Barbara Hepworth | Η γυναίκα που έφερε επανάσταση στη σύγχρονη γλυπτική

Η Barbara Hepworth ήταν καινοτόμος. Έσπασε την παράδοση και βρήκε νέες μορφές έκφρασης με το γλυπτό της. Όντας μια επιτυχημένη γυναίκα καλλιτέχνης του 20ου αιώνα, έγινε διεθνές πρότυπο. Αυτό ήταν ένα κίνημα στις αρχές του 20ου αιώνα που έσπασε την παράδοση και εισήγαγε καινοτόμες μορφές έκφρασης. Ως εικοσάχρονη ήδη ξεχώριζε με τα μοντέρνα γλυπτά της από ξύλο, πέτρα και μάρμαρο. Χαρακτηριστικό της Hepworth είναι το τρύπημα των μορφών.

Η Hepworth είναι μια από τις λίγες διεθνώς επιτυχημένες γυναίκες καλλιτέχνες της γενιάς της. Θεωρείται πρότυπο για τις νεότερες γενιές. Χάρισε στον εαυτό της έναν χειραφετητικό ρόλο αποκαλώντας ρητά τον εαυτό της γλύπτη αντί για γλύπτρια. Η προσοχή στη ζωή και το έργο της ταιριάζει με την τρέχουσα απαίτηση για μια πιο ισορροπημένη εκπροσώπηση ανδρών και γυναικών καλλιτεχνών.

Η Αγγλίδα γλύπτρια δημιούργησε έναν σημαντικό αριθμό αφηρημένων έργων κατά τη διάρκεια της ζωής της. Συχνά σχολίαζε τη δουλειά της, τη διαδικασία κατασκευής γλυπτών και τι ενέπνευσε την τέχνη της. Τα κείμενα, τα αποσπάσματα και οι δηλώσεις της αποτελούν πολύτιμη προέκταση του έργου της και συμβάλλουν στην κατανόηση της ζωής της, των εμπειριών της και της τέχνης της.

Η Hepworth ανακάλυψε το πάθος της για τη γλυπτική από την παιδική της ηλικία. Εισήλθε στο Leeds School of Art το 1920, όπου ξεκίνησε μια δια βίου φιλία με τον συμφοιτητή της Henry Moore. Ένα χρόνο αργότερα, έγινε δεκτή στο Royal College of Art του Λονδίνου.

 Ενώ βρισκόταν σε μεταπτυχιακή υποτροφία στην Ιταλία, η Ηepworth εργάστηκε με κορυφαίους λιθοξόους και γνώρισε τον Βρετανό γλύπτη John Skeaping, τον οποίο αργότερα παντρεύτηκε. Πίσω στο Λονδίνο, η Hepworth ήταν μια από μια ομάδα avant-garde γλυπτών που δεσμεύτηκαν να εξερευνήσουν την αφαίρεση. Αν και τα πρώτα της έργα παρουσίαζαν απλοποιημένες, νατουραλιστικές μορφές, επικεντρωνόταν όλο και περισσότερο σε επίσημα ζητήματα. Στις αρχές της δεκαετίας του 1930, η Hepworth δημιουργούσε καθαρά αφηρημένα έργα. Το 1931, η Hepworth και ο Skeaping χώρισαν. Δύο χρόνια αργότερα παντρεύτηκε τον Άγγλο ζωγράφο της avant-garde Ben Nicholson, με τον οποίο έζησε και εργάστηκε για τις επόμενες δύο δεκαετίες.

Το ώριμο στυλ της χαρακτηριζόταν από ένα αισθησιακό είδος οργανικής αφαίρεσης. Η Hepworth διέθετε σημαντική ευαισθησία για τα υλικά της και συνήθως εξασκούσε το άμεσο σκάλισμα. Μερικές φορές ενσωμάτωνε χορδές, σύρματα και χρώματα στα γλυπτά της. Γοητεύτηκε από το παιχνίδι μεταξύ μάζας και χώρου και η προσέγγισή της δημιούργησε μια ένταση μεταξύ ενός ανοιχτού, εσωτερικού χώρου και της υλικής μάζας που τον περιβάλλει.

Λιμάνι στο St Ives της Κορνουάλης

Η Barbara Hepworth είναι γνωστή για τη σύνδεσή της με την παραθαλάσσια πόλη St Ives στην Κορνουάλη. Μετακόμισε εκεί με τον Ben Nicholson το 1939, λίγο πριν το ξέσπασμα του Β` Παγκοσμίου Πολέμου. Το 1949, η Barbara Hepworth αγόρασε το Trewyn Studio στο St Ives, όπου μετακόμισε ένα χρόνο αργότερα. Εργάστηκε και έζησε στο στούντιο μέχρι το θάνατό της. Σήμερα, το στούντιο είναι γνωστό ως Barbara Hepworth Museum and Sculpture Garden. Τα γλυπτά της επηρεάστηκαν σε μεγάλο βαθμό από τα τοπία της περιοχής.

Το “Γλυπτό Τοπίου” της Barbara Hepworth είναι υποδειγματικό αυτής της σχέσης μεταξύ του τοπίου του St Ives και της τέχνης της. Έγραψε ότι οι χορδές του γλυπτού «ήταν η ένταση που ένιωθα ανάμεσα στον εαυτό μου και τη θάλασσα, τον άνεμο ή τους λόφους». Ο όρος St Ives School περιγράφει καλλιτέχνες που εργάστηκαν και έζησαν στην πόλη St Ives ή κοντά στην πόλη St Ives από τη δεκαετία του 1940 έως τη δεκαετία του 1960, παρόλο που οι καλλιτέχνες δεν αναφέρονταν στον εαυτό τους ως μέρος μιας σχολής.

 Γλυπτό Τοπίο της Barbara Hepworth, 1944 

Τα μέλη της Σχολής St Ives μοιράζονταν ορισμένα χαρακτηριστικά, όπως το ενδιαφέρον τους για τη δημιουργία σύγχρονης και αφηρημένης τέχνης καθώς και την επιρροή που είχε το τοπίο του St Ives στη δουλειά τους. Μετά το τέλος του Β` Παγκοσμίου Πολέμου, η παραθαλάσσια πόλη εξελίχθηκε σε κόμβο για σύγχρονους Βρετανούς καλλιτέχνες που δημιούργησαν αφηρημένα έργα. Αυτό το πρωτοποριακό κίνημα είχε ηγέτες την Barbara Hepworth και τον Ben Nicholson και περιλάμβανε καλλιτέχνες όπως οι Bryan Wynter, Paul Feiler και Bernard Leach.

Όλοι ενσωμάτωσαν τα χρώματα, τα σχήματα και άλλες αισθητηριακές εντυπώσεις των τοπικών τοπίων στα έργα τους. Ο ζωγράφος Bryan Winter περιέγραψε αυτή τη διαδικασία λέγοντας: «Το τοπίο ανάμεσα στο οποίο ζω είναι γυμνό από σπίτια, δέντρα, ανθρώπους. κυριαρχείται από ανέμους, από γρήγορες αλλαγές του καιρού, από τις διαθέσεις της θάλασσας. μερικές φορές καταστρέφεται και μαυρίζει από τη φωτιά. Αυτές οι στοιχειώδεις δυνάμεις εισχωρούν στους πίνακες και δανείζουν τις ιδιότητές τους χωρίς να γίνονται μοτίβα».

 

Διαιρεμένος κύκλος από την Barbara Hepworth, 1969

Για τη Βarbara Hepworth, ο τρόπος που προβάλλονταν τα γλυπτά της ήταν μια πολύ σημαντική πτυχή της τέχνης της. Δεδομένου ότι η τέχνη της επηρεάστηκε έντονα από τη φύση, ήθελε να ενσωματώσει το τοπίο και το περιβάλλον στην αναπαράσταση των έργων τέχνης της. Με αυτόν τον τρόπο, τα γλυπτά της θα μπορούσαν να αξιοποιήσουν πλήρως τις δυνατότητές τους. Η Barbara Hepworth  είπε :

«Πάντα οραματίζομαι «τέλειες ρυθμίσεις» για τη γλυπτική και, φυσικά, οραματίζονται κυρίως έξω και σχετίζονται με το τοπίο. Κάθε φορά που οδηγώ στην ύπαιθρο και ανεβαίνω τους λόφους, φαντάζομαι φόρμες τοποθετημένες σε καταστάσεις φυσικής ομορφιάς και εύχομαι να μπορούσαν να γίνουν περισσότερα για τη μόνιμη τοποθέτηση γλυπτών σε παράξενα και μοναχικά μέρη. Προτιμώ τη δουλειά μου να προβάλλεται έξω. Νομίζω ότι η γλυπτική μεγαλώνει στο ανοιχτό φως και με την κίνηση του ήλιου η όψη της αλλάζει πάντα. και με το διάστημα και τον ουρανό από πάνω, μπορεί να επεκταθεί και να αναπνεύσει.”

Τετράγωνα με δύο κύκλους,  Barbara Hepworth, 1963

Κατά τη διάρκεια του Β` Παγκοσμίου Πολέμου, η Barbara Hepworth μερικές φορές φωτογράφιζε τα έργα της δίπλα στη θάλασσα στο St Ives. Η Αγγλίδα Γλύπτρια προτίμησε την έκθεση των έργων της στο ύπαιθρο από τα γλυπτά της που εκτίθενται σε γκαλερί. Λόγω της ζωηρής αλληλεπίδρασης των αντικειμένων με τη φύση, η Barbara Hepworth θεώρησε ότι τα γλυπτά πρέπει να εμφανίζονται στο μεταβαλλόμενο κινούμενο περιβάλλον του εξωτερικού. Ο Hepworth περιέγραψε αυτήν την προτίμηση λέγοντας:

«Έχω βαρεθεί τα γλυπτά σε γκαλερί και φωτογραφίες με επίπεδο φόντο. Ούτε αρνούμαι την εγκυρότητα του καθενός, ούτε την αλήθεια και τη δύναμη της απτικής και αρχιτεκτονικής σύλληψης – αλλά κανένα γλυπτό δεν ζει πραγματικά μέχρι να επιστρέψει στο τοπίο, τα δέντρα, τον αέρα και τα σύννεφα… Δεν μπορώ να το αποφύγω – Δεν θα είμαι πραγματικά χαρούμενη μέχρι να εκπληρωθεί περισσότερο – θα είναι – ακόμα κι αν είναι μόνο η δική μου ταφόπλακα στο Zennor!”

 

Διάτρητο ημισφαίριο II από την Barbara Hepworth, 1937-8 

Σε αντίθεση με τη μέθοδο που χρησιμοποιούσαν παραδοσιακά οι γλύπτες, η Barbara Hepworth χρησιμοποίησε την τεχνική του άμεσου σκαλίσματος για να δημιουργήσει τα γλυπτά της. Πριν από τον 20ο αιώνα, ήταν σύνηθες για τους καλλιτέχνες να ετοιμάζουν ένα μοντέλο από πηλό ή κερί. Οι τεχνίτες κατασκεύαζαν αργότερα το πραγματικό γλυπτό από το μοντέλο του καλλιτέχνη.

H Hepworth ήταν μία από τις γλύπτριες που έγιναν πολύ γνωστή για την εφαρμογή αυτής της μεθόδου. Ο όρος direct carving περιγράφει τη διαδικασία κατά την οποία ο καλλιτέχνης χαράζει απευθείας στο υλικό χωρίς να έχει προετοιμάσει εκ των προτέρων μοντέλο. Η τεχνική χρησιμοποιήθηκε συχνά για να τονίσει το υλικό και τα χαρακτηριστικά του. Οι γλύπτες χρησιμοποιούσαν συνήθως υλικά όπως ξύλο, πέτρα ή μάρμαρο και διατηρούσαν τα σχήματα απλά και αφηρημένα. Για να τονίσουν περαιτέρω το σχήμα και το υλικό, οι καλλιτέχνες συχνά γυάλιζαν την επιφάνεια των γλυπτών τους.

Η Barbara Hepworth με ένα από τα γλυπτά της στο Trewyn Studio, 1961

Τα λεία και μοναδικά διαμορφωμένα γλυπτά της Barbara Hepworth είναι προϊόντα αυτής της προσέγγισης, η οποία εκτιμά το υλικό και τις ιδιότητές του. Η Αγγλίδα γλύπτρια περιέγραψε τη σχέση της με τη μέθοδο λέγοντας:

«Πάντα προτιμούσα το άμεσο σκάλισμα από το μόντελινγκ γιατί μου αρέσει η αντοχή του σκληρού υλικού και νιώθω πιο χαρούμενη δουλεύοντας έτσι. Το σκάλισμα προσαρμόζεται περισσότερο στην έκφραση της συσσωρευτικής ιδέας της εμπειρίας και ο πηλός στην οπτική στάση. Μια ιδέα για σκάλισμα πρέπει να σχηματιστεί ξεκάθαρα πριν από την έναρξη και να διατηρηθεί κατά τη διάρκεια της μακράς διαδικασίας εργασίας. Επίσης, υπάρχουν όλες οι ομορφιές πολλών εκατοντάδων διαφορετικών λίθων και ξύλων, και η ιδέα πρέπει να είναι σε αρμονία με τις ιδιότητες του καθενός λαξευμένου. ότι η αρμονία έρχεται με την ανακάλυψη του πιο άμεσου τρόπου χάραξης κάθε υλικού ανάλογα με τη φύση του.”

 

Reconstruction by Barbara Hepworth, 1947, μέσω του The Hepworth Wakefield

Παρόλο που η Barbara Hepworth είναι διάσημη για τα γλυπτά της, έκανε επίσης διάφορα σχέδια και πίνακες που απεικονίζουν τη δουλειά των χειρουργών και του προσωπικού νοσοκομείων. Όταν η κόρη της καλλιτέχνιδος, Sarah, νοσηλεύτηκε λόγω ασθένειας το 1944, η Hepworth γνώρισε τον χειρουργό, Norman Kapener. Της παρείχε τη δυνατότητα να δει το προσωπικό του νοσοκομείου να κάνει χειρουργική επέμβαση στο Έξετερ και στην Κλινική του Λονδίνου.

Η Hepworth δημιούργησε πάνω από 80 έργα τέχνης που απεικονίζουν αυτό που είδε στο νοσοκομείο από το 1947 έως το 1949. Γοητεύτηκε από τις κινήσεις των χεριών του χειρουργού και ένιωσε ότι υπήρχε σύνδεση μεταξύ της δουλειάς τους και του έργου ενός καλλιτέχνη.

Δύο χειρουργοί και μια αδελφή,  Barbara Hepworth, 1948

Στη δεκαετία του 1950, η Hepworth έδωσε μια διάλεξη μπροστά σε ένα κοινό χειρουργών εξηγώντας την εμπειρία της και συζητώντας τις ομοιότητες που αντίκρισε μεταξύ καλλιτεχνών και χειρουργών. Η Αγγλίδα γλύπτρια είπε:

«Υπάρχει, μου φαίνεται, μια πολύ στενή συγγένεια μεταξύ της δουλειάς και της προσέγγισης τόσο των γιατρών και των χειρουργών όσο και των ζωγράφων και των γλυπτών. Και στα δύο επαγγέλματα έχουμε ένα επάγγελμα και δεν μπορούμε να ξεφύγουμε από τις συνέπειες του. Το ιατρικό επάγγελμα, στο σύνολό του, επιδιώκει να αποκαταστήσει και να διατηρήσει την ομορφιά και τη χάρη του ανθρώπινου μυαλού και σώματος. και, μου φαίνεται, όποια ασθένεια κι αν δει ένας γιατρός μπροστά του, δεν χάνει ποτέ από τα μάτια του το ιδανικό, ή την κατάσταση τελειότητας, του ανθρώπινου μυαλού και σώματος και πνεύματος προς το οποίο εργάζεται. […] 

 

Ο αφηρημένος καλλιτέχνης είναι αυτός που ενδιαφέρεται κυρίως για τις βασικές αρχές και τις υποκείμενες δομές των πραγμάτων, παρά για τη συγκεκριμένη σκηνή ή φιγούρα μπροστά του. και από αυτή την οπτική γωνία ήμουν τόσο βαθιά επηρεασμένη από αυτό που είδα στο χειρουργείο.”

Single Form στο Palais de Danse στο St Ives, 1961 

Η Βarbara Hepworth δημιούργησε πολλά έργα τέχνης κατά παραγγελία. Ένα από τα πιο σημαντικά γλυπτά της είναι ένα κομμάτι που ονομάζεται Single Form και δημιουργήθηκε για την Plaza των Ηνωμένων Εθνών στη Νέα Υόρκη. Το Single Form είναι το μεγαλύτερο γλυπτό της.

Ο γενικός γραμματέας των Ηνωμένων Εθνών Dag Hammarskjold ήταν φίλος της Barbara Hepworth καθώς και θαυμαστής και συλλέκτης των έργων της. Μοιράστηκαν την ιδέα ότι οι καλλιτέχνες έχουν ένα ιδιαίτερο είδος ευθύνης μέσα στην κοινωνία. Ο Hammarskjold αγόρασε μια παλαιότερη έκδοση του Single Form από τον Άγγλο Γλύπτη που ο καλλιτέχνης έφτιαξε από σανταλόξυλο. Όταν ο Hammarskjold πέθανε σε αεροπορικό δυστύχημα το 1961, το Ίδρυμα Jacob and Hilda Blaustein ανέθεσε ένα έργο στη μνήμη του Σουηδού Γενικού Γραμματέα των Ηνωμένων Εθνών.

H Hepworth περιέγραψε το έργο τέχνης λέγοντας:

 «Είναι η σωστή ζυγαριά για να σχετιστούν τα ανθρώπινα όντα. Έχουν αφήσει πίσω τους τεράστια κτίρια, και τώρα εδώ είναι αυτή η τεράστια πρόσοψη από γυαλί, αλλά το γλυπτό εξακολουθεί να είναι σε ανθρώπινη κλίμακα. Ένα άτομο που περπατά μπορεί να το συμπεριλάβει ως μέρος της ζωής του. Και όταν το κοιτάς κάτω από τον 38ο όροφο, είναι σαν ένας παλιός φίλος που στέκεται εκεί κάτω. Δεν πιστεύω στην ηρωική γλυπτική – θέλω να φτιάξω σωστά την ανθρώπινη σχέση. Όταν δουλεύω πολύ, αυτό που με απασχολεί περισσότερο είναι πρώτα η προοπτική σε σχέση με το ύψος του ανθρώπου –γιατί δεν αλλάζουμε, ό,τι άλλο κάνει– και μετά η κίνηση που πρέπει να γίνει αν θέλεις να κοιτάξεις σε αυτό, και, τέλος, μου αρέσει να προσπαθώ να δώσω έμφαση στην ησυχία και να αντλήσω αυτό που ελπίζω να είναι κάποια ποίηση.”

Η φήμη της Hepworth αυξήθηκε διεθνώς τα μεταπολεμικά χρόνια και έγινε εξέχουσα προσωπικότητα στη μοντερνιστική καλλιτεχνική αποικία με έδρα το St Ives. Η διεθνής της φήμη επιβεβαιώθηκε όταν της απονεμήθηκε το Grand Prix στην Μπιενάλε Τέχνης του Σάο Πάολο το 1959. Tο 1964, η μνημειώδης ενιαία μορφή της τοποθετήθηκε μπροστά από την έδρα των Ηνωμένων Εθνών στη Νέα Υόρκη ως μνημείο του γενικού γραμματέα της οργάνωσης Dag Hammarskjold. Η μικρότερη έκδοση αυτού του έργου που βρίσκεται συνήθως στο Battersea Park του Λονδίνου θα εκτεθεί στους κήπους του Rijksmuseum. Το 1965, η Hepworth διορίστηκε Διοικητής του Τάγματος της Βρετανικής Αυτοκρατορίας και ως η πρώτη γυναίκα διαχειρίστρια της Γκαλερί Tate στο Λονδίνο.