε σκοπό να είναι ερωτικός. Ο Nochlin το ονόμασε «πορνογραφία», τονίζοντας ωστόσο την καλλιτεχνική του αξία, σημειώνοντας ότι λειτούργησε ως σωστή απόσταξη του ρεαλισμού λόγω του παγωμένου, αταλάντευτου βλέμματός του. Ο Laurence des Cars, ο διευθυντής του Musee d`Orsay, έχει γράψει: «Το σαρκικά προφανές αντισταθμίζεται από τη μεταφορά που αυτό το απλό κομμάτι —και αφήνοντας τον τίτλο του στην άκρη— μπορεί μόνο να το καταστήσει συναρπαστικό». Οι φεμινίστριες καλλιτέχνιδες, εν τω μεταξύ, είδαν τον πίνακα ως παράδειγμα αντικειμενοποίησης των γυναικών μέσα από το ανδρικό βλέμμα. Το 2014, η Deborah de Robertis γυμνώθηκε από τη μέση και κάτω και άπλωσε τα πόδια της μπροστά στο έργο ως μια πράξη ανάκτησης.

Από πολλές απόψεις, αν και κρυμμένο στην αφάνεια για το μεγαλύτερο μέρος της ύπαρξής του, αυτό το έργο τέχνης ήταν ένα από τα πιο ισχυρά παραδείγματα του κινήματος του Ρεαλισμού του Gustave Courbet. Ήταν στην πραγματικότητα που αυτός ο πίνακας μπορεί να θεωρηθεί τόσο συγκρουσιακός για πολλούς. Όχι μόνο δείχνει μέρος του γυναικείου σώματος, αλλά το όνομά του αντικατοπτρίζει την πραγματικότητα της γέννησης σχεδόν κάθε ανθρώπου.